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Kunst

Art Déco – Geschichte, Eigenschaften und bekannteste Werke

Foto: Martchan / shutterstock.com

Der Art Déco ist eine Stilentwicklung, de sich in allen Bereichen der bildenden Kunst durchgesetzt hat. 

In diesem Artikel sehen wir uns alle wichtigen Infos zum Art Déco an.

Begonnen wird mit einer Zusammenfassung und den wichtigsten Ideen der Stilrichtung, bevor wir uns der geschichtlichen Entwicklung widmen und anschließend 5 weltbekannte Beispiele besprechen.

Zusammenfassung des Art Déco

Der Art Déco Stil zeigte sich im gesamten Spektrum der bildenden Kunst: von der Architektur, über die Malerei und Skulptur, bis hin zur Grafik und das Kunstgewerbe. 

Während die Art-Déco-Praktizierenden oft moderne Einflüsse wie den Kubismus, De Stijl und Futurismus würdigten, waren die Referenzen zu diesen Bewegungen eher indirekter Natur.

Es war ungefähr so, als würden sie die Ergebnisse aus Jahrzehnten des Verfeinerns von Kompositionen zu den grundlegendsten Formen heranziehen und daraus einen neuen Stil kreieren, der visuell ansprechend, aber nicht intellektuell beunruhigend war.

Der Art Déco Stil stammt ursprünglich aus Paris, hat aber die Architektur und Kultur als Ganzes beeinflusst. Art Déco Werke sind symmetrisch, geometrisch, stromlinienförmig, oft einfach und ansprechend für das Auge. Dieser Stil steht im direkten Kontrast zur avantgardistischen Kunst der Zeit, die den Betrachter im Alltag herausforderte, Sinn und Schönheit in oft anti-traditionellen Motiven und Formen zu finden.

Kernideen des Art Déco

  • Der Art Déco, ähnlich dem Jugendstil, ist ein moderner Kunststil, der versucht, funktionale Objekte mit künstlerischen Akzenten zu verbinden. Diese Bewegung unterscheidet sich von der bildenden Kunst (Malerei und Skulptur) insofern, dass das Kunstobjekt in der bildenden Kunst keinen praktischen Zweck oder Nutzen haben muss, der über die Bereitstellung einer interessanten Ansicht hinausgeht.
  • Mit der Einführung der Großserienfertigung wollten Künstler und Designer das Erscheinungsbild von massenproduzierten Funktionsobjekten verbessern - von Uhren und Aschenbechern bis hin zu Autos und Gebäuden. Das Streben des Art Déco nach Schönheit in allen Aspekten des Lebens spiegelte direkt die Neuheit und die Nutzung neuartiger Technologien wider und eben nicht die Verwendung traditioneller Handwerksmethoden zur Herstellung vieler Objekte. 
  • Das Ethos des Art Déco wich vom Jugendstil und dem Kunsthandwerk ab, was die Einzigartigkeit und Originalität handgefertigter Objekte betonte und stilisierte, organische Formen zeigte. Diese handgefertigte Qualität war symbolisch für eine Art Elitedenken im Gegensatz zu Art Decos egalitärer Zielsetzung: ästhetisch ansprechende, maschinell hergestellte Objekte, die jedem zugänglich waren.
  • Die Stromlinien-Moderne, die amerikanische Version des Art Deco-Stils, war eine reduzierte Version des aufwändigeren und oft kundenspezifisch gestalteten europäischen Art Déco. In vielerlei Hinsicht erfreute sich der amerikanische Stil in den USA einer wesentlich größeren Beliebtheit als das mit dem Art Déco in Europa der Fall war.

Ursprünge und Vorläufer

Ende des 19. Jahrhunderts erkannten in Frankreich viele der namhaften Künstler, Architekten und Designer, die eine wichtige Rolle bei der Entwicklung des Jugendstils gespielt hatten, dass der Stil immer unzeitgemäßer wurde.

Am Ende eines Jahrhunderts, als die Industrielle Revolution ihre volle Wirkung entfaltete, unterschied sich das damalig Leben sehr stark vom Leben aus einigen Jahrzehnten zuvor. Es war Zeit für etwas Neues, etwas, das "20. Jahrhundert" voll und ganz zum Ausdruck bringen sollte.

Die Gesellschaft der dekorativen Künstler in Frankreich

Foto: Logo dessiné par Gustave Miklos Pierre gencey / CC BY-SA 3.0

Aus diesem Wunsch heraus, im Einklang mit der Innovation in das neue Jahrhundert zu gehen und nicht durch Nostalgie zurückgehalten zu werden, gründete eine Gruppe französischer Innovationen eine Organisation namens Societé des Artistes Décorateurs (Die Gesellschaft der dekorativen Künstler).

Die Gruppe formierte sich um mehrere bekannte Persönlichkeiten. Jugendstildesigner und Grafiker Eugene Grasset und der Jugendstilarchitekt Hector Guimard sowie aufstrebende Dekorationskünstler und Designer wie Pierre Chareau und Francis Jourdain waren die Leitfigur der Gesellschaft. Auch der französische Staat unterstützte und förderte diese Richtung der künstlerischen Tätigkeit.

Eines der Hauptziele der neuen Gruppe war es, die hierarchische Struktur der bildenden Künste zu hinterfragen, die den dekorativen Künstlern einen geringeren Stellenwert einräumte als den klassischen Mal- und Bildhauermedien. Jourdain wird bekanntlich mit den Worten zitiert: "Wir haben uns entschlossen, die dekorative Kunst, die rücksichtslos als Aschenputtel oder armer Verwandter behandelt wird, der mit den Dienern essen darf, an den wichtigen, fast dominanten Ort zurückzugeben, an dem sie in der Vergangenheit, zu allen Zeiten und in allen Ländern der Welt stand".

Der Plan für eine Großausstellung mit einer neuen Art des Kunstgewerbes war ursprünglich für 1914 konzipiert, musste aber bis zum Ende des Ersten Weltkriegs auf Eis gelegt und dann aus verschiedenen Gründen bis 1925 zurückgeschoben werden.

Die Ausstellung, die die Bewegung offiziell ins Leben rief

Poster_Expo_1925

Die französische Regierung, die die Ausstellung zwischen der Promenade der goldenen Kuppel Les Invalides und den Eingängen des Petit Palais und des Grand Palais auf beiden Seiten der Seine veranstaltete, versuchte, den neuen Stil zu präsentieren. Über 15.000 Künstler, Architekten und Designer zeigten ihre Arbeiten auf der Ausstellung. In den sieben Monaten der Ausstellung besuchten über 16 Millionen Menschen die vielen einzelnen Ausstellungen. Diese Ausstellung war der Katalysator für den Beginn der Bewegung.

Jugendstil und Art Deco

Art Deco war eine direkte Antwort auf den Jugendstil, sowohl in ästhetischer als auch in philosophischer Hinsicht. Aber auch war der Art Deco eine Reaktion auf das breitere kulturelle Phänomen der Moderne. Der Jugendstil geriet während des Ersten Weltkriegs aus der Mode, da viele Kritiker die aufwendigen Details, filigranen Designs, oft teuren Materialien und Herstellungsmethoden des Stils für eine unbeständige und zunehmend maschinell geprägte moderne Welt als ungeeignet empfanden.

Während die Jugendstilbewegung ihre komplizierten, stilisierten Formen aus der Natur ableitete und die Tugenden des Handwerks lobte, betonte die Ästhetik des Art Deco die Vereinfachung der Maschinenzeit und die schlanke Geometrie.

Art Deco und Moderne

Die Exposition Internationale versammelte nicht nur Werke im Art-Deco-Stil, sondern stellte auch handgefertigte Gegenstände in der Nähe von Beispielen avantgardistischer Malerei und Skulpturen in Stilen wie Kubismus, Konstruktivismus, Bauhaus, De Stijl und Futurismus aus.

In den 1920er Jahren war Art Deco ein übersprudelnder, aber weitgehend im Mainstream verankerter Gegenpol zur Ästhetik des Bauhaus und De Stijl. Alle drei teilten die Betonung auf klare, starke Linien als organisierendes Gestaltungsprinzip. Die Art-Deco-Praktizierenden nahmen technologische Innovationen, moderne Materialien und die Mechanisierung an und versuchten, sie in der Gesamtästhetik des Stils selbst hervorzuheben.

Die Praktizierenden nahmen auch an anderen Bewegungen der Moderne teil und lernten aus diesen. Art Deco wurde von Bewunderern wahrgenommen, die sich mit den zukunftsweisenden Perspektiven zeitgenössischer Avantgarde-Bewegungen auseinandersetzten. Ironischerweise spielte die Malerei und Skulptur der Moderne in der Ausstellung eine untergeordnete Rolle, mit wenigen Ausnahmen des sowjetischen Pavillons und Le Corbusiers Esprit Nouveau Pavillon.

Art Deco nach der Weltwirtschaftskrise

Der Beginn der zweiten Phase des Art Deco fiel mit dem Beginn der Weltwirtschaftskrise zusammen. Die Sparsamkeit könnte in der Tat sowohl aus pragmatischen als auch aus konzeptionellen Gründen die Kernästhetik dieser zweiten Welle des Art Deco sein.

Während beispielsweise die Art-Deco-Architektur vertikal ausgerichtet war und Wolkenkratzer in luftige Höhen kletterten, symbolisierten die späteren Art-Deco-Gebäude mit ihren meist schmucklosen Außenseiten, grazilen Kurven und horizontalen Akzenten Robustheit, eine stille Würde und Widerstandsfähigkeit. In den schlimmsten Jahren der wirtschaftlichen Depression, im Amerika zwischen 1929 und 1931, wandelte sich der amerikanische Art Deco von der Befolgung von Trends zum Erfinden neuer Trends.

Die Stromlinien-Moderne

Die Stromlinien-Moderne wurde zur amerikanischen Fortsetzung der europäischen Stilrichtung des Art Déco. Über die schwerwiegenden wirtschaftlichen und philosophischen Einflüsse hinaus waren die ästhetischen Inspirationen für die ersten Strukturen der Stromlinien-Moderne Gebäude, die von Befürwortern der Neuen Sachlichkeit entworfen wurden, die aus einem informellen Zusammenschluss deutscher Architekten, Designer und Künstler entstanden sind, der sich Anfang des 20. Jahrhunderts gebildet hatte.

Künstler und Architekten der Neuen Sachlichkeit ließen sich von der gleichen Art von schlichtem Pragmatismus inspirieren, der die Befürworter von Stromlinien-Moderne zwang, Exzesse zu beseitigen, einschließlich der Emotionalität der expressionistischen Kunst. Die Architekten der Stromlinien-Moderne konzentrierten sich darauf, Strukturen zu schaffen, die als praktisch angesehen werden können und die die Anforderungen des realen Lebens widerspiegeln.

Sie zogen es vor, ihre Entwürfe an die reale Welt anzupassen, anstatt ihre Gedanken an eine Ästhetik anzupassen, die nicht zweckmäßig war. Zu diesem Zweck haben die Architekten der Neuen Sachlichkeit sogar Pionierarbeit in der Fertigteiltechnologie geleistet.

Ohne Verzierungen zeigte die Architektur der Stromlinien-Moderne klare Kurven, lange horizontale Linien, Glasbausteine, Bullaugenfenster sowie zylindrische und manchmal nautische Formen. Mehr denn je lag der Schwerpunkt auf der Aerodynamik und anderen Ausdrucksformen der modernen Technologie. Die teureren und oft exotischen Materialien des Art Déco wurden in der Stromlinien-Moderne durch Beton-, Glas- und Chromteile ersetzt. Farbe wurde sparsam eingesetzt, sodass Gelbweiß, Beige- und Erdtöne die wesentlich lebhafteren Farben des europäischen Stils ersetzten. Der Stil wurde zunächst in die Architektur eingeführt und dann auf andere Kunstobjekte ausgedehnt.

Art Deco wurde erst rückwirkend als Art Déco bezeichnet

Ursprünglich wurde der Begriff von einem berühmten Kritiker, dem modernistischen Architekten Le Corbusier, in Artikeln abwertend verwendet, in denen er den Stil wegen seiner Verzierung kritisierte, eine Eigenschaft, die er in der modernen Architektur für unnötig hielt.

Dahingegen begrüßten die Befürworter des Stils ihn als eine reduzierte, moderne Antwort auf die übermäßige Ornamentik des Jugendstils. Erst Ende der 1960er Jahre, als das Interesse am Stil erneut entfacht wurde, wurde der Begriff "Art Déco" vom britischen Kunsthistoriker und Kritiker Bevis Hillier in einem positiven Zusammenhang verwendet.

Globales Wachstum des Art Deco

Der Art-Deco-Stil setzte sich in so unterschiedlichen Großstädten der Welt wie Havanna, Kuba, Mumbai und Jakarta durch. Havanna verfügt über ein ganzes Viertel im Art-Deco-Stil. Das Londoner U-Bahn-System ist stark an den Stil angelehnt. Im Hafen von Shanghai befinden sich mehr als fünfzig Art-Deco-Strukturen, von denen die meisten von Laszlo Hudec entworfen wurden. Von Kriegsdenkmälern bis hin zu Krankenhäusern haben Städte wie Sydney und Melbourne in Australien den Stil ebenfalls aufgenommen.

Konzepte und Stile

Die wesentliche Charakteristika des Art Déco ergeben sich aus den linearen, geometrischen Formen, die sich häufig wiederholten. Genau wie bei seinem Vorgänger, dem Art Noveau, wurden auch hier bekannte Motive höchst stilisiert wiedergegeben. Das Ausmaß der Stilisierung hängt vom Ausmaß der örtlich unterschiedlichen Interpretation des Art Déco ab.

So ist beispielsweise „The Firebird“ von René Lalique äußerst elegant und schlank, wohingegen der Atlas vor dem Rockefeller Center in New York robust und sehr linear wirkt. Trotz allem werden beide Skulpturen dem Stile des Art Déco zugeschrieben.

Um die Darstellung moderner Technologien und des Maschinenzeitalters zu unterstreichen, verwendeten die Künstler auch moderne Materialien wie Kunststoff oder rostfreien Stahl. Trotzdem schreckten sie nicht davor zurück, ihre Werke mit edleren Materialien zu veredeln. Beispielsweise Horn oder Elfenbein waren häufig genutzte Materialien der Art Déco Künstler.

Möbel und Einrichtung

Bis Ende der 1920er Jahre war das avantgardistische Möbeldesign in Frankreich vor allem eine Variante des Jugendstils, aber vereinfacht und weniger kurvenreich. Im Laufe des Jahrzehnts entwickelte sich Émile-Jacques Ruhlmann zum führenden Möbeldesigner in Frankreich. Während seine Entwürfe hauptsächlich von Stücken aus dem 18. Jahrhundert inspiriert waren, die im neoklassischen Stil hergestellt wurden, verzichtete er zu großen Teilen auf die Ornamente und verwendete dennoch exotische Materialien wie Mahagoni, Ebenholz, Palisander, Elfenbein und Schildpatt.

Im Gegensatz zu Ruhlmanns aufwendigen Entwürfen, die den Jugendstil und das Art Deco zu überbrücken schienen, war Jules Leleu der maßgebliche Möbeldesigner im Stile des Art Déco in Frankreich. Er war ein traditioneller Designer, bis der neue Stil den Jugendstil verdrängte und ist bekannt für die Gestaltung des großen Speisesaals des Pariser Schlosses Elysee.

Im Kontrast zu Leleu und Ruhlmann war Le Corbusier ein Befürworter einer sehr reduzierten, ornamentfreien Version des Art Deco-Stils und kreierte oft Möbel, die für seine ebenfalls streng designten Innenräume geeignet waren. Seine Absicht war es, Prototypen, insbesondere von Stühlen, zu entwerfen, die in Serie hergestellt und damit für einen breiteren Markt erschwinglich sein sollten.

Bemerkenswert ist auch Donald Deskeys Innenarchitektur der Radio City Music Hall in New York City, die ein hervorragendes Beispiel für das amerikanische Möbeldesign des Art Deco ist, das bis heute in seiner ursprünglichen Form intakt ist.

Architektur

Die Art-Deco-Architektur zeichnet sich durch scharfkantige, oft üppig verzierte Designs aus, die durch glänzende Metallakzente betont werden. Viele dieser Gebäude haben eine vertikale Gewichtung, die so konstruiert ist, dass sie den Blick nach oben lenkt. Rechteckige, oft blockige Formen werden geometrisch angeordnet, wobei Dachspitzen und/oder gebogene Zierelemente für eine stromlinienförmige Wirkung sorgen.

New Yorker Wolkenkratzer wie das Chrysler Building und Miamis pastellfarbene Gebäude gehören zu den berühmtesten amerikanischen Beispielen, obwohl der Stil in einer Vielzahl von Gebäuden auf der ganzen Welt eingesetzt wurde.

Entwicklungen nach dem Zweiten Weltkrieg

Art Deco geriet in den Jahren des Zweiten Weltkriegs in Europa und Nordamerika aus der Mode, wobei die Strenge des Krieges den Stil immer greller und dekadenter wirken ließ. Metalle wurden zur Verwendung beim Rüstungsbau verwendet. Einrichtungsgegenstände wurden nicht mehr als Statusobjekte betrachtet. Weitere technologische Fortschritte ermöglichten eine kostengünstigere Produktion von grundlegenden Konsumgütern, wodurch die Notwendigkeit und Popularität von Art Deco-Designern überflüssig wurde.

Eine Bewegung, die sich in vielerlei Hinsicht von der Vergangenheit lösen wollte, ist heute zu einem nostalgischen, liebevoll in Erinnerung gebliebenen Klassiker geworden. Seit den 1960er Jahren gibt es ein stetiges, anhaltendes Interesse an diesem Stil.

Bekannte Werke

Etat Cabinet, Emile-Jacques Ruhlmann, 1922

Emile-Jacques Ruhlmann

Émile-Jacques Ruhlmann wurde als Sohn einer Familie geboren, die ein Deko-Geschäft in Paris besaß. Daher scheint es nicht verwunderlich, dass seine Kreativität in den luxuriösen Haushaltswaren Ausdruck fand, für die er berühmt wurde. 

Von Möbeln und Leuchten bis hin zu anderen dekorativen Elementen produzierte Ruhlmann einzigartige, elegante Einrichtungsgegenstände aus seltenen, exotischen Hölzern mit Elfenbeinverzierungen aus Afrika und dem Fernen Osten. 

Die Kluft zwischen seiner Einzigartigkeit der Jugendstilstücke und dem neuen Impuls des Art Deco, außergewöhnliche Materialien in seine Werke zu integrieren, zeigt eine Mischung aus beiden Stilen.

Dieses Kabinett, das sich in seiner Symmetrie durch die Verwendung von Holz im Gegensatz zum Elfenbein des Jugendstils unterscheidet, weist immer noch ein kunstvolles Blumenmuster auf, das dem Jugendstil entlehnt ist. Es ist weniger eine Abweichung vom Jugendstil, sondern viel mehr eine Aktualisierung desselben.

Selbstporträt in grünem Bugatti, Tamara de Lempicka, 1925

Lempicka, Tamara de (1898-1980) - 1925 Self-Portrait in Green Bugatti (Private Collection)

Die in Polen geborene Malerin Tamara de Lempicka entwickelte sich zu einer der wichtigsten Vertreterinnen des Art Déco sowohl in Europa als auch in Nordamerika. Sie schuf stilisierte, stilvolle Portraits der Leute, mit denen sie sich umringte: Prominente, Industrielle und Schauspieler. Kurz gesagt: Mit der High Society. Ihr wildes Liebesleben, das sie offen bisexuell führte, sorgt häufig für Skandale in den gehobenen Kreisen dieser Welt.

Dieses Selbstporträt im Bugatti aus dem Jahr 1925 gehört zu ihren bekanntesten Werken.

Die Linearität, gebrochene Flächen aus beigem Stoff und das starke Spiel von Licht und Schatten auf ihrem Gesicht zeigen den erheblichen Einfluss des Kubismus auf den Art Deco-Stil, obwohl Lempicka die noch umfassendere Abstraktion dieses Stils vermied. Die Mehrzahl ihrer Arbeiten ist figurativ und ihre kräftigen Farben und präzisen Linien sind typische Merkmale des stromlinienförmigen, eleganten Stils des Art Déco.

Victoire, René Lalique, 1928

Crystal clear

René Lalique Skulptur „Victoire“ schreit Art Déco geradezu. Diese Skulptur wird sowohl als freistehendes Objekt, als auch als Ornament für die Motorhaube angeboten. Auf manchen hochwertigen Oldtimern sieht man die stromlinienförmige Glasskulptur noch.

Lalique war ein französischer Künstler, der bekannt für seine Glasarbeiten war. Auch heutzutage steht das Hause Lalique noch für Luxus aus Glas. Die Verwendung von Glas als Material ist kein Zufall. Es unterstreicht den wertvollen und seltenen Charakter dieses dekadenten Kunstobjekts.

Die Victoire zeigt einen weiblichen Kopf, der geradeaus schaut und dessen Form wie vom Wind gezeichnet wirkt. Nicht umsonst wird die Skulptur in Fachkreisen auch „Spirit of the Wind“ genannt. In gewisser Weise erinnert das nach vorne ragende Gesicht an die Skulptur der Nike von Samothrake, deren Faltenwurf ihrer Kleidung ebenso auf eine Darstellung des Windes zurückgeführt werden kann.

Die Darstellung des Windes wird als Mittel eingesetzt, um die Faszination für Geschwindigkeit zu unterstreichen. Auch die Positionierung der Skulptur auf der Motorhaube einiger der schnellste Fahrzeug ihrer Zeit lassen Rückschlüsse darauf zu.

Daher ist es nur passend, dass sich das Werk in die Thematik des gesamten Art Déco eingliedert. Die Bewunderung für Maschinen, Verbesserung und Geschwindigkeit war ein übergeordnetes Thema dieses Stils, das in der Victoire meisterhaft zum Ausdruck kommt.

Chrysler Building, William Van Alen, 1930

Chrysler Building

Foto: Jan Wallbott / shutterstock.com

Eines der bekanntesten architektonischen Meisterwerke in diesem Stile ist das Chrysler Building in Manhattan. Es wurde von William Van Alen entworfen, einem in Frankreich studierten amerikanischen Architekten, der zuvor für das Design mehrerer auffälliger Wolkenkratzer in Midtown Manhattan bekannt war. 

Das Gebäude wurde in weniger als zwei Jahren fertiggestellt, da etwa vier Stockwerke pro Woche fertiggestellt wurden, was damals eine enorm hohe Geschwindigkeit war.

Da der Wolkenkratzer von Walter P. Chrysler, dem Gründer der Automobilfirma, finanziert wurde, sind einige der architektonischen Details auf Produkte des Konzerns bezogen. Beispielsweise erinnern manche Teile des Gebäudes den Kühlergrills der damaligen Autos von Chrysler.

Die Bögen der schimmernden Turmspitze erinnern an sich drehende Chrom-Radkappen sowie an Sonnenstrahlen, und das glatte Aussehen der Spitze spiegelt die für den amerikanischen Art Deco typische stromlinienförmige Eleganz des Maschinenzeitalters wider.

1937 Delahaye 135 Competition Court Torpedo Roadster, Figoni et Falaschi

Foto: Mr.choppers / wikipedia / CC BY 3.0

Dieser sportliche Zweisitzer wurde von den in Italien geborenen Karosseriebauern Figoni und Falaschi entworfen. Das Auto wurde von einem französischen Rennfahrer in Auftrag gegeben und gehörte später einer Gräfin.

Das aerodynamische Design des Automobils, die anmutig fließenden Linien und die tropfenförmigen Akzente aus Chrom machen es zu einem Wahrzeichen des Art Déco. Die geschwungenen Kotflügel senken sich und verdecken die Räder. Auch die tiefe Lage des Fahrzeugs vermittelt den Eindruck, dass sich das Auto selbst in ruhendem Zustand bewegt. 

Das Fahrzeug verbindet technologische Innovationen, moderne Materialien und Leistung mit stromlinienförmiger, zeitgemäßer Eleganz durch elliptische Chromverzierungen, luxuriöse Holzinnenverkleidungen. Auf diese Weise wurde der Fahrer zu einem Tel eines völlig funktionalen Kunstwerks.

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