Artemisia Gentileschi – Biografie, Steckbrief und 10 Fakten zur Meisterin des Barocks

Artemisia Gentileschi nimmt als erfolgreiche Künstlerin des Barock einen einzigartigen Platz in der Kunstgeschichte ein. Doch obwohl ihr Können von Kunsthistorikern mit dem eines Caravaggio verglichen wird, steht sie wie viele bedeutende Malerinnen im Schatten ihrer männlichen Kollegen, die international größere Anerkennung genießen.

Um dieses Missverhältnis zu korrigieren, werfen wir einen genaueren Blick auf die italienische Malerin und stellen einige ihrer wichtigsten Gemälde vor. Diese Artemisia Gentileschi Biografie beginnt mit einem Steckbrief mit ihren biografischen Daten und einer Zusammenfassung ihres Werks, bevor ihr Lebensweg ausführlich geschildert wird.

Steckbrief und 10 Fakten

Geboren: 8. Juli 1593, Rom, Italien
Gestorben: 1653, Neapel, Italien
Kunstrichtungen: Barock
Eltern: Orazio Gentileschi, Prudentia Monotone Gentileschi
Partner: Pierantonio Stiattesi (1612-1623)

Artemisia Gentileschi Biografie

1593-1612: Kindheit und frühes Talent

Als Tochter des berühmten toskanischen Malers Orazio Lomi Gentileschi kam Artemisia schon früh mit der Kunst in Berührung. Das bedeutet jedoch nicht, dass ihre Zeit als Künstlerin im 17. Jahrhundert eine leichte war.

Als sie 12 Jahre alt war, starb ihre Mutter. Als junge, unverheiratete Frau durfte sie das Haus nicht verlassen und hatte im Gegensatz zu ihren Brüdern nur eine geringe Schulbildung.

Die Mitarbeit in der Werkstatt ihres Vaters war für sie eine willkommene Abwechslung und Ablenkung vom Alltag. Schon nach kurzer Zeit zeigte Artemisia Gentileschi außergewöhnliche künstlerische Fähigkeiten, die ihren Brüdern fehlten. Leider wurden ihre Bemühungen auf eine harte Probe gestellt, als sie 1611 von dem Maltutor missbraucht wurde, den ihr Vater für sie eingestellt hatte.

Während des langwierigen Gerichtsverfahrens in Rom musste Artemisia schreckliche Qualen und Untersuchungen über sich ergehen lassen, um ihre Unschuld zu beweisen.

1612-1620: Künstlerische Weiterentwicklung und Anerkennung

Nach dem Prozess setzte Artemisia ihre künstlerische Laufbahn fort und bewies dabei eine bemerkenswerte Belastbarkeit. Sie entwickelte ihren unverwechselbaren Stil, der sich durch Naturalismus, dramatische Beleuchtung und kraftvolle Kompositionen auszeichnet.

Ihre Bilder zeigen oft starke Frauenfiguren, die ihre persönlichen Erfahrungen und ihren Wunsch nach weiblicher Selbstbestimmung widerspiegeln.

Artemisia erlangte Anerkennung für ihr Talent und ihr Können und erhielt Aufträge und Unterstützung von einflussreichen Persönlichkeiten. Um 1612 zog sie nach Florenz, wo sie sich als erfolgreiche Künstlerin in einer lebendigen Künstlergemeinschaft etablierte. Ihre Werke gewannen an Popularität und Anerkennung und erhöhten ihren Status in der Kunstwelt.

Während ihrer Zeit in Florenz schuf Artemisia einige ihrer berühmtesten Werke, darunter Judit und Holofernes, das ihre Fähigkeit zeigt, intensive Gefühle einzufangen und starke, mächtige Frauen darzustellen.

1620-1630: Reisen und künstlerische Entfaltung

Artemisia Gentileschis Karriere führte sie in verschiedene Städte Italiens, unter anderem nach Venedig, wo sie weiterhin wichtige Aufträge erhielt. Sie erlangte internationale Anerkennung für ihr Talent, und Mäzene suchten ihren einzigartigen Stil und ihr künstlerisches Gespür.

1626 zog Artemisia nach Neapel, wo sie eine erfolgreiche Werkstatt aufbaute und weiterhin außergewöhnliche Kunstwerke schuf. 

1630-1653: Spätwerk

Im Jahr 1633 wurde sie als erste Frau in die renommierte Accademia di Arte del Disegno in Florenz aufgenommen, was ihren Platz in der Kunstgeschichte noch weiter festigte.

Artemisia Gentileschi verbrachte ihre letzten Jahre in Neapel, wo sie weiterhin malte und ihre Werkstatt leitete. Ihre Kunst entwickelte sich weiter, sie war Mentorin junger Künstler und hinterließ einen bleibenden Einfluss auf die nächste Generation von Malern.

Artemisias Vermächtnis geht über ihre Kunstwerke hinaus. Ihre Beharrlichkeit, ihre Entschlossenheit und ihr bahnbrechender Erfolg als Künstlerin stellten die gesellschaftlichen Normen ihrer Zeit in Frage. Ihre Darstellung starker, selbstbewusster Frauen und ihr Beitrag zur barocken Kunst finden heute mehr Anerkennung und Bewunderung.

Artemisia Gentileschi starb um 1653 in Neapel und hinterließ ein Erbe, das bis heute Künstler und Bewunderer auf der ganzen Welt inspiriert.

Das Vermächtnis der Künstlerin

Das Vermächtnis von Artemisia Gentileschi war lange Zeit umstritten und komplex. Obwohl sie zu Lebzeiten bereits angesehen war und zu Bekanntheit gelangte, wurde sie nach ihrem Tod in den Darstellungen der Kunstgeschichte dieser Zeit fast vollständig ausgelassen. Dies liegt zum Teil daran, dass ihr Stil oft dem ihres Vaters ähnlich war und viele ihrer Werke ihm irrtümlich zugeschrieben wurden.

Artemisias Werk wurde Anfang 1900 wiederentdeckt, was insbesondere auf den Caravaggio-Experten Roberto Longhi zurückgeführt werden kann. Sowohl akademische als auch volkstümliche Berichte über ihr Leben und ihre Malerei wurden jedoch durch übertriebene und übermäßig sexistische Interpretationen getrübt. Grund dafür ist unter anderem ein 1947 von Longhis Ehefrau Anna Banti veröffentlichter Roman über Artemisia.

In den 1970er und 1980er Jahren begannen feministische Kunsthistorikerinnen wie Mary Garrard und Linda Nochlin, das künstlerische Vermächtnis von Artemisia Gentileschi neu zu bewerten. Sie legten eine stärkere Bedeutung auf die bedeutenden künstlerischen Leistungen und ihren Einfluss auf den Verlauf der Kunstgeschichte konzentrierten und nicht so sehr auf ihren Lebenslauf.

Bekannte Kunstwerke von Artemisia Gentileschi

Susanna und die Ältesten, 1610

Das Gemälde "Susanna und die Ältesten" stellte Artemisia fertig, als sie gerade einmal 17 Jahre alt war.

In der anschließenden Anklage geben die Richter an, Susanna habe Ehebruch begangen und sie haben sie dabei überrascht. Sie wurde zum Tode verurteilt.

Der Prophet Daniel hat eine göttliche Eingebung und lässt die beiden Richter unabhängig voneinander befragen, unter welchem Baum sie die Susanna beim Ehebruch erwischt hatten. Die Richter machen widersprüchliche Angaben und werden der Falschaussage überführt. Das Urteil wird umgekehrt, Susanna freigesprochen und beide Richter hingerichtet.

Es liegt nahe, dass Susanna dieses Motiv wählt, weil sie selbst einige Hürden zu überwinden hatte und mit der Figur mitfühlen konnte.

Schon früh zeigte Susanna, dass sie ein hervorragendes Verständnis der Anatomie hatte und bereits im jungen Alter ein Händchen für Kompositionen aufwies.

Judith und Holofernes, 1614-1620

Zweifellos ist Artemisias berühmtestes und grausamstes Gemälde "Judith und Holofernes", das sie 1620 fertigstellte.

Die Darstellung zeigt ein häufiges Motiv in der Kunst der Renaissance, das oft als "Weibermacht" bezeichnet wird, bei dem weibliche Figuren aus der Bibel Männer überwältigten und die Hierarchie umkehren. Artemisia malte tatsächlich zwei Versionen des Motivs, eine davon heute in Neapel, die andere in Florenz.

Hier repräsentiert Artemisia auch die Bedeutung der Zusammengehörigkeit zwischen Frauen, da Judiths Dienstmagd ihr hilft, den assyrischen Feldherrn Holofernes zu töten.

Selbstbildnis als Allegorie der Malerei, 1638 - 1639

Das möglicherweise während Artemisias Zeit in England entstandene "Selbstporträt als Allegorie der Malerei" ist eines von nur wenigen ihrer Selbstporträts.

Das Gemälde, das sich ursprünglich in der Sammlung Karls I. befand, wurde nach der Restaurierung 1660 an die britische Royal Collection, also die Kunstsammlung des englischen Königshauses, zurückgegeben und ist dort bis heute zu finden. Artemisia zeigt ihre Geschicklichkeit bei komplizierten Kompositionen und stellt sich mutig als Personifizierung der Malerei dar.

Diese ermächtigende Position war durchaus umstritten, da in ihrer Zeit Frauen in der Kunst üblicherweise ausschließlich passive Rollen als Motive einnahmen.

Esther vor Ahasverus, 1630

Hier wird die jüdische Heldin Esther in Gegenwart des persischen Königs Ahasverus ohnmächtig, nachdem sie ihn angefleht hat, ihr Volk vor seinem Dekret zu retten, alle Juden in Persien ermorden zu lassen. Esther riskiert ihr Leben, da man nicht ohne Ladung in der Nähe des Königs sein durfte.

Das Motiv zeigt eine Missachtung des üblichen Protokolls, so wie man es von Artemisia selbst erlebt hat. Die Komposition des Gemäldes wurde mit der Version des venezianischen Malers Veronese verglichen. Artemisia hatte das Werk von Veronese wahrscheinlich während ihres Aufenthalts in Venedig zwischen 1626 und 1630 wahrgenommen.

Ursprünglich verfügte das Bild über einen afrikanischen Jungen, der einen Hund zu Füßen des Königs festhielt, ähnlich wie in Veroneses Gemälde. Der schwache Umriss der Figur ist noch sichtbar.

Jaël und Sisara, 1620

In "Jael und Sisara" stellt Artemisia den Moment aus dem Buch der Richter dar, als Jael den besiegten Sisera tötet. Im Gegensatz zur blutigen Szene von Judith, die Holofernes enthauptet, ist dies eine ruhige, kontrollierte und kalkulierte Darstellung der Macht einer Frau über den Mann.