30 berühmte Gemälde, die die Kunstgeschichte nachhaltig beeinflusst haben

Es gibt berühmte Gemälde, die man kennen sollte, wenn man sich für Kunst interessiert. Die Gründe, warum einzelne Kunstwerke berühmt werden und über Jahrhunderte hinweg ihre Betrachterinnen und Betrachter faszinieren, sind vielfältig.

In vielen Fällen ist es eine Kombination verschiedener Faktoren, wie z.B: 

Um dir einen Überblick zu verschaffen, welche Gemälde du zumindest einmal gesehen haben solltest, findest du hier 30 Werke aus dem 15. bis ins 20. Jahrhundert.

 Jan van Eyck, Das Arnolfini Porträt, 1434

Jan van Eycks Meisterwerk zeigt den italienischen Kaufmann und seine Partnerin in einer häuslichen Umgebung. Das berühmte Gemälde lässt sich der Renaissance des Nordens zuordnen und gilt als frühes Beispiel der Ölmalerei, als dieses Medium noch nicht so ausgereift war, wie einige Jahre später.

Neben der meisterhaften Verwendung des Mediums begeistert es die Betrachter vor allem mit einer umfangreichen Symbolik, über die sich viele Thesen aufstellen lassen. Die wichtigsten Theorien haben wir in unserer Bildanalyse des Porträts zusammengefasst.

Auch die Fluchtpunktperspektive war zu dieser Zeit nicht weit verbreitet. In einer häuslichen Szene gilt das Arnolfini Porträt als Vorreiter des Einsatzes dieser Perspektive.

Berühmte Gemälde der Renaissance: Sandro Botticelli, La Primavera, 1482

Das Bild zeigt eine Menschenmenge, die sich in einem Orangenhain versammelt hat.

Während die Büsche links und rechts eine gewisse Umgebungsperspektive bieten, sehen wir nicht wirklich die lineare Perspektive, die einige frühe Renaissance-Künstler im 15. Jahrhundert verwendeten.

Beachte auch, dass die Gliedmaßen der meisten Figuren lang und dünn sind, was ihnen ein elegantes Aussehen verleiht.

Sandro Botticelli, Die Geburt der Venus, 1484 - 1486

"Die Geburt der Venus" war der erste vollständige Akt eines nicht-religiösen Motivs und wurde für den bekannten florentinischen Gönner Lorenzo de Medici geschaffen.

Die freizügige Darstellung der Venus stoß aber nicht nur auf Begeisterung. Der dominikanische Mönch Girolamo Savonarola ordnete das „Fegefeuer der Eitelkeiten“ an. In 1497 wurden in Florenz allerlei Kunstobjekte, die den weltlichen Geschmäckern ihrer Auftraggeber gefielen, aber der Kirche missfielen, zur Verbrennung auf einen Scheiterhaufen geworfen. Auch Die Geburt der Venus war dazu bestimmt, verbrannt zu werden.

Auf wundersame Weise entging das monumentale Gemälde allerdings diesem Schicksal. Das 1,72 m x 2,78 m große Temperagemälde kann heute in den Uffizien bestaunt werden.

Bekannte Gemälde: Hieronymus Bosch, Der Garten der Lüste, zw. 1490 - 1510

Ein unheimliches, geheimnisvolles Tryptichon, das seinesgleichen sucht. Das Gemälde zeigt das Fortschreiten der Sünde, von der Entstehung des Menschen im Garten Eden bis hin zu seinem Ende in der Hölle. Genauer gesagt zeigt die Darstellung einen Teil der Schöpfungsgeschichte aus Genesis.

Auf den Außenflügeln befindet sich ein Bild der Erde, das die Erschaffung der Erde durch Gott symbolisiert, bevor sie von Menschen und Tieren bevölkert wurde.

Die stellenweise undeutbare, fantasievolle Symbolik zeigt Wesen, die man sich kaum vorstellen kann. Wahrscheinlich ist es die pure Kreativität und Fantasie des Künstlers, der dem im Auftrag der Kirche geschaffenen Werk zu seiner Popularität verhalf.

Mona Lisa, Leonardo da Vinci, 1502 - 06

Das geheimnisvolle Porträt der Mona Lisa wird seit seiner Entstehung von zwei Fragen umschwirrt: Wer ist die Frau und wieso lächelt sie so sanft? Heutzutage geht man davon aus, dass es sich bei der Mona Lisa um die Frau des Kaufmanns Francesco di Bartolomeo del Giocondo handelt: Lisa del Giocondo.

Im Jahr 2005 wurde man auf eine Notiz von Agostino Vespucci aufmerksam, die beschreibt, wie Leonardo da Vinci an einem Porträt der Frau arbeitete.

Der Blick und das Lächeln der Mona Lisa sind von einer Ruhe gekennzeichnet, die die Betrachter seit vielen Jahrhunderten fesselt. Zusammen mit der atmosphärischen Perspektive des Hintergrunds des Bildes entsteht ein mystisches Gesamtkunstwerk, das als das berühmteste Gemälde der Welt gilt und jährlich Millionen von Besuchern im Louvre anzieht.

Hans Holbein der Jüngere, Die Gesandten, 1533

Die Gesandten von Hans Holbein dem Jüngeren aus dem Jahr 1533 ist ein Doppelporträt zweier französischer Gesandter. Das Gemälde ist reich an Symbolik und zeigt eine Vielzahl von Gegenständen, die auf die Bildung, den Reichtum und die Interessen der beiden anspielen. 

Der perspektivisch verzerrte Schädel am unteren Bildrand ist ein Memento mori, das den Betrachter an die Vergänglichkeit des Lebens erinnert. Die minutiösen Details der wissenschaftlichen Instrumente, Textilien und religiösen Symbole spiegeln die Faszination der Renaissance für das Wissen und die Verschmelzung von säkularen und sakralen Elementen wider. 

Holbeins gekonnter Einsatz von Licht und Schatten verleiht dem Werk einen gewissen Naturalismus, der es zu einem Meisterwerk der nordischen Renaissancekunst macht.

Die Kornernte, Pieter Bruegel der Ältere, 1565

Bruegels Abbildung des einfachen Mannes bei der Ernte gilt als eines der prägendsten Werke der westlichen Kunst.

Diese Komposition war eine von sechs Gemälde aus seinem Jahreszeiten-Zyklus.

Eine Gruppe von Bauern auf der linken Seite erntet den Weizen, während eine weitere Gruppe Männer ihre Mittagsmahlzeit isst. Eine Figur mit aufgeknöpfter Hose lehnt sich gegen den Baum und rastet.

Das Besondere ist die Genauigkeit der Landschaftsdarstellung. In einer Zeit, in der Landschaften vor allem als Hintergründe für religiöse Werke eingesetzt wurden, stach das weltliche Werk von Bruegel d.Ä. hervor.

Caravaggio, Berufung des hl. Matthäus, 1599/1600

Caravaggios Berufung des Heiligen Matthäus ist eines der zentralen Werke des Barocks.

Mit seiner Hell-Dunkel-Malerei hat er die Kunstgeschichte nachhaltig beeinflusst, indem er seinen Figuren durch den geschickten Einsatz von Licht und  Schatten mehr Dramatik verlieh.

Die Berufung des Heiligen Matthäus ist eines dieser bekannten Gemälde von Rembrandt, in dem er die Gestaltungstechnik, die in Fachkreisen auch als Chiaroscuro bezeichnet wird, perfektioniert hat.

Artemisia Gentileschi, Judit und Holofernes, 1610

Als Judit, eine gläubige junge Frau aus der Stadt Betulia, Holofernes, den Anführer der assyrischen Truppen, die ihre Stadt umzingelt hatten, enthauptete, rann das Blut in Rinnsalen über die weißen Tücher.

Judit, bewegt von der Not ihres Volkes und erfüllt vom Glauben an Gott, nahm die Dinge selbst in die Hand und bewahrte ihresgleichen vor einem hoffnungslosen Schicksal.

Als eine der wenigen Malerinnen dieser Zeit ist das Werk von Artemisia Gentileschi umso wichtiger.

Bekannte Gemälde des Barocks: Rembrandt van Rijn, Nachtwache, 1642

Das Gemälde Die Nachtwache von Rembrandt aus dem Jahr 1642 ist ein monumentales Gruppenporträt, das von der Amsterdamer Bürgerwehr in Auftrag gegeben wurde.

Das Gemälde zeigt eine dynamische Szene, in der sich die Mitglieder der Miliz versammeln. Rembrandt verwendet einen dramatischen Einsatz von Licht und Schatten, um die Hauptfiguren in der Komposition hervorzuheben. Die zentrale Figur, der Kapitän Frans Banning Cocq, wird in den Mittelpunkt gerückt, und Rembrandt inszeniert die Gruppe geschickt, um ein Gefühl von Bewegung und Unmittelbarkeit zu erzeugen.

Der dunkle Hintergrund verstärkt die Lebendigkeit der Figuren und ermöglicht es Rembrandt, seine Meisterschaft im Umgang mit Licht und Schatten unter Beweis zu stellen, während die Gesamtkomposition die Energie und Kameradschaft der Bürgerwehr im Goldenen Zeitalter der Niederlande einfängt.

Las Meninas, Diego Velázquez, 1656

Diego Velázquez war Hofmaler des spanischen Königs Philipp IV. Das monumentale Meisterwerk wirft viele Fragen auf, weshalb es nicht nur wegen seiner virtuosen Malweise zu einem solch berühmten Gemälde geworden ist.

Gezeigt wird die spanische Königsfamilie, wie sie im Studio des Künstlers steht. Velázquez malt sich selbst vor einer Leinwand sitzend. Im Hintergrund befindet sich ein farblich hervorgehobenes Gemälde des Königspaares an der Wand.

Genauso gut könnte es sich dabei allerdings auch um einen Spiegel handeln. Die Position des Königspaares ist daher für den Betrachter nicht eindeutig geklärt.

Jan Vermeer, Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge, 1665

Jan Vermeers Darstellung einer jungen Frau ist so verblüffend einfach, aber dennoch so verblüffend naturalistisch gemalt, dass es beinahe unheimlich ist, wie der Künstler diese Meisterleistung auf den verhältnismäßig kleinen Maßen geschafft hat.

Vermeer stellt das geheimnisvolle Mädchen mit dem Blick über die Schulter dar. Ihr Blick ist dem Betrachter direkt entgegen gerichtet. Der Ohrring blitzt auffällig hervor und zieht die Aufmerksamkeit auf sich.

Genauer gesagt handelt es sich dabei nicht einmal um eine Porträtmalerei, sondern um eine Tronie, eine Darstellung in der niederländischen Malerei, die eine anonyme Person abbildet und die Gesichtszüge des Subjekts in den Vordergrund stellt. Aus diesem Grund ist das Gemälde von einigen Spekulationen um die Identität des Mädchens umgeben, die wahrscheinlich nie mehr aufgeklärt werden.

Jacques-Louis David, Tod des Marat, 1793

Der Tod des Marat von Jacques-Louis David, 1793 während der Französischen Revolution gemalt, zeigt die Ermordung des radikalen Journalisten und Revolutionsführers Jean-Paul Marat. Marat, der an einer Hautkrankheit litt, wird in einem Badehaus dargestellt, wo er von Charlotte Corday ermordet wird.

Die Komposition ist eindringlich und emotional, da Marat als Märtyrer für die revolutionäre Bewegung dargestellt wird. David verwendet eine dramatische Beleuchtung, um den tragischen Charakter von Marats Tod zu unterstreichen, und die Szene ist von Pathos und Heldentum durchdrungen. 

Das Gemälde ist sowohl eine Hommage an Marat als auch ein Aufruf, den revolutionären Kampf fortzusetzen.

Die große Odaliske, Jean Auguste Dominique Ingres, 1814

Im Auftrag von Napoleons Schwester, Königin Caroline von Neapel, stellte Die große Odaliske den Bruch des Künstlers mit dem neoklassizistischen Stil dar, mit dem er einen Großteil seiner Karriere lang identifiziert worden war. 

Die große Odaliske kann sowohl dem Manierismus als auch der Romantik zugeordnet werden. Ziel der Romantik war es, die emotionale Reaktion des Betrachters in den Vordergrund zu stellen und die neoklassizistischen Ideale zu verdrängen.

Die Anatomie der Odaliske ist merkwürdig: Kunsthistoriker gehen davon aus, dass die Lendenwirbelsäule um zwei Wirbel zu lang dargestellt wurde.

Was anfänglich unter Häme von den führenden Persönlichkeiten der Kunst empfangen wurde, erwies sich über die Jahre als berühmtestes Gemälde von Ingres.

Die Freiheit führt das Volk, Eugène Delacroix, 1830

Die Freiheit führt das Volk ist das wohl bekannteste Gemälde von Delacroix. Es zeigt die personifizierte Freiheit, wie sie das französische Volk führt, das sich über den Obrigkeitsstaat erhebt.

Das Gemälde wurde nach der Revolution von der französischen Regierung gekauft und anschließend beinahe 30 Jahre lang nicht mehr ausgestellt. Der „Bürgerkönig“ Louis-Philippe I. hielt das Motiv wahrscheinlich für zu aufrührerisch.

Glücklicherweise ist das berühmte Gemälde heutzutage für alle Besucher des Louvres zugänglich.

Berühmte Gemälde: William Turner, The Fighting Temeraire, 1839

Turners romantische Landschaft "The Fighting Temeraire" symbolisiert das Ende einer Epoche: Ein Dampfschiff schleppt ein ausgedientes Kriegsschiff zum Hafen.

Dieses bekannte Gemälde ist typisch für den einzigartigen Stil von JMW Turner, der für seine nebelartigen Landschafts- und Meeresszenen bekannt ist. JMW Turner ist einer der frühen Künstler, der mit farblicher Abstraktion seiner ansonsten figurativen Szenen arbeitete und damit einen wichtigen Beitrag in Richtung der modernen Kunst leistete.

The Fighting Temeraire wurde im 21. Jahrhundert in einer Umfrage zum Lieblingsbild der Engländer gewählt.

Édouard Manet, Olympia, 1863

Als zentrales Werk im Übergang vom Realismus zum Impressionismus schockierte Manets Olympia das Publikum mit der gewagten Darstellung einer nackten Frau, die die Konventionen von Schönheit und Moral in Frage stellte.

Das berühmte Gemälde befindet sich heute im Pariser Musée d'Orsay und sollte bei einem Besuch der französischen Hauptstadt nicht vergessen werden.

Impression, Sonnenaufgang, Claude Monet, 1874

Der prägende Charakter des Impressionismus - Claude Monet - verlieh der Bewegung des Impressionismus mit diesem Werk einen Namen.

Die bekannte Lichtimpression des Sonnenaufgangs im Hafen von Le Havre, der Heimat von Monet, stellt die Sonne als orangefarbenen Kreis dar, dessen Strahlen durch eine verschwommene blaue Verschmelzung von Wasser und Himmel stößt.

George Seurat, Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte, 1884 - 86

Georges Seurats "Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte", entstanden zwischen 1884 und 1886, ist ein Meisterwerk des Pointillismus. 

Das Gemälde zeigt eine heitere Szene an der Seine in Paris mit einer Gruppe von Menschen, die einen Sonntagnachmittag im Park genießen. Seurat setzt akribisch kleine Farbpunkte, um ein Gefühl der optischen Verschmelzung zu erzeugen, eine Technik, die als Pointillismus bekannt ist.

Die Komposition ist sehr strukturiert und die Figuren sind in einem harmonischen Gleichgewicht auf der Leinwand angeordnet. Dieser innovative Umgang mit Farbe und Technik spiegelt Seurats Hingabe an die wissenschaftlichen Prinzipien der Farbenlehre wider und ist ein wichtiger Beitrag zur Bewegung des Postimpressionismus.

Die Sternennacht, Vincent van Gogh, 1889

Die Sternennacht ist das wohl faszinierendste Gemälde von Vincent van Gogh. Es wurde in der Anstalt in Saint-Rémy gemalt, in die er sich in 1889 selbst eingewiesen hatte.

Das Gemälde zeigt das turbulente Gefühlsleben van Goghs, kurz bevor er sich ein Jahr darauf das Leben nahm. Die wirbelnden Farbstreifen und die lebendige Pinselführung zeigt die Gespaltenheit seiner Persönlichkeit. 

Berühmte Gemälde: Edvard Munch, Der Schrei, 1893

Edvard Munchs bekanntes Gemälde Der Schrei aus dem Jahr 1893 ist eine eindringliche Darstellung existenzieller Ängste und seelischer Turbulenzen. 

Die zentrale Figur mit verzerrtem Gesicht und an die Schläfen gepressten Händen steht auf einer Brücke und blickt in eine stürmische, expressionistische Landschaft. Der wirbelnde Himmel und der farbenfrohe Fjord vermitteln ein Gefühl von Chaos und innerer Unruhe.

Die stilisierte, emotionale Komposition, die sich durch kräftige Farben und dynamische Linien auszeichnet, spiegelt Munchs Auseinandersetzung mit der menschlichen Psyche und seine persönlichen Kämpfe mit der psychischen Gesundheit wider.

Der Schrei ist zu einem unvergänglichen Symbol der Existenzangst geworden und bleibt eines der bekanntesten und einflussreichsten Werke der Kunstgeschichte.

Paul Gauguin, Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?, 1897

Woher kommen wir? Was sind wir? Wohin gehen wir? ist ein Meisterwerk von Paul Gauguin aus den Jahren 1897-1898. Das großformatige Gemälde ist eine kontemplative Erkundung der existenziellen Fragen des Lebens.

Das Gemälde entfaltet sich als Erzählung von rechts nach links und zeigt Figuren in verschiedenen Lebensphasen, von der Unschuld der Kindheit über die Komplexität des Erwachsenseins bis hin zum Nachdenken im Alter. 

Gauguin verwendet tahitianische Symbolik, leuchtende Farben und eine üppige tropische Landschaft, um ein visuelles Gedicht zu schaffen, das seine Faszination für Spiritualität, den Kreislauf des Lebens und seine Suche nach einem utopischen Paradies auf Tahiti widerspiegelt.

Der Titel selbst deutet auf eine philosophische Untersuchung des menschlichen Daseins hin und macht das Gemälde zu einem Höhepunkt von Gauguins künstlerischen und persönlichen Erkundungen.

Bekannte Gemälde: Gustav Klimt, Der Kuss, 1908

Der Kuss von Gustav Klimt ist eine interessante Mischung aus Symbolismus und Jugendstil. Das berühmte Gemälde zeigt eine mystisch wirkende Frau, die in ein üppiges Dekor aus Gold gehüllt wurde und daher perfekt in die Goldene Periode Klimts passt. In dieser Zeit verwendete Klimt häufig Blattgold, um seine Motive zu verzieren.

Wahrscheinlich wurde diese Technik von einem Besuch in einer italienischen Kirche inspiriert, in der die Künstler Oberflächen mit Blattgold veredelten.

Berühmte Gemälde der Moderne: Les Demoiselles d’Avignon, Picasso, 1907

Les Demoiselles d’Avignon brach mit vielen Traditionen der westlichen Malerei und ebnete den Weg in die Moderne Kunst. Das berühmte Gemälde von Picasso zeigt mehrere Frauen, deren Darstellung an afrikanische Masken erinnert, die Picasso in einem Pariser Museum gesehen hatte.

Die abgebildeten Frauen sind eigentlich Prostituierte in einem Bordell in Barcelona.

Komposititon mit Rot, blau und gelb, Piet Mondrian, 1930

Piet Mondrian war eine führende Person der niederländischen De-Stijl-Bewegung. Das Werk „Komposititon mit Rot, blau und gelb“ stellt einen Höhepunkt dieser Bewegung dar, das die Form, Farbe und Komposition auf ihre Grundkomponenten abstrahiert.

Die drei Primärfarben und die zwei farblichen Kontraste schwarz und weiß werden eingesetzt, um ein Raster an Farbfeldern zu kreieren, das in den Minimalismus mündete.

Grant Wood, American Gothic, 1930

Grant Woods "American Gothic" aus dem Jahr 1930 ist eine ikonische Darstellung des ländlichen Amerikas während der Großen Depression. Das Gemälde zeigt einen streng blickenden Farmer und seine Tochter vor einem Bauernhaus im gotischen Stil.

Woods akribische Detailtreue, der strenge Gesichtsausdruck der Dargestellten und die gotische Architektur schaffen ein kraftvolles Bild, das als Symbol für Standhaftigkeit in der amerikanischen Bevölkerung gilt.

Salvador Dalí, Die Beständigkeit der Erinnerung, 1931

Salvador Dalís Die Beständigkeit der Erinnerung aus dem Jahr 1931 ist ein surrealistisches Meisterwerk, das den Fluss und die Relativität der Zeit erkundet. Das Gemälde zeigt schmelzende Uhren, die in einer Traumlandschaft über verschiedene Objekte, darunter ein verzerrtes Gesicht, drapiert sind.

Dalís weiche, schmelzende Formen suggerieren die Formbarkeit der Zeit und des Unterbewusstseins und laden den Betrachter ein, über die flüchtige Natur der Realität nachzudenken.

Guernica, Picasso, 1937

Die Guernica, das berühmte Gemälde von Pablo Picasso, ist das wohl bekannteste Anti-Kriegs-Gemälde aller Zeiten. Gezeigt wird das Leid der Bewohner der baskischen Stadt Guernica, nachdem ein deutsches Bombengeschwader den Ort beinahe vollständig verwüstet hatte.

Im Rahmen des spanischen Bürgerkriegs, der auf der Seite Francos durch die Deutschen Streitmächte unterstützt wurde, wurden viele unschuldige Zivilisten getötet oder schwer verwundet.

Bekannte Gemälde der Kunstgeschichte: Frida Kahlo, Die zwei Fridas, 1939

Das Gemälde Die zwei Fridas von Frida Kahlo aus dem Jahr 1939 ist ein bewegendes und symbolisches Selbstporträt, das die komplexen Gefühle und die Identität der Künstlerin erforscht. 

Das Gemälde zeigt zwei Frida Kahlos nebeneinander, verbunden durch eine Ader, die vom Herzen der traditionellen mexikanischen Frida zum Herzen der europäisch geprägten Frida führt. 

Die doppelte Darstellung reflektiert Kahlos innere Zerrissenheit zwischen ihrer mexikanischen Herkunft und ihrer europäischen Abstammung sowie ihre emotionalen Turbulenzen rund um ihre turbulente Ehe mit dem Künstler Diego Rivera.

Berühmte Gemälde: René Magritte, Der Menschensohn, 1964

Das bekannte Gemälde Der Menschensohn von René Magritte aus dem Jahr 1964 zeigt einen Mann im Anzug vor einer niedrigen Mauer, dessen Gesicht von einem schwebenden grünen Apfel verdeckt wird.

Die Identität des Mannes bleibt verborgen und schafft eine rätselhafte, surreale Atmosphäre. Das Gemälde thematisiert Identität, Geheimnis und Selbstwahrnehmung und lädt den Betrachter ein, über die symbolische Bedeutung des verborgenen Gesichts und die surreale Gegenüberstellung alltäglicher Elemente nachzudenken.

Magrittes akribische Detailtreue, die realistische Darstellung und die traumhafte Komposition machen die Darstellung zu einem fesselnden und zum Nachdenken anregenden Werk der surrealistischen Kunst.