Kunst

Der Barock im Detail – Ideen, Künstler, Werke und Ausprägung in Europa

Alles, was du über den Barock, sein Grundideen und seine Verbreitung in Europa wissen musst

Barock HeroPeter Paul Rubens, Die Anbetung der Könige, 1609
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Damals wurde eine Gegenreaktion gegen die protestantische Reformation von der katholischen Kirche erzwungen, um ihre Bedeutung und Größe innerhalb der Gesellschaft wiederherzustellen. Künstler folgten, indem sie die Schönheitsideale der Renaissance wieder aufleben ließen und sich in die Kunstwerke, die Musik und die Architektur der Epoche einbrachten, ein belebtes Nicken des Klassizismus, das durch eine neue überschwängliche Extravaganz und Vorliebe für das Verzierte noch verstärkt wurde. Dieser hochveredelte Stil wurde vom Barock geprägt und von innovativen Techniken und Details geprägt, die eine üppige neue Bildsprache lieferten.

Der Barock verbreitete sich in ganz Europa, vor allem unter der Leitung des Papstes in Rom und weiterer katholischer Machthaber in Italien, Frankreich, Spanien und Flandern. Sie wurde von mächtigen Ordensgemeinschaften durch ihr ausgedehntes Netzwerk von Klöstern und Klöstern weiter verbreitet. Der Stil verbreitete sich schnell in Frankreich, Norditalien, Spanien und Portugal, dann in Österreich und schließlich auch in Süddeutschland.

Wichtige Ideen der barocken Kunst

Der Barock brachte Bilder für den Gottesdienst wieder in die Öffentlichkeit, nachdem sie wegen ihrer Verherrlichung der Idealen verboten worden waren. Die Führer der Bewegung erklärten, dass Kunst leicht zu verstehen und von den einfachen Menschen stark empfunden werden sollte, was dazu führte, dass Frömmigkeit und Ehrfurcht gegenüber der Kirche gefördert wurden.

Barocke Kirchen wurden zu einem zentralen Beispiel für die belebte Betonung der Herrlichkeit des Katholizismus mit ihren Entwürfen, die einen großen zentralen Raum mit einer Kuppel oder einer Kuppel über Kopf enthielten, so dass das Licht den Raum darunter erhellen konnte. Die Kuppel war eines der zentralen Symbolmerkmale der Barockarchitektur, das die Verbindung zwischen Himmel und Erde veranschaulichte. Extrem komplizierte Innenräume, reich an Ornamenten, gaben das Gefühl, vollständig in einen erhöhten und heiligen Raum eingetaucht zu sein.

Die charakteristischen Merkmale des Barocks waren:

  • Reale oder implizite Bewegung
  • Der Versuch, die Unendlichkeit darzustellen
  • Die Betonung des Lichts und seiner Wirkung
  • Die Konzentration auf das Theatralische

Um diese Effekte zu erzielen, wurden von Barockkünstlern eine Reihe von Techniken eingeführt oder weiterentwickelt, darunter:

  • Quadro riportato (Fresken, die die Illusion enthielten, aus einer Reihe von gerahmten Gemälden zusammengesetzt zu sein)
  • Quadrature (Deckenmalerei)
  • Trompe l’oeil Techniken

Dies ermöglichte eine Verwischung der Grenzen zwischen Malerei, Skulptur und Architektur, die für die Bewegung charakteristisch war.

Der Barock läutete eine neue Ära der europäischen Skulptur ein, die vor allem durch das Werk von Gian Lorenzo Bernini angeführt wurde, das sinnlichen Reichtum, dramatischen Realismus, intensive Emotionen und Bewegung betonte. In der barocken Skulptur nahmen Figuren eine neue Bedeutung an.

Die gezielte Verwendung des Chiaroscuro, bei der die Behandlung von Hell und Dunkel in einem Kunstwerk zu dramatischen Spannungen beitrug, war ein wichtiger Bestandteil des barocken Kunstwerks. Sie wurde vom Barockmeister Caravaggio zum Tenebrismus weiterentwickelt, der die Kontrastverstärkung in dunklen Atmosphärenszenen nutzte, um bestimmte Elemente in den Vordergrund zu stellen.

Der Begriff: Barock

Der Ursprung des Begriffs Barock ist ein wenig mehrdeutig. Viele Fachleute glauben, dass es vom portugiesischen Begriff “Barrocco” abgeleitet wurde, was so viel bedeutet wie eine “unvollkommene oder unregelmäßig geformte Perle”. Und einige, wie der Philosoph Jean-Jacques Rousseau, dachten, es stamme vom italienischen barocco ab, einem Begriff, der ein Hindernis in der formalen Logik des Mittelalters beschreibt. Mit zunehmender Verwendung war der Begriff negativ konnotiert – das Kunstwerk in diesem Stil galt als bizarr und manchmal zu auffällig. Doch 1888, in Heinrich Wölfflins Renaissance und Barock (1888), wurde der Begriff offiziell als einfache Beschreibung verwendet, um den eigenständigen Kunststil zu bezeichnen.

Die Gegenreformation der katholischen Kirche

Konzil von Trent
Pasquale Cati da Lesis “Das Konzil von Trient” (1588)

Pasquale Cati da Lesis “Das Konzil von Trient” (1588) stellt eine religiöse Versammlung im Hintergrund dar, während der Vordergrund eine Gruppe heiliger Frauen darstellt, die sich um eine Frau versammelt hat, die die triumphierende Kirche symbolisiert. Ihr blaues Kleid, Kreuz und Diadem symbolisieren die Klarheit der Lehre.

Anstatt einen einzigen Moment des Ursprungs zu besitzen, brachte die Barockzeit in den späten 1500er Jahren eine Reihe innovativer Entwicklungen zusammen, die von den verschiedenen und rivalisierenden Malstilen von Caravaggio, der Bologneser Schule unter der Leitung von Annibale Carracci und der Architektur von Giacomo Della Porta beeinflusst wurden. Ein entscheidender Faktor zur Bildung der Intensität und des Umfangs der Bewegung war die Schirmherrschaft der katholischen Kirche als Gegenreformation.

Nach der Plünderung Roms 1527 (Sacco di Roma) und in dem Bestreben, dem Wachstum des Protestantismus entgegenzuwirken, versuchte die Gegenreformation, die Autorität der Kirche wiederherzustellen. 1545 berief Papst Paul III. das erste Konzil von Trient ein, das kirchliche Würdenträger und Theologen versammelte, um die Glaubenslehre zu festigen und die zeitgenössischen Ketzereien zu verurteilen. Der Rat hielt bis 1563 25 Sitzungen unter der Leitung von Papst Paul III. und seinen Nachfolgern Papst Julius III. und Papst Pius IV. ab.

Die bildende Kunst und die Architektur wurden Teil der Reformkampagne, da der Rat Richtlinien für die Kunst festlegte, die religiöse Themen wie die Unbefleckte Empfängnis, die Verkündigung und die Himmelfahrt der Jungfrau, die ausschließlich dem katholischen Dogma vorbehalten waren, darstellten, um die Bedeutung der Kirche in der Öffentlichkeit neu zu positionieren. Diese Richtlinien bedeuteten aber auch, dass Künstler zur Verantwortung gezogen werden konnten, wenn ein Vertreter der Kirche ihre Werke, die religiöse Themen darstellen, als beleidigend empfand.

Das Gastmahl im Hause Levi
Paolo Veronese, Das Gastmahl im Hause Levi, 1573

Eines der frühesten Beispiele ist der venezianische Renaissance-Maler Paolo Veronese, der vor die Inquisition zur Verteidigung seines Letzten Abendmahls (1573) gebracht wurde, für den ihm vorgeworfen wurde, “Witzbolde, betrunkene Deutsche, Zwerge und andere solche Skurrilitäten” in das Werk integriert zu haben. Als das Stück in “Das Gastmahl im Hause des Levi” umbenannt wurde, in Anspielung auf eine evangelische Umgebung, in der auch Sünder anwesend waren, wurde das Werk als akzeptabel betrachtet.

Die protestantische Reformation war gegen die Verwendung von Bildern für den Gottesdienst, aber die Gegenreformation argumentierte, dass diese Kunst einen didaktischen Zweck hatte, und forderte eine neue Art der visuellen Darstellung, die einfach, aber dramatisch, naturalistisch in der Darstellung und klar in der Erzählung war. Die Führer der Bewegung erklärten, dass Kunst leicht zu verstehen und von den einfachen Menschen stark empfunden werden sollte, was dazu führte, dass sie Frömmigkeit und einen ehrfurchtgebietenden Sinn für die Kirche förderte.

Während die Kirche und ihre Würdenträger seit der Gotik bedeutende Kunstmäzene waren, wurde ein neues Förderprogramm absichtlich in ganz Europa initiiert. Neue religiöse Orden, die Teil der Reformbewegung waren, wie die Jesuiten, die Kapuziner und die Karmeliter, wurden offiziell ermutigt, wichtige Förderer der Kunst zu werden. Dieser neue Barockstil verbreitete sich in ganz Europa, vor allem unterstützt von der katholischen Kirche unter der Leitung des Papstes in Rom und katholischen Herrschern in Italien, Frankreich, Spanien und Flandern. Sie wurde von mächtigen Ordensgemeinschaften durch ihr ausgedehntes Netzwerk von Klöstern und Klöstern weiter verbreitet.

Giacomo Della Porta

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Foto: Chirho / Wikipedia / CC BY-SA 3.0

Der Architekt Giacomo Della Porta stammte aus einer italienischen Bildhauerfamilie und war Schüler und später Mitarbeiter von Michelangelo und dem führenden manieristischen Architekten in Rom, Giacomo Barozzi da Vignola. Er arbeitete mit Barozzi am Bau der Kirche “Il Gesù” (1584) und beendete das Projekt nach dem Tod des älteren Herren mit einem neu interpretierten Entwurf. Seine Fassade reduzierte sowohl die Anzahl der architektonischen Elemente, als auch die Elemente, die um den Eingang herum blieben. Dadurch vermittelte die Fassade ein Gefühl der dynamischen Spannung, die der Besucher spüren würde, bevor er von dem großen Raum des Innenraums umhüllt wurde. Obwohl die Fassade des Architekten im Vergleich zu den viel kunstvolleren Barockkirchen, die folgten, relativ einfach war, führte die Kirche den Barockstil ein und wurde bis ins 20. Jahrhundert zum Vorbild für Jesuitenkirchen auf der ganzen Welt.

Bologneser Schule

In der Malerei waren die Werke der anti-manieristischen Bologneser Schule unter der Leitung von Annibale Carracci die ersten, die im Rahmen der Gegenreformation gefördert wurden. Carracci hatte zusammen mit seinem Bruder Agostino und Ludovico, ihrem Cousin, die Accademia dei Desiderosi ins Leben gerufen, eine kleine Kunstakademie, die die ästhetischen Ideale der Renaissance, die Proportionen, die Verwendung von Figurenzeichnungen und die genaue Beobachtung betonte, um realistische, aber heroische Figuren in emotional überzeugenden Szenen zu schaffen. Sein Werk erregte die Aufmerksamkeit des bekannten Kunstförderers Kardinal Odoardo Farnese, der ihn nach Rom rief und ihn mit der Bemalung der Galeriedecke des Palazzo Farnese beauftragte, um die Hochzeit des Bruders des Kardinals zu feiern.

Die Liebe der Götter Annibale Carracci

Die daraus resultierende Fresko-Decke “Die Liebe der Götter” (1597-1601) beeinflusste die barocke Bewegung, da Carracci die Quadro-Riportato-Technik einführte, die jede Szene so einrahmte, als wäre es ein an der Decke angeordnetes Tafelgemälde. Er verwendete auch quadratura, die Malerei illusionistischer architektonischer Merkmale, wie sie in seinen gemalten Figuren von Atlas zu sehen sind, die an Skulpturen erinnern.

Das Werk beeinflusste Giovanni Lanfranco, Guercino, Pietro de Cortona, Carlo Maratta und Andrea Pozzo, die alle zu bekannten quadratura- und Trompe-l’oeil-Deckenmalern wurden. Carracci hatte auch einen bedeutenden Einfluss auf die zukünftige Landschafts- und Historienmalerei, wie sie in den Werken der französischen Maler Claude Lorrain und Nicolas Poussin und im französischen Barockstil zu sehen ist.

Michelangelo Merisi Caravaggio

Martyrium des Heiligen Matthäus
Caravaggio, Martyrium des Heiligen Matthäus, 1599/1600

Michelangelo Merisi Caravaggio, einfach bekannt als Caravaggio, wurde wegen seines bahnbrechenden Ansatzes manchmal als “Vater der Barockmalerei” bezeichnet. In Mailand im dominanten manieristischen Stil ausgebildet, entwickelte er schnell seine eigene Technik mit dramatischen Hell-Dunkel-Kontrasten. Die Beherrschung des Tenebrismus, was “dunkel, geheimnisvoll” bedeutet, war so groß, dass ihm oft die Erfindung der Technik zugeschrieben wurde. Sein radikaler Realismus, mit dem er seine Sujets so malte, wie sie eigentlich waren, war gleichermaßen innovativ wie umstritten.

Caravaggio wurde mit seinen Gemälden vom Martyrium des Heiligen Matthäus (1599-1600) und der Berufung des Heiligen Matthäus (1599-1600), die für die Contarelli-Kapelle in Auftrag gegeben wurden, zum berühmtesten Künstler Roms. Später erhielt er eine große Anzahl von religiösen Aufträgen, obwohl eine Reihe von ihnen, darunter seine Bekehrung des Heiligen Paulus (1600-1601) und der Tod der Jungfrau (1601-1606), von Gönnern abgelehnt wurden, die seinen Realismus für zu schockierend hielten.

Dennoch wurde sein Werk so einflussreich, dass die nachfolgenden Generationen, die seinen Stil übernahmen, Caravaggisti oder Tenebrosi genannt wurden. Sein Werk beeinflusste viele große Barockmaler, darunter Peter Paul Rubens, Gian Lorenzo Bernini, Jose Ribiera und Rembrandt van Rijn.

Hochbarock

Baldachin Petersdom
Foto: Sailko / Wikipedia / CC BY-SA 3.0

Der Hochbarock, der von Größe und einer Betonung von Bewegung und Dramatik geprägt ist, begann um 1625 und dauerte bis etwa 1700. Gian Lorenzo Bernini führte und dominierte die Epoche und prägte den Barockstil der Skulptur. Sein Gönner, Kardinal Scipione Borghese, war einer der reichsten und mächtigsten Männer Roms, und Berninis frühe Skulpturen wurden für den Borghese-Palast des Kardinals geschaffen. Seine Arbeiten boten dramatischen Realismus, intensive Emotionen und Bewegung, und leiteten eine neue Ära in der Geschichte der europäischen Skulptur ein.

San Carlo alle Quattro Fontane
Foto: Architas / wikipedia / CC BY-SA 4.0

Berninis Hauptrivale in der Architektur war Francesco Borromini, dessen Kirche San Carlo alle Quattro Fontane (1624-1646) wellenförmige Mauern, einen ovalen Turm und ein radikal innovatives ovales Design für die Kirche unter einer ovalen Kuppel verwendete. Auch die Deckenmalerei mit Quadratura und Trompe d’oeil wurde zum Markenzeichen des Hochbarock und wurde in Giovanni Battista Gaullis “Der Triumph des Namens Jesus in der Kirche Gesù” (1669-1683) und Andrea Pozzos “Apotheose des Heiligen Ignatius” (1688-1694), beide in Rom, veranschaulicht. Pozzo ist auch Autor von Perspectiva Pictorium et Architectorum. Es erschien in zwei Bänden, zuerst 1693, dann 1698, und beeinflusste Künstler und Architekten in ganz Europa bis ins 19. Jahrhundert.

Konzepte, Stile und Ausprägungen in Europa

Spanischer Barock

Der spanische Barock zeichnet sich durch seinen unverwechselbaren Stil aus, da in der spanischen Kultur eine triste und manchmal sogar düstere Stimmung vorherrschte. Der Achtzigjährige Krieg (1568-1648), in dem die Spanier erfolglos versuchten, die Kontrolle über die Niederlande zu behalten, und der Anglo-Spanische Krieg (1585-1604), in dem die spanische Armada beim Versuch der Eroberung Englands besiegt wurde, die spanischen Finanzen trockenlegte und eine Wirtschaftskrise auslöste. Gleichzeitig wurde der Katholizismus durch die Schwere der Inquisition beeinflusst.

In der Architektur wurde die Größe und der Reichtum der Kirche hervorgehoben, wie die Jesuiten, ein Orden, der sowohl für seine intellektuelle Fürsprache für die Gegenreformation als auch für seine christliche Bekehrung bekannt ist, eine extreme Verwendung von Ornamenten zur Betonung der religiösen Herrlichkeit entwickelte. Ein früh bekanntes Beispiel war die “Capilla de San Isidro” von Pedro de la Torre (1642-1669), die ein verziertes Äußeres mit einem einfachen Inneren verband, das Lichteffekte nutzte, um ein Gefühl des religiösen Geheimnisses zu vermitteln.

Santiago de Compostela Kathedrale
Foto: Jose Ignacio Soto / shutterstock.com

Die Betonung der barocken Dekoration wurde noch dominanter, wie Fernando de Casa Novos Obradoiro (1738-1750) oder die Fassade der Kathedrale von Santiago de Compostela zeigen. Jene Fassade wurde in ganz Europa und den spanischen Kolonien in Lateinamerika zu einem wichtigen Einfluss, denn die Kathedrale, seit Jahrhunderten ein verehrter Wallfahrtsort, war die berühmteste Kirche Spaniens.

Iglesia-Convento San Esteban Nr. 9

Vergoldete Altarbilder waren ein herausragendes Element der spanischen Barockarchitektur, wie José Benito Churriguer’s Altarbild der Kirche San Esteban in Salamanca (1693) zeigt, das Wendelsäulen und eine umfangreiche Verwendung von Gold in einer extrem aufwändigen Oberfläche verwendete. Der daraus resultierende Stil, der eine in Bewegung befindliche Oberfläche betont, wurde “entallador” genannt und in ganz Spanien und Lateinamerika übernommen.

Im Gegensatz zur architektonischen Betonung der katholischen Pracht betonte die spanische Barockmalerei die Grenzen und das Leiden der menschlichen Existenz. Es wurde für seinen Fokus auf Realismus bekannt, der auf präziser Beobachtung basiert, und war weniger an theatralischen Effekten interessiert als an einem überzeugenden Sinn für menschliches Drama.

Die heilige Familie mit der heiligen Katharina
Riberas, Die heilige Familie mit der heiligen Katharina, 1648

Caravaggio war ein früher Einfluss auf Künstler wie Francisco Ribalta und Jusepe Ribera, obwohl die meisten spanischen Künstler Chiaroscuro und Tenebrismus als Ausgangspunkt nahmen und ihren eigenen Stil entwickelten. Riberas späteres Werk betonte eine Schicht von Silbertönen, die mit warmen Goldtönen überlagert waren, wie in seiner “Die heilige Familie mit der heiligen Katharina” (1648) zu sehen ist.

Bartolomé Esteban Murillo entwickelte den estilo vaporiso, einen dampfenden Stil, der eine zarte Palette, weichere Konturen und eine verschleiernde Wirkung von Silber oder Gold verwendete. Seine Werke waren sowohl religiöse Themen wie “Die Unbefleckte Empfängnis” (1678) als auch Genrebilder, in denen er oft Straßenbewohner darstellte. Sein Werk war aufgrund seiner Eleganz und Sentimentalität sehr beliebt, und er war 1660 Mitbegründer der Kunstakademie von Sevilla.

Las Meninas

Der führende Maler des spanischen Barock war Diego Velázquez, dessen Werk eine Reihe von Themen umfasste: Genrewerke wie die “Alte Frau beim Eierkochen” (1618); historische Gemälde zeitgenössischer Ereignisse wie “Die Übergabe von Breda” (1634-1634); bekannte Porträts wie Porträt von Innocent X (1650) und Las Meninas (1656). Während er mit dem Tenebrismus begann, entwickelte er seine eigene meisterhafte Technik, die eine relativ einfache Farbpalette verwendete, aber Farbtonvariationen und abwechslungsreiche Pinselführung betonte.

Französischer Barock und französischer Klassizismus

Die Architektur war der dominante Ausdruck des französischen Barockstils. In Frankreich als Klassizismus bezeichnet, lehnte er das Verzierte zugunsten geometrischer Proportionen und weniger aufwendiger Fassaden ab. Während Ludwig XIV. Bernini 1661 nach Frankreich einlud, um einen Entwurf für seinen Palast von Versailles einzureichen, wählte der König stattdessen den klassischen Entwurf von Louis Le Vau mit Charles Le Brun als Dekorateur. Als Direktor des Gobelin-Manufaktur wurde Le Bruns Werk europaweit prägend.

Die Galerie des Glaces (1678-1686) in Versailles enthielt Le Bruns Gemälde und wurde zum Standard für königliche französische Innenräume. Auch die Gärten, die in geometrischen Rastern angeordnet sind, um die Architektur zu unterstreichen und zu reflektieren, waren ein weiteres bemerkenswertes Element von Versailles.

Nicolas Poussin: Landschaft mit Orpheus und Eurydike (um 1650)
Nicolas Poussin, Landschaft mit Orpheus und Eurydike, um 1650

Auch in der Malerei bewegten sich die französischen Künstler in Richtung einer eher klassischen Zurückhaltung. Claude Lorrain, einfach bekannt als Claude, und Nicolas Poussin, waren die wichtigsten französischen Maler, obwohl beide in Rom arbeiteten. Claudes Werk betonte die Landschaft und die Wirkung des Lichts und seine Motive, ob religiöse oder klassische Themen, waren lediglich der Anlass des Werkes, nicht aber sein Fokus. Während Poussin mit der Malerei im Barockstil begann, hatte er Mitte der dreißiger Jahre begonnen, seinen eigenen Stil zu entwickeln, denn Werke wie seine “Landschaft mit Orpheus und Eurydike” (1650-1651) vermittelten eine ruhige Rationalität, die in der späteren Entwicklung des Neoklassizismus an Einfluss gewann.

Andere französische Künstler, allen voran Georges de la Tour, wurden von Caravaggios Tenebrismus beeinflusst, wandten sich aber von dramatischen Handlungen und Effekten ab. Er malte hauptsächlich religiöse Themen, erkundet innovativ das Licht und verwendet geometrische Kompositionen und vereinfachte Formen, um eine ruhige und nachdenkliche Spiritualität zu vermitteln.

Das Werk von la Tour war zu seiner Zeit einflussreich, da König Ludwig XIII., Heinrich II. von Lothringen und Kardinal Richelieu Schirmherren seines Werkes waren.

Der Schmied in seiner Schmiede
Gebrüder Le Nain, Der Schmied in seiner Schmiede, um 1639

Genremaler wie die Gebrüder Le Nain wandten den Barockstil ebenfalls innovativ an. Louis, Antoine und Mathieu Le Nain arbeiteten an den meisten ihrer Werke zusammen, und ihre Genreszenen betonten den Realismus der alltäglichen Arbeit, wie sie in “Der Schmied in seiner Schmiede” (um 1639) zu sehen war.

Russischer Barock

Der russische Barock wird auch als Petrinischer Barock bezeichnet, benannt nach Peter dem Großen, der den Stil des Wiederaufbaus von St. Petersburg förderte, als er es 1712 zur neuen russischen Hauptstadt erklärte. Nach seinem Besuch in Versailles und den Schlössern von Fontainebleau 1697-1698 war er vom französischen Barock inspiriert worden. Der Menschikow-Palast (1711-1727) wurde zu einem bemerkenswerten frühen Beispiel des russischen Barock. Architekten wie Andreas Schluter, Gottfried Schadel und Jean-Baptiste Alexandre Le Blond waren führende Architekten des Stils.

Smolny-Kathedrale, Foto: George Shuklin / wikipedia / CC BY-SA 1.0

Nach dem Tod von Peter dem Großen ging der Stil weiter, wurde aber luxuriöser und kunstvoller, wie vom führenden Architekten Bartolomeo Rastrelli entworfen. Der Stil wurde dann zu Ehren von Kaiserin Elisabeth Petrovona als elisabethanischer Barock bezeichnet, und berühmte Beispiele waren der Smolny-Dom (1748-1764) und der Winterpalast (1754-1762).

Flämische Barockmalerei

Die Malerei war der unverwechselbare Bestandteil des flämischen Barock, und ihr besonderer Charakter geht auf historische und kulturelle Kräfte zurück. 1585 eroberten Spaniens katholische Streitkräfte Antwerpen in Flandern zurück und die katholische Region wurde von der protestantischen niederländischen Republik abgespalten. Infolgedessen malten flämische Künstler sowohl religiöse Themen als auch Landschaften, Stillleben und Genrearbeiten, die sich noch immer an der nordeuropäischen Tradition orientieren.

Peter Paul Rubens, Kreuzabnahme, 1600 - 1602
Peter Paul Rubens, Kreuzabnahme, 1600 – 1602

Peter Paul Rubens leitete die Entwicklung der flämischen Barockmalerei. Sein hochbarocker Stil, bekannt für seine reiche Farbigkeit, seinen sinnlichen Überfluss und seine Bewegung, prägte sowohl seine religiöse Malerei wie bei der Kreuzabnahme (1614) als auch seine nicht-religiösen Themen wie das Urteil von Paris (1636). Seine weiblichen Akte von mythologischen und biblischen Frauen waren besonders bekannt und einflussreich, da sie Sinnlichkeit mit einer Komplexität aus Allegorie und Anspielung verbanden.

Rubens’ bekanntester Schüler war Anthony van Dyck, der später vor allem durch seine Porträts berühmt wurde, die von höfischer Eleganz geprägt waren. 1630 wurde er zum Hofmaler der Prinzessin von Orange ernannt und wurde aufgrund königlicher Verbindungen zum Maler des englischen Hofes ernannt.

Flämische Künstler malten auch Genreszenen, und die bekanntesten waren Adriaen Brouwer, Jacob Jordaens und David Teniers der Jüngere.

Das Goldene Zeitalter der Niederlande

Rembrandt, Die Nachtwache, 1642
Rembrandt, Die Nachtwache, 1642

Das niederländische Goldene Zeitalter war das einzige Beispiel für den in einem protestantischen Gebiet verwendeten Barockstil und verfolgte daher einen ganz anderen Ansatz in Architektur und Malerei.

Das niederländische Goldene Zeitalter begann um 1648 mit dem Ende des Dreißigjährigen Krieges, als die Niederländische Republik, die sich 1588 von Spanien abgespalten hatte, schließlich die Unabhängigkeit erlangte. In den folgenden Jahrzehnten wurde die Republik, angetrieben von ihrer Dominanz des Welthandels, zu einem wirtschaftlichen Machtzentrum mit einer aufstrebenden Mittelklasse. Die niederländische Barockarchitektur orientierte sich in erster Linie an den Werken des venezianischen Renaissance-Architekten Andrea Palladio, wobei einige gotische Elemente beibehalten wurden, um einen zurückhaltenden monumentalen Stil zu schaffen.

Die niederländische Malerei konzentrierte sich auf Alltagsszenen, weltliche Themen und bahnbrechende Entwicklungen in der Landschafts-, Stillleben- und Genremalerei. Religiöse Themen wurden am häufigsten in der Druckgrafik dargestellt, um biblische Texte zu illustrieren. Gleichzeitig malten mehrere niederländische Künstler im Barockstil mit Chiaroscuro und Tenebrismus, wie Rembrandts Meisterwerk “Die Nachtwache” (1642) zeigt.

Spätere Entwicklungen

Mit der Geburt des Rokoko in Paris um 1720 endete die Barockzeit. Einige Fachleute bezeichnen das Rokoko als “Spätbarock”, doch es nahm einen sehr unbeschwerten und unterhaltsamen Stil an, der mit dem höfischen Leben verbunden ist. Dennoch waren Barockkünstler auch im Rokoko von Bedeutung, da Rubens viele der führenden Rokoko-Künstler beeinflusste.

Als dem Rokoko innerhalb von fünfzig Jahren der neoklassische Stil folgte, wurden viele Barockkünstler unbedeutend. Rubens und Rembrandt wurden im 18. Jahrhundert wiederentdeckt, als Rubens den Romantiker Théodore Géricault und Eugène Delacroix beeinflusste, und Rembrandt die Impressionisten und Post-Impressionisten. Claudes Landschaftsbilder beeinflussten J.M.W. Turner, und Velázquez war ein bedeutender Einfluss auf Édouard Manet, Pablo Picasso und Francis Bacon.

Auch Caravaggio wurde wiederentdeckt, aber erst Mitte des 19. Jahrhunderts. Ein Wiederaufleben des Interesses an Berninis architektonischem Werk wird von einer Reihe zeitgenössischer Architekten beobachtet, darunter I. M. Pei, Richard Meier und Frank Gehry.

Ebenso spiegeln zeitgenössische Künstler wie Jenny Saville, Lisa Yuksavage und John Currin die anhaltende Wirkung der Werke von Rembrandt und Rubens wider.