Edvard Munch Werke – Seine 12 wichtigsten Arbeiten
Die bedeutendsten Gemälde aus einem umfangreichen Gesamtwerk
Der norwegische Künstler Edvard Munch (1863-1944) war einer der bedeutendsten Symbolisten und Expressionisten seiner Zeit. Munch verlor seine Schwester und seine Mutter schon in jungen Jahren an Tuberkulose, sodass er seine Kunst als Ventil gegen seine späteren Ängste und Verunsicherungen einsetzte.
Hier stellen wir 12 Werke von Edvard Munch vor, die allesamt die gefühlsmäßige Wahrnehmung der menschlichen Sterblichkeit durch den Künstler veranschaulichen.
Der Schrei
Der Schrei ist das ikonischste Gemälde von Edvard Munch, das eine entsetzte Figur darstellt, die ihre Ohren unter einem feurigen Sonnenuntergang voller Entsetzen zuhält.
Das Bild soll von einer Vision inspiriert worden sein, die der Künstler auf einem Spaziergang mit zwei Freunden hatte. Zwischen 1893 und 1910 entstanden zwei Ölbilder sowie zwei Pastelle, die diese Vision darstellen. Seine Erfahrungen in der Dichtung drückte er auf dem Rahmen seines Pastells von 1895 aus:
«Ich ging mit zwei Freunden die Straße entlang – die Sonne ging unter – plötzlich wurde der Himmel blutrot – ich hielt inne, fühlte mich erschöpft und lehnte mich an den Zaun – es gab Blut und Flammenzungen über dem blauschwarzen Fjord und der Stadt – meine Freunde gingen weiter, und ich stand da und zitterte vor Angst – und ich spürte einen unendlichen Schrei, der durch die Natur ging.»
Abend auf der Karl Johans gate
1891 vollendete Munch seinen farbenfrohen Frühling in der Karl Johan Straße. Diese freudige Darstellung der Karl Johan Straße ist das genaue Gegenteil von Munchs Bild dieser Straße bei Nacht, das 1892 fertiggestellt wurde. Die Sonne ist untergegangen und eine Gruppe von trauernden Fußgängern scheint von einer Beerdigung oder einer schrecklichen Veranstaltung wegzugehen.
Die Art und Weise, wie dieses Bild die Stimmung von Munchs Frühlingswerk der Straße so stark kontrastiert, fügt den anonymen, geisterhaften Figuren ein kühles Element hinzu.
Melancholie
Das Dreieck der Liebe war ein gängiges Thema in Munchs Werk, das in verschiedenen Darstellungen in 11 verschiedenen Bildern aufbereitet wurde.
Die erste Melancholie wurde 1895 gemalt und die letzte in den 1930er Jahren. Obwohl die Schauplätze nicht gleich sind, zeigt jedes emotionale Gemälde einen eifersüchtigen Mann, der den Betrachter ansieht, während sich ein verliebtes Paar im Hintergrund umarmt.
Die Inspiration für diese Serie kam von dem Verlangen von Munch und einem Kollegen nach der gleichen Frau. Die Künstler beschlossen, zusammenzuarbeiten und jeder schuf seine eigenen Bilder zum Thema Eifersucht. Hier stellt sich Munch mit der Frau dar und lässt ihren ehemaligen Geliebten in einem Zustand der Eifersucht zurück.
Der Tod des Marat
Eines der berühmtesten Bilder der Französischen Revolution ist das Gemälde des einflussreichen klassizistischen Künstlers Jacques-Louis David mit dem Titel «Der Tod des Marat«. Es zeigt den Revolutionär Jean-Paul Marat, der nach der Ermordung durch Charlotte Corday in einer Badewanne starb. Das Gemälde von David wurde 1793, nur wenige Monate nach dem Vorfall, gemalt.
Edvard Munch gehört zu mehreren Künstlern, die sich von dem Meisterwerk inspirieren ließen und eine eigene Version von Marats Tod herausbrachten.
Sein Ölgemälde von 1907 zeigt nicht nur eine männliche Figur, die auf einem blutigen Bett stirbt, sondern auch eine Darstellung der verantwortlichen Frau. Seine Nachbildung stellt sich selbst als Marat und seine Geliebte Tulla Larsen als Mörderin dar, nackt und beunruhigend ruhig zugleich.
Das kranke Kind
Edvard Munch fertigte zwischen 1885 und 1926 sechs Versionen von «Das kranke Kind» an. Das Bild zeigt ein schwaches, blasses junges Mädchen im Bett mit einer älteren Frau, die vermutlich ihre Tante ist und in Trauer an ihrer Seite sitzt. Munchs Schwester Johanne Sophie starb im Alter von 15 Jahren an Tuberkulose, auf die er in diesen Bildern Bezug nimmt.
Er selbst wäre auch fast an der Infektionskrankheit gestorben und es wird angenommen, dass das Bild seine Verzweiflung und Schuld aufzeichnet, dass er anstelle seiner Schwester derjenige war, der überlebt hat.
Nacht in Saint-Cloud
Das Gemälde wurde kurz nach der Ankunft von Munch in Paris geschaffen und enthüllt den unmittelbaren Einfluss der Post-Impressionisten Van Gogh und Toulouse-Lautrec, deren zahlreiche Portraits von Einzelpersonen oder leeren Räumen diesem Motiv vorausgehen.
Munchs Hommage an seinen Vater besteht aus einem abgedunkelten, scheinbar geheiligten, in dämmriges Licht getauchten Raum – einem Raum, der nur von Schatten und Stille eingenommen wird. Die Motivwahl passt zu der angespannten Beziehung zwischen Vater und Sohn.
In anderen Gemälden, die sich auf den Tod konzentrieren, machte Munch das Subjekt physisch präsent, aber in diesem Fall ruft das Ableben von Munchs Vater nur ein Gefühl der kühlen Verlassenheit hervor.
Der Tanz des Lebens
«Der Tanz des Lebens» zeigt Paare, die an einem Sommerabend unter dem Mond tanzen. Im Mittelpunkt des Bildes steht das Paar in der Mitte, das als Munch und Tulla Larsen gilt, die Liebe seines Lebens.
Das Bild als Ganzes erzählt eine Geschichte der menschlichen Erfahrung, und die beiden Frauen, denen das Paar auf jeder Seite gegenübersteht, repräsentieren die verschiedenen Phasen des Lebens einer Frau. Die Linke, die in ihrem weißen Kleid nach der Blume greift, steht für die kindliche Unschuld, die nach vorne schaut. Die Frau in dunklen Farben zeigt eine reife Frau – möglicherweise eine Witwe ohne Mann -, die traurig auf das Paar zurückblickt.
Dies ist ein großartiges Beispiel für die emotionale Sensibilität des Malers und seine melancholische Einstellung zu Leben und Liebe.
Madonna
Ungefähr zeitgleich wie «Der Schrei» erschaffen, hat Munch seine Madonna mit weichen Pinselstrichen und vergleichsweise gedämpften Pigmenten dargestellt. Munch stellt die Jungfrau Maria in einer Weise dar, die allen vorangegangenen «historischen» Darstellungen – vom Naturalismus der Renaissance bis zum Realismus des 19. Jahrhunderts – der keuschen Mutter Jesu Christi widerspricht.
Mit einem Gefühl der Bescheidenheit, das nur durch ihre geschlossenen Augen vermittelt wird, verzerrt sich ihr Körper subtil und beugt sich zu einem unauffälligen Licht. Tatsächlich kann die Madonna von Munch sehr wohl als eine moderne, wenn auch unverschämte Darstellung der Unbefleckten Empfängnis verstanden werden. Der rote Heiligenschein auf dem Kopf der Madonna im Gegensatz zum üblichen weißen oder goldenen Ring deutet auf eine herrschende Leidenschaft hin, die den Darstellungen des Subjekts aus der Barockzeit entspricht, abzüglich aller religiösen Diskretion.
Während der Künstler selbst nie ganz der religiösen Leidenschaft und den Lehren seines Vaters erlag, zeigt dieses Werk deutlich Munchs ständiges Ringen um die genaue Natur seiner eigenen Spiritualität.
Trennung
Dieses traurige, emotionale Bild wurde 1896 gemalt. Es veranschaulicht Liebe, Verlust und Herzschmerz, zeigt einen jungen Mann, der sich an einen Baum lehnt und sein Herz hält, mit einer gesichtslosen, beleuchteten Frau im Hintergrund.
Das Bild stellt eindeutig getrennte Liebende dar, aber weil die Frau als eine engelhafte Gestalt dargestellt wird, die wegfliegt, symbolisiert dies möglicherweise, dass die Liebe des Mannes zwar weg ist, die Erinnerungen an sie und die Vergangenheit ihn aber immer verfolgen werden.
Pubertät
Edvard Munch schuf die Pubertät zwischen 1894 und 1895. Es zeigt ein junges nacktes Mädchen, das gerade erst in die Pubertät kommt und ist daher eines seiner umstrittensten Bilder. Da der Körper des Mädchens so detailliert gemalt ist, glauben viele, dass es sich um ein Bild eines Live-Models handelt.
Das Mädchen sitzt schüchtern auf dem Bett, mit geschlossenen Beinen und verschränkten Armen, bedeckt sich, vielleicht repräsentativ für die gehemmte Sexualität. Ein dunkler Schatten lauert neben dem Mädchen, möglicherweise symbolisiert er ihre Angst und Angst um das Erwachsenwerden.
Vampir
Dieses Bild ist eines der umstrittensten und schockierendsten Bilder in der Geschichte der europäischen Kunst und auch eines der meistveröffentlichten und begehrtesten Werke von Munch. Es ist Teil seines 20-teiligen «Lebensfries» und hieß ursprünglich Liebe und Schmerz. Munch fertigte vier Versionen dieses Bildes und bestand immer darauf, dass es nichts anderes als eine Frau war, die einen Mann tröstet.
Als es jedoch 1894 an die Öffentlichkeit gelangte, sahen viele es als einen Mann, der in der Umarmung eines rothaarigen Vampirs eingeschlossen war, und verbanden es mit dem Sado-Masochismus, Munchs Beziehungen zu Prostituierten und einige sahen es sogar als eine Fantasie seiner toten Schwester. So nahm das Bild den Titel «Vampir» an, was es auch heute noch ist.
Die Arbeiter auf dem Weg nach Hause
«Die Arbeiter auf dem Weg nach Hause» ist eines der vielen Edvard Munch Werke, die das Leben aus der Perspektive von Leid, Trauer und Melancholie darstellten. Er zeigt eindrucksvoll eine Flut von dünnen, erschöpften Männern der Arbeiterklasse, die nach einem Arbeitstag aus Fabriken nach Hause gingen.
Die dunkle Stimmung, der abgenutzte Gesichtsausdruck und die Transparenz der Männerfüße am Boden zeigen sie als fast geisterhafte Gestalten, die unglücklich von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang unterwegs sind.
