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Arte Povera – Entstehung, Konzepte und bekannte Künstler

Arte PoveraFoto: Luigi Bertello / Shutterstock

Die Arte Povera - der italienische Ausdruck für "arme Kunst" oder "verarmte Kunst" - war eine der bedeutendsten und einflussreichsten avantgardistischen Bewegungen, die Ende der 1960er Jahre in Südeuropa entstanden sind.

Dazu gehörten die Arbeiten von etwa einem Dutzend italienischer Künstler, deren deutlich erkennbarstes Merkmal die Verwendung von alltäglichen Materialien war, die an ein vorindustrielles Zeitalter erinnern, wie Erde, Steine und Kleidung: "Schlechte" oder billige Materialien, die von ihnen für ihre Praxis verwendet wurden. Diese Praktiken stellten eine Herausforderung für die etablierten Vorstellungen von Wert und Korrektheit dar und kritisierten auf subtile Weise die Industrialisierung und Mechanisierung des damaligen Italiens. 

Ihr Werk markierte eine Reaktion auf die abstrakte Malerei der Moderne, die in den 1950er Jahren die europäische Kunst dominiert hatte, von der sie sich dadurch abgrenzte, dass sie sich eher auf das bildhauerische Werk als auf die Malerei konzentrierte.

Die Gruppe lehnte auch den amerikanischen Minimalismus ab, und insbesondere das, was sie als ihre Begeisterung für Technologie und Dominanz in der Kunstwelt empfanden. Während die Arte Povera in dieser Hinsicht postminimalistische Tendenzen in der amerikanischen Kunst der 1960er Jahre in ihrer Opposition zu Moderne und Technologie widerspiegelt, haben ihre Erinnerungen an Vergangenheit, Lokalität und Erinnerung deutlich italienische ästhetische und strategische Merkmale.


Schlüsselideen

  • Einige der denkwürdigsten Arbeiten der Gruppe entstehen durch den Kontrast von unverarbeiteten Materialien mit Hinweisen auf die Entstehung der Konsumkultur. In der Überzeugung, dass die Moderne das kollektive Erbe und die Tradition zu beseitigen drohte, versuchte die Arte Povera, das Neue mit dem Alten zu kontrastieren, um das Gefühl der vergehenden Zeit des Publikums zu erschweren.
  • Neben der Ablehnung der technologischen Auseinandersetzung mit dem amerikanischen Minimalismus lehnten Künstler, die mit der Arte Povera verbunden sind, das ab, was sie als ihren wissenschaftlichen Realismus empfanden. Im Gegensatz zu ihrer methodischen und nahezu klinischen Herangehensweise an die räumlichen Beziehungen beschworen sie eine Welt des Mythos, deren Geheimnisse nicht leicht zu erklären waren.
  • Künstler präsentierten absurde, gegensätzliche und humorvolle Gegenüberstellungen, oft des Neuen und des Alten oder des Hochverarbeiteten und des Vorindustriellen. Auf diese Weise haben sie einige der Auswirkungen der Modernisierung hervorgerufen, die zur Zerstörung von Orts- und Erinnerungserfahrungen beiträgt, während sie immer weiter in die Zukunft vordringt.
  • Das Interesse der Arte Povera an ärmlichen Materialien kann mit mehreren anderen künstlerischen Bewegungen der 1950er und 1960er Jahre in Verbindung gebracht werden. Die unter dem Begriff vereinten Künstler teilten einige Techniken mit Bewegungen wie Fluxus und dem Nouveau Realisme in ihrer Kombination von leicht zugänglichen Materialien mit rebellischen Untergrabungen ihrer üblichen Funktion. Germano Celant, dessen kritische Praxis die Definition der Bewegung prägte, stellte die Arte Povera regelmäßig in den Dialog mit diesen Bewegungen.
  • Die Arte Povera wird am häufigsten mit der Assemblage in Verbindung gebracht, einem internationalen Phänomen, das ähnliche Materialien verwendet. Beide Ansätze stellten eine Reaktion auf die abstrakte Malerei dar, die in dieser Zeit als dominierende Kunst wahrgenommen wurde. Dieses abstrakte Werk wurde als zu sehr auf Emotionen und individuellen Ausdruck ausgerichtet und auf die Traditionen der Malerei begrenzt angesehen. Arte Povera schlug eine künstlerische Praxis vor, die sich viel mehr für Materialität und Körperlichkeit interessierte und lehnte Formen und Materialien aus dem Alltag ab. Die Arte Povera unterscheidet sich von der Assemblage vor allem durch ihr Interesse an Methoden wie Performance und Installation, Ansätze, die eher mit der Avantgarde vor dem Zweiten Weltkrieg zu tun hatte, wie Surrealismus, Dada und Konstruktivismus.

Anfänge der Arte Povera

Die Arte Povera entstand aus dem Niedergang der abstrakten Malerei in Italien und dem zunehmenden Interesse an früheren avantgardistischen Ansätzen der Kunst in den 1920er und 30er Jahren, wie dem Surrealismus.

Ihr Charakter ist insbesondere auf drei Künstler zurückzuführen, die Anfang des 20. Jahrhunderts in Italien tätig waren: Alberto Burri, Piero Manzoni und Lucio Fontana. Burris Werk, das zum Teil aus Gemälden aus Leinensäcken bestand, lieferte ein frühes Beispiel für die Verwendung ärmlicher Materialien als avantgardistische Strategie, bei der mit Leinwand, Teer und Sand abstrakte Arbeiten auf Leinwand entstanden.

Manzoni und Fontana waren enge Freunde und Schlüsselfiguren der italienischen Kunstszene, aus der die Arte Povera hervorging. Manzonis Werk präkonstruierte mehrere Schlüsselqualitäten der Konzeptkunst und reagierte auf die abstrakte Malerei und das Informel, indem es einfache Konzepte und humorvolle Untergrabungen einsetzte, um die Grenzen der traditionellen künstlerischen Praxis zu hinterfragen.

Sein berühmtestes Werk bestand aus Konservendosen seiner eigenen Exkremente, die er an Sammler zum gleichen Preis wie Gold verkaufte. Dies schockierte die Kunstwelt, zeigte aber auch die grenzenlosen Möglichkeiten der meisten Ausgangsmaterialien. Fontana, dessen Werk hauptsächlich aus einfarbigen Bildern bestand, lieferte ein weiteres Beispiel für die Kraft solcher Kunst, die radikal auf wenige Elemente beschränkt ist. Anstatt seine ästhetische Wirkung einzuschränken, hatte die relative Knappheit der Komponenten den Effekt, dass sie ihre Wirkung auf den Betrachter konzentrierten.

Der Begriff Arte Povera wurde 1967 erstmals vom Kunstkritiker Germano Celant verwendet, um das Werk einer Gruppe junger italienischer Künstler zu beschreiben, die gerade erst in die Öffentlichkeit traten.

Im selben Jahr organisierte Celant die erste Untersuchung des Trends "Arte Povera e Im Spazio", die die Arbeiten von Alighiero Boetti, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Giulio Paolini, Pino Pascali und Emilio Prini umfasste. Insgesamt konzentrierte sich der Organisator der Ausstellung auf das Eindringen des Banalen in den Bereich der Kunst und zwang seine Betrachter, bisher unwichtige Materialien und Aktivitäten in einem neuen Licht zu betrachten.

Nur zwei Monate nach der Eröffnungsshow schrieb Celant ein Manifest, das mehrere Künstler zu seinem ursprünglichen Programm hinzugefügt hat: Giovanni Anselmo, Piero Gilardi, Mario Merz, Gianni Piacentino, Michelangelo Pistoletto und Gilberto Zorio. Mit dieser Erklärung hat Celant die Grenzen der neuen Bewegung fest umrissen und sich selbst und die Italiener direkt in ihr verankert, aber auch eine Definition der Arte Povera hervorgebracht, die mehrdeutiger war als vorherige Bemühungen. Dies wurde am deutlichsten bei der Einbeziehung von Pistoletto, da seine Spiegelarbeiten Elemente der Fotografie enthielten, ein Medium, das von anderen Mitgliedern der Gruppe besonders gemieden wurde.


Konzepte und Stile der Arte Povera

Die Arte Povera zeichnet sich vor allem durch die Verwendung alltäglicher Materialien aus, die aufgrund ihrer Allgegenwärtigkeit und Erschwinglichkeit als arm (povera) bezeichnet wurden. Die Verwendung von Materialien wie Nahrung und Wasser kontrastierte mit den industriellen Empfindlichkeiten des amerikanischen Minimalismus, der von den Künstlern als ungeeignet für den kulturellen Kontext des Nachkriegsitaliens angesehen wurde.

Gleichzeitig wandte die Bewegung avantgardistische Taktiken wie Performance und eigenwillige Ansätze der Bildhauerei an, die oft Elemente der Installation enthielten. In ihrer Mission, das Leben wieder mit der Kunst zu verbinden, versuchten die Künstler der Arte Povera, eine subjektive und persönliche Reaktion auf jedes ihrer Stücke hervorzurufen, indem sie eine Interaktion zwischen Betrachter und Objekt betonten, die unwiederholbar und rein originell war.

Skulptur

Die Skulptur ist das künstlerische Medium, das am engsten mit der Arte Povera verbunden ist.

Ausgehend von der Ablehnung abstrakter und minimalistischer Malstile durch die Künstler, die den internationalen Kunstmarkt der 1960er Jahre dominierten, schufen sie Objekte, die eine Interaktion zwischen dem Publikum oder der Institution erforderten, um zu funktionieren. Ein Beispiel dafür könnte Giovanni Anselmos Untitled (1968) sein, bei dem die Galerie den Salat im Zentrum der Skulptur ständig austauschen musste, um ihre Ursprünglichkeit zu erhalten, oder Michelangelo Pistolettos Serie der Minus-Objekte, die den Betrachter aufforderte, das Objekt zu aktivieren und/oder zu manipulieren, um seine Bedeutung zu extrahieren und so buchstäblich die Lücke oder den "Minusraum" in der Skulptur zu füllen.

Auch die Skulpturen der Künstler der Arte Povera versuchten oft, das Natürliche mit dem Künstlichen zu verbinden oder zumindest auf diese Unterscheidung hinzuweisen. Dies zeigt sich am deutlichsten in der Wahl und Darstellung der Materialien, bei Arbeiten, bei denen beispielsweise Wasser und Erde durch geometrische Rahmen oder Strukturen eingeschränkt sein können.

Diese kontrastreiche Paarung von Materialien zeigt sich auch in der Gegenüberstellung von industriellen Prozessen mit Körperflüssigkeiten, Abfällen oder Dingen, die sonst entsorgt würden.

Indem er den damals vorherrschenden Begriff des "großen Objekts" aufhob, machte der Künstler auf die Widersprüche aufmerksam, die dem Wertesystem der Kunstobjekte und dem Galerieraum selbst innewohnen.

Kuratierung

Das Kuratieren ist ein besonders wichtiger Aspekt bei der Abgrenzung der Bewegung.

Entscheidend für die Entstehung und den Erfolg der Arte Povera war Germano Celant. Aus der oft vagen Ähnlichkeit von Ideen und Ansätzen wurde eine augenscheinliche Kohärenz deutlich und durch Celants kritisches Schreiben und Kuratieren bekräftigt. Indem Celant neue Künstler für die Ausstellungen auswählte, war er der Initiator der Idee, dass diese Praktiken als "Bewegung" betrachtet werden könnten.

Einige der von ihm in die Ausstellungen aufgenommenen Künstler waren bereits mit früheren Bewegungen assoziiert, erhielten dann aber durch ihre Stellung im Verhältnis zu neuen Künstlern eine neue Sichtweise von entscheidender Bedeutung.

Celant stellte die von ihm festgelegte Bewegung auch neben andere, um sie besser definieren zu können und das Image der Bewegung zu erhöhen. Dadurch konnten die Interessen der Künstlergruppe besser gefördert und die kulturelle Wirkung der individuellen Praxis jedes Künstlers erhöht werden. Celants Interpretationen der Künstler, die mit der Arte Povera durch seine kuratorische Praxis verbunden sind, sind somit markante und wichtige Bezugspunkte für die Betrachtung der Bewegung geblieben.

Einbeziehung des Betrachters

Celant betonte oft die Bedeutung des Interesses der Italiener an individueller Subjektivität. So ist Michelangelo Pistoletto vor allem für Arbeiten bekannt, in denen fotografische Abbildungen von Figuren auf Spiegeln gezeigt werden, die technisches Können mit der unheimlichen, aber vertrauten Wahrnehmung eines reflektierten Bildes verbinden.

Dieser Fokus auf Subjektivität bezieht sich interessanterweise auf die Aufforderung zur Interaktion mit Skulpturen und Objekten in der Arte Povera. Celant beschrieb einmal ein verwandtes Werk, die einfache Metallkonstruktion Structure for Standing While Talking (1965-66), als Medium, um einen persönlichen Dialog zwischen Kunst und Betrachter zu schaffen, frei von vorgefassten Einsichten.

Die Künstler Pino Pascali und Jannis Kounellis, Celant, beschrieben ihre Praktiken so, dass der Betrachter das Leben durch Sinnlichkeit erleben kann, indem man die Sinne anspricht, um ein Gefühl des Staunens zu erzeugen, wie in der Installation von lebenden Tieren in Kounellis' Untitled (Twelve Horses) zu sehen ist.


Entwicklungen nach der Arte Povera

Eine der drastischsten Äußerungen von Celant bezog sich auf die Iglus von Mario Merz und spiegelte seine Hoffnungen auf das weitere kulturelle Erbe der Arte Povera wider.

So schrieb er über Merz:

"Er opfert ständig den banalen, alltäglichen Gegenstand, als wäre es ein neu gefundener Christus. Merz wird zum Spießbürger des Systems und kreuzigt die Welt." 

Celant gelang es, durch seine unermüdliche Interessenvertretung für die Künstler einen Platz für die Arte Povera innerhalb der Geschichte der Avantgarde zu schaffen. Indem er eine Beziehung zum Futurismus und dem Klassizismus der Zwischenkriegszeit aufzeichnete, gab er der Bewegung einen Platz in dem, was als lebendige Tradition in einem internationalen Netzwerk von künstlerischen Praktiken angesehen werden konnte. 

Ab 1970 hatten allerdings mehrere Künstler eine eigene internationale Präsenz auf dem Kunstmarkt entwickelt und versuchten, sich von der Bewegung zu befreien. Einer der schwerwiegendsten Gründe für diese Entwicklung lag darin, dass sie mit der Verwendung von "armen" Materialien in Verbindung gebracht wurden. Darüber hinaus lehnten mehrere Künstler die Verwendung des Namens "Arte Povera" im Titel einer wichtigen Gruppenausstellung im Kunstmuseum Luzern ab.

Trotz wachsender Popularität löste sich die Bewegung Mitte der 1970er Jahre auf, da sich die individuellen Stile der Künstler in verschiedene Richtungen entwickelten. Ihre kurze Einheit und die Fähigkeit von Celant, die Anliegen der Bewegung zu formulieren, hatten jedoch bereits in der Kunstgeschichte ihre Wirkung hinterlassen, obwohl ihre Bedeutung erst Jahrzehnte später vollständig erkannt wurde. 

Nach der Neubewertung der 1960er Jahre zu Beginn des 21. Jahrhunderts schenken die Kritiker den Bewegungen außerhalb der Vereinigten Staaten in diesem Zeitraum nun bewusst mehr Aufmerksamkeit. Als Ergebnis dieser kritischen Veränderung hat die Arte Povera eine Art Wiederbelebung innerhalb der akademischen Kunst erlebt.

Die Bewegung wurde auch als Vorläufer einiger Ansätze der bildhauerischen Praxis zitiert, darunter die Young British Artists. Andere Bewegungen, die von der Arte Povera beeinflusst wurden, sind die japanische Monoha-Gruppe, deren Fokus auf der Essenz der verwendeten Materialien lag, sowie amerikanische anti-formale oder postminimalistische Ansätze wie die von Robert Morris oder Lynda Benglis.

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