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Arte Povera – Entstehung, Konzepte und bekannte Künstler

Arte PoveraFoto: Luigi Bertello / Shutterstock

Die Arte Povera - der italienische Ausdruck für "arme Kunst" oder "verarmte Kunst" - war eine der bedeutendsten und einflussreichsten avantgardistischen Kunstströmungen, die Ende der 1960er Jahre in Südeuropa entstanden ist.

Zur Arte Povera im engeren Sinn gehören die Arbeiten von etwa einem Dutzend italienischer Künstler, deren wichtigstes schöpferisches Merkmal die Verwendung von alltäglichen Materialien war.

Besonders beliebt waren Erde, Steine und Kleidungsstücke. Traditionellerweise ungeeignete oder "arme" Materialien, die von ihnen für ihre Kunst verwendet wurden.

Diese Heransgehensweise an die Kunst stellte eine Herausforderung an die etablierten Vorstellungen von Wert und Korrektheit dar und kritisierte auf subtile Weise die Industrialisierung und Mechanisierung des damaligen Italiens. 

Ihr Werk markierte eine Reaktion auf die abstrakte Malerei der Moderne, die in den 1950er Jahren die europäische Kunst dominiert hatte.

 

Zusammenfassung: Die Arte Povera in Kürze

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    Einige der bedeutendsten Werke der Gruppe entstanden aus dem Kontrast zwischen rohen Materialien und gleichzeitigen Verweisen auf die aufkommende Konsumkultur.
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    Die Künstler präsentierten absurde und humorvolle Gegenüberstellungen, oft des Neuen mit dem Alten oder des Hochverarbeiteten mit dem Vorindustriellen. Auf diese Weise veranschaulichten sie einige der Auswirkungen der Modernisierung, die zur Zerstörung von Orten und Erinnerungen beiträgt, während sie immer weiter in die Zukunft vordringt.
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    Das Interesse der Arte Povera an einfachen Materialien kann mit mehreren anderen Kunstbewegungen der 1950er und 1960er Jahre in Verbindung gebracht werden. So verwendeten die bestimmenden Künstler beispielsweise Techniken, die man aus dem Fluxus oder dem Nouveau Realisme bereits kannte.

Entstehung und Verlauf der Arte Povera

Pino Pascali, Trappola, 1968 | Foto: Marie-Lan Nguyen / Wikipedia

Pino Pascali, Trappola, 1968 | Foto: Marie-Lan Nguyen / Wikipedia

Die Arte Povera entstand aus dem Niedergang der rein abstrakten Malerei in Italien und dem wachsenden Interesse an früheren avantgardistischen Ansätzen in der Kunst der 1920er und 1930er Jahre wie dem Surrealismus.

Ihr Charakter ist insbesondere auf drei Künstler zurückzuführen, die Anfang des 20. Jahrhunderts in Italien tätig waren:

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    Alberto Burri
  • Piero Manzoni
  • Lucio Fontana

Alberto Burris Werk ist ein frühes Beispiel für die Verwendung von einfachen Materialien als avantgardistische Methode, bei der Leinwand, Teer und Sand zu abstrakten Werken auf Leinwand verarbeitet wurden.

Manzoni und Fontana waren enge Freunde und wichtige Persönlichkeiten der italienischen Kunstszene.

Manzonis Werk weist viele der Schlüsselqualitäten der späteren Konzeptkunst auf und reagierte auf die abstrakte Malerei und das Informel, indem er einfache Konzepte und humorvolle Unterwanderungen einsetzte, um die Grenzen der traditionellen künstlerischen Praxis in Frage zu stellen.

Sein berühmtestes Werk bestand aus Konservendosen seiner eigenen Exkremente, die er zum gleichen Preis wie Gold an Sammler verkaufte. Dies schockierte die Kunstwelt, zeigte aber auch die unbegrenzten Möglichkeiten der meisten Ausgangsmaterialien. 

Fontana, dessen Werk hauptsächlich aus monochromen Bildern bestand, lieferte ein weiteres Beispiel für die Kraft einer Kunst, die sich radikal auf wenige Elemente beschränkt. Statt ihre ästhetische Wirkung einzuschränken, konzentrierte die Knappheit der Komponenten ihre Wirkung auf den Betrachter.

Der Begriff Arte Povera wurde 1967 erstmals vom Kunstkritiker Germano Celant verwendet, um das Werk einer Gruppe junger italienischer Künstler zu beschreiben, die gerade erst in die Öffentlichkeit traten.

Im selben Jahr veröffentliche organisierte Celant die Ausstellung "Arte Povera - Im Spazio". Bei der Kuratierung der Ausstellung konzentrierte er sich auf das Eindringen des Banalen in den Bereich der Kunst und zwang seine Betrachter, bisher unwichtige Materialien und Aktivitäten in einem neuen Zusammenhang zu betrachten.

Nur zwei Monate nach der Eröffnungsausstellung verfasste Celant ein Manifest, in dem mehrere Künstler das ursprüngliche Programm ergänzten.

In diesem Manifest steckte Celant die Grenzen der neuen Bewegung ab, indem er sich selbst und die Italiener direkt in ihr verankerte, aber auch indem er eine Definition der Arte Povera vorlegte, die vieldeutiger war als die bisherigen Versuche.

Am deutlichsten wurde dies bei der Aufnahme Pistolettos, dessen Spiegelarbeiten Elemente der Fotografie enthielten, ein Medium, das von den anderen Mitgliedern der Gruppe besonders gemieden wurde.


Konzepte und Stile

Die Arte Povera zeichnet sich vor allem durch die Verwendung alltäglicher Materialien aus, die aufgrund ihrer Allgegenwärtigkeit und Erschwinglichkeit als arm (povera) bezeichnet wurden.

Die Verwendung von Materialien wie Nahrungsmitteln und Wasser kontrastierte mit den industriellen Empfindlichkeiten des amerikanischen Minimalismus, der von den Künstlern als ungeeignet für den kulturellen Kontext des Nachkriegsitaliens angesehen wurde.

Gleichzeitig wandte die Bewegung avantgardistische Taktiken wie Performance und eigenwillige Ansätze der Bildhauerei an, die oft Elemente der Installation enthielten. In ihrer Mission, das Leben wieder mit der Kunst zu verbinden, versuchten die Künstler der Arte Povera, eine subjektive und persönliche Reaktion auf jedes ihrer Stücke hervorzurufen, indem sie eine Interaktion zwischen Betrachter und Objekt betonten, die unwiederholbar und rein originell war.

Skulptur

Marisa Merz, Living Sculpture, 1966

Marisa Merz, Living Sculpture, Aluminium 1966 | Foto: Jim Linwood / Flickr

Die Skulptur ist das künstlerische Medium, das am engsten mit der Arte Povera verbunden ist.

Ausgehend von der Ablehnung abstrakter und minimalistischer Malstile durch die Künstler, die den internationalen Kunstmarkt der 1960er Jahre dominierten, schufen sie Objekte, die eine Interaktion zwischen dem Publikum oder der Institution erforderten, um zu funktionieren.

Ein Beispiel dafür könnte Giovanni Anselmos Untitled (1968) sein, bei dem die Galerie den Salat im Zentrum der Skulptur ständig austauschen musste, um ihre Ursprünglichkeit zu erhalten, oder Michelangelo Pistolettos Serie der Minus-Objekte, die den Betrachter aufforderte, das Objekt zu aktivieren und/oder zu manipulieren, um seine Bedeutung zu extrahieren und so buchstäblich die Lücke oder den "Minusraum" in der Skulptur zu füllen.

Auch die Skulpturen der Künstler der Arte Povera versuchten oft, das Natürliche mit dem Künstlichen zu verbinden oder zumindest auf diese Unterscheidung hinzuweisen. Dies zeigt sich am deutlichsten in der Wahl und Darstellung der Materialien, bei Arbeiten, bei denen beispielsweise Wasser und Erde durch geometrische Rahmen oder Strukturen eingeschränkt sein können.

Diese kontrastreiche Paarung von Materialien zeigt sich auch in der Gegenüberstellung von industriellen Prozessen mit Körperflüssigkeiten, Abfällen oder Dingen, die sonst entsorgt würden.

Indem er den damals vorherrschenden Begriff des "großen Objekts" aufhob, machte der Künstler auf die Widersprüche aufmerksam, die dem Wertesystem der Kunstobjekte und dem Galerieraum selbst innewohnen.

Kuratierung

Das Kuratieren ist ein besonders wichtiger Aspekt bei der Abgrenzung der Bewegung.

Entscheidend für die Entstehung und den Erfolg der Arte Povera war Germano Celant. Aus der oft vagen Ähnlichkeit von Ideen und Ansätzen wurde eine augenscheinliche Kohärenz deutlich und durch Celants kritisches Schreiben und Kuratieren bekräftigt. Indem Celant neue Künstler für die Ausstellungen auswählte, war er der Initiator der Idee, dass diese Praktiken als "Bewegung" betrachtet werden könnten.

Einige der von ihm in die Ausstellungen aufgenommenen Künstler waren bereits mit früheren Bewegungen assoziiert, erhielten dann aber durch ihre Stellung im Verhältnis zu neuen Künstlern eine neue Sichtweise von entscheidender Bedeutung.

Celant stellte die von ihm festgelegte Bewegung auch neben andere, um sie besser definieren zu können und das Image der Bewegung zu erhöhen. Dadurch konnten die Interessen der Künstlergruppe besser gefördert und die kulturelle Wirkung der individuellen Praxis jedes Künstlers erhöht werden. Celants Interpretationen der Künstler, die mit der Arte Povera durch seine kuratorische Praxis verbunden sind, sind somit markante und wichtige Bezugspunkte für die Betrachtung der Bewegung geblieben.

Einbeziehung des Betrachters

Celant betonte oft die Bedeutung des Interesses der Italiener an individueller Subjektivität. So ist Michelangelo Pistoletto vor allem für Arbeiten bekannt, in denen fotografische Abbildungen von Figuren auf Spiegeln gezeigt werden, die technisches Können mit der unheimlichen, aber vertrauten Wahrnehmung eines reflektierten Bildes verbinden.

Dieser Fokus auf Subjektivität bezieht sich interessanterweise auf die Aufforderung zur Interaktion mit Skulpturen und Objekten in der Arte Povera. Celant beschrieb einmal ein verwandtes Werk, die einfache Metallkonstruktion Structure for Standing While Talking (1965-66), als Medium, um einen persönlichen Dialog zwischen Kunst und Betrachter zu schaffen, frei von vorgefassten Einsichten.

Die Künstler Pino Pascali und Jannis Kounellis, Celant, beschrieben ihre Praktiken so, dass der Betrachter das Leben durch Sinnlichkeit erleben kann, indem man die Sinne anspricht, um ein Gefühl des Staunens zu erzeugen, wie in der Installation von lebenden Tieren in Kounellis' Untitled (Twelve Horses) zu sehen ist.


Einfluss der Kunstrichtung

Eine der drastischsten Äußerungen von Celant bezog sich auf die Iglus von Mario Merz und spiegelte seine Hoffnungen auf das weitere kulturelle Erbe der Arte Povera wider.

So schrieb er über Merz:

"Er opfert ständig den banalen, alltäglichen Gegenstand, als wäre es ein neu gefundener Christus. Merz wird zum Spießbürger des Systems und kreuzigt die Welt." 

Celant gelang es, durch seine unermüdliche Interessenvertretung für die Künstler einen Platz für die Arte Povera innerhalb der Geschichte der Avantgarde zu schaffen. Indem er eine Beziehung zum Futurismus und dem Klassizismus der Zwischenkriegszeit aufzeichnete, gab er der Bewegung einen Platz in dem, was als lebendige Tradition in einem internationalen Netzwerk von künstlerischen Praktiken angesehen werden konnte. 

Ab 1970 hatten allerdings mehrere Künstler eine eigene internationale Präsenz auf dem Kunstmarkt entwickelt und versuchten, sich von der Bewegung zu befreien. Einer der schwerwiegendsten Gründe für diese Entwicklung lag darin, dass sie mit der Verwendung von "armen" Materialien in Verbindung gebracht wurden. Darüber hinaus lehnten mehrere Künstler die Verwendung des Namens "Arte Povera" im Titel einer wichtigen Gruppenausstellung im Kunstmuseum Luzern ab.

Trotz wachsender Popularität löste sich die Bewegung Mitte der 1970er Jahre auf, da sich die individuellen Stile der Künstler in verschiedene Richtungen entwickelten. Ihre kurze Einheit und die Fähigkeit von Celant, die Anliegen der Bewegung zu formulieren, hatten jedoch bereits in der Kunstgeschichte ihre Wirkung hinterlassen, obwohl ihre Bedeutung erst Jahrzehnte später vollständig erkannt wurde. 

Nach der Neubewertung der 1960er Jahre zu Beginn des 21. Jahrhunderts schenken die Kritiker den Bewegungen außerhalb der Vereinigten Staaten in diesem Zeitraum nun bewusst mehr Aufmerksamkeit. Als Ergebnis dieser kritischen Veränderung hat die Arte Povera eine Art Wiederbelebung innerhalb der akademischen Kunst erlebt.

Die Bewegung wurde auch als Vorläufer einiger Ansätze der bildhauerischen Praxis erwähnt, darunter die der Young British Artists. Andere Bewegungen, die von der Arte Povera beeinflusst wurden, sind die japanische Monoha-Gruppe, deren Fokus auf der Essenz der verwendeten Materialien lag, sowie amerikanische anti-formale oder postminimalistische Ansätze wie die von Robert Morris oder Lynda Benglis.


Bedeutende Werke der Arte Povera

Giovanni Anselmo, Torsione, 1968

Arte Povera Giovanni Anselmo

Giovanni Anselmo, Torsione, 1968 | Foto: Pedro Ribeiro Simões / Flickr

Das Werk von Giovanni Anselmo zeigt einen einfachen Stab, der an einer verzwirbelten Stoffbefestigung von der Wand hängt. 

Dieses Werk ist signifikant für die Verwendung einfacher Materialien und zeigt den Schwerpunkt der Bewegung auf Alltagsgegenständen und natürlichen Elementen. 

Torsione stellte traditionelle Vorstellungen von Skulptur und Schwerkraft in Frage und lädt den Betrachter ein, seine Wahrnehmung von Stabilität und Ungleichgewicht zu überdenken.

Jannis Kounellis, Cavalli, 1969

Claudio Abate, Jannis Kounellis, Cavalli, 1969

Jannis Kounellis, Cavalli, 1969 | Foto: Claudio Abate / Almine Rech Gallery

Kounellis ist bekannt für seine bahnbrechenden Arbeiten in der Arte Povera, und das unbetitelte Werk, das heute unter dem Titel "Cavalli" bekannt ist, ist ein Paradebeispiel dafür. In dieser Installation sind lebende Pferde an den Wänden der Galerie angebunden und bringen ein unerwartetes und dynamisches Element in den Kunstraum.

Die Verwendung von Lebewesen und natürlichen Materialien steht im Einklang mit der Ablehnung traditioneller künstlerischer Konventionen durch diese Kunstrichtung.

Die Arbeit stellt die Grenzen zwischen Kunst und Leben in Frage und betont die Bedeutung von Erfahrung und Zeitgebundenheit in der Kunst, was sie zu einem wichtigen und provokativen Werk innerhalb der Arte Povera macht.


Lenny
Der AutorLenny
Als Gründer von Daskreativeuniversum teile ich mein Fachwissen im Bereich der Kunstgeschichte und meine Erfahrungen in der zeitgenössischen Kunst mit dir.

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