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Berühmte Porträts der Kunstgeschichte

8 der bekanntesten und einzigartigsten Porträts der Kunst

Berühmte Porträts

Unabhängig vom Umfang ihrer Lieblingsmotive haben sich die meisten Künstler mit der uralten Kunst der Porträtmalerei beschäftigt. Definiert durch die Darstellung von Menschen, wurde dieses Genre von den einflussreichsten Malern der Kunstgeschichte praktiziert und gipfelt in einer umfangreichen Sammlung von weltberühmten Porträts.

Während die Künstler hinter diesen Werken allgemein bekannt sind, sind die Themen oft weniger offensichtlich. Obwohl viele berühmte Porträts auf die Identität der Dargestellten hinweisen, sind einige so vage gehalten, dass man die abgebildeten Personen heutzutage nicht mehr identifizieren kann. Oft ist es genau diese Ungewissheit, dieses Identitätsmysterium, das einige der berühmten Portäts auszeichnet und die Beobachter auch nach Jahrhunderten zum Nachdenken anregt.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa, ca. 1502 - 1506

Mona Lisa Leonardo da Vinci Werke

Leonardo da Vinci, Mona Lisa, ca. 1502 - 1506

Das wohl berühmteste Porträt der Kunstgeschichte, die Mona Lisa, wurde 1506 vom italienischen Künstler, Erfinder, Schriftsteller und Universalgenie Leonardo da Vinci gemalt. Das Meisterwerk zeigt ein halblanges Porträt einer sitzenden Frau in einer Loggia, die auf eine verschwommene Naturlandschaft blickt. Die Figur schaut zum Betrachter und lächelt zärtlich.

Also, wer ist die Mona Lisa? Jahrhundertelang blieb die Identität der unverwechselbaren Figur ein Geheimnis. Im Jahr 2005 entdeckten deutsche Wissenschaftler jedoch einen handschriftlichen Kommentar im Heidelberger Manuskript, der sie positiv als Lisa del Giocondo (geb. Gherardini), eine florentinische Adlige, identifizierte. Das Porträt wurde von ihrem Mann Francesco Giocondo in Auftrag gegeben.

Obwohl das Porträt, das im Pariser Louvre-Museum hängt, die berühmteste Mona Lisa ist, ist es nicht das einzige. Seit Jahrhunderten schaffen viele Künstler ihre eigenen Porträts der heute legendären Lisa del Giocondo, darunter auch das berühmte Gemälde von da Vincis Lieblingsschüler Francesco Melzi.

Rembrandt, Selbstporträts, ab 1628

Rembrandt Selbstporträts

Anders als die übrigen Porträtgemälde in dieser Aufzählung handelt es sich bei Rembrandt Selbstporträts nicht um ein einzelnes Werk, sondern um eine ganze Reihe an Selbstporträts, die er im frühen Künstleralter begann und bis kurz vor seinen Tod malte.

Insgesamt malte Rembrandt über 40 verschiedene Selbstporträts, die sein Aussehen zu jenen Zeitpunkten ziemlich genau dokumentieren. Die meisten Werke spielen mit einzigartigen Belichtungen, die meist nur einen Teil seines Gesichts erhellen und den Rest des Bildes im Dunklen verbergen.

Rembrandt scheute sich auch nicht davor, seine Eigendarstellungen aufzupolieren. Er zeugt sein Gesicht deutlich vom Alterungsprozess gezeichnet mit tiefen Falten und grauem Haar in seinen späteren Porträts.

Jan Vermeer, Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge, 1665

Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge Bild

Jan Vermeer, Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge, 1665

Wenn wir über berühmte Porträts reden, darf dieses Werk nicht fehlen. 1665 schuf der niederländische Künstler Johannes Vermeer sein bekanntestes Kunstwerk: Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge.

Viele Kunsthistoriker haben die wahre Identität der auf dem Gemälde dargestellten jungen Frau hinterfragt. Eine der häufigsten Theorien ist, dass es sich bei der betreffenden Frau um Maria Vermeer handelt, die älteste Tochter des Malers. Es gibt jedoch immer noch einige Wissenschaftler, die daran zweifeln, und obwohl dieses Ölgemälde oft als eines der bedeutendsten Porträts gilt, ist es technisch gesehen überhaupt kein Porträt.

Mädchen mit dem Perlenohrring ist eigentlich eine Tronie - eine Studie über eine nicht identifizierte Person. Tronies waren besonders während des niederländischen "Goldenen Zeitalters" beliebt, als Künstler wie Vermeer und Rembrandt begannen, unbenannte Motive für ihre "Porträts" zu verwenden. Oft sind diese Figuren in üppiger Kleidung gekleidet und vor einer schlichten Kulisse platziert, um ihren anonymen Charakter zu unterstreichen.

James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Grau und Schwarz No. 1, 1871

Arrangement in Grau und Schwarz No. 1

James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Grau und Schwarz No. 1, 1871

Der amerikanische Künstler James Abbott McNeill Whistler malte 1871 "Arrangement in Grau und Schwarz No. 1", ein Porträt seiner Mutter Anna McNeill Whistler.

Anna McNeill Whistler, geboren in North Carolina, zog in den 1830er Jahren mit ihrem Mann George Washington Whistler nach Russland. Nach seinem Tod einige Jahre später zog sie nach England, wo sie bei ihrem Sohn James lebte. In ihrem Londoner Haus malte er dieses berühmte Porträt, das die 67-jährige Frau zeigt, die vor einer grauen Wand sitzt.

Obwohl dieses Stück oft einfach als Whistler's Mother bezeichnet wird, nannte der Künstler es "Arrangement in Grau und Schwarz No. 1" als ein Zeichen seines lyrischen Ansatzes zur Malerei. "So wie Musik die Poesie des Klangs ist, so ist auch die Malerei die Poesie des Sehens, und der Gegenstand hat nichts mit der Harmonie des Klangs oder der Farbe zu tun", sagte er 1878.

Vincent van Gogh, Selbstporträt mit Strohhut, 1887

Vincent van Gogh, Selbstporträt mit Strohhut, 1887

Vincent van Gogh, Selbstporträt mit Strohhut, 1887

Ein wichtiges Element von Vincent van Goghs Oeuvre waren seine Porträts, die er in erster Linie von sich selbst anfertigte. Eines der bekanntesten Porträts der gesamten Kunstgeschichte ist sein Selbstbildnis mit Strohhut, das er in fünf verschiedenen Versionen malte.

Die obige Version, die sich heute im Metropolitan Museum befindet, schuf er während seines Aufenthalts in Paris von 1886 - 1888. In dieser Zeit alleine malte er mehr als 20 Selbstporträts.

Er malte sich selbst mit einem gelben Strohhut und einem blauen Arbeitskittel, wie sie normalerweise die Landarbeiter trugen. Die Kleidung sollte zu van Goghs Selbstverständnis als Künstler der Arbeiterschaft passen und das von ihm angestrebte Erscheinungsbild zum Ausdruck bringen.

Pablo Picasso, Porträt von Gertrude Stein, 1905

Pablo Picasso, Gertrude Stein, 1905

Pablo Picasso, Gertrude Stein, 1905 | Foto: Rob Corder / Flickr

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts stand die renommierte Schriftstellerin und Kunstsammlerin Gertrude Stein an der Spitze der Pariser Avantgarde. Nachdem sie 1903 aus Oakland, Kalifornien in die französische Hauptstadt gezogen war, arbeitete sie eng mit bedeutenden Persönlichkeiten der Moderne zusammen, von bahnbrechenden Schriftstellern wie F. Scott Fitzgerald und Ernest Hemingway bis hin zu Malern wie Henri Matisse und Pablo Picasso.

Steins Unterstützung war Picasso besonders wichtig, der ihre Schirmherrschaft als Katalysator für seinen frühen Erfolg anerkennt. 1905 malte er ein Steinporträt in einem für seine Rosenzeit typischen Stil, einer Phase, die durch eine warme Farbpalette und Hinweise auf Einflüsse wie afrikanische Masken und iberische Skulpturen gekennzeichnet ist.

Das Porträt von Gertrude Stein veranschaulicht nicht nur die wichtigsten Merkmale dieser wichtigen Periode, sondern erfasst auch das selbstbewusste Auftreten und die Zufriedenheit des selbst geschaffenen Status von Stein.

Bekannte Porträts: Henri Matisse, Frau mit Hut, 1905

Frau mit Hut (Henri Matisse)

Henri Matisse, Frau mit Hut, 1905

1905 malte der Künstler Henri Matisse "Femme au chapeau", ein mehrfarbiges Porträt seiner Frau Amélie. Dieses Gemälde zeigt nicht nur Matisses expressiven Umgang mit der Malerei und der Gestaltung des Fauvismus, sondern verweist auch spielerisch auf Amélies Beruf: den Besitz eines Hutgeschäfts.

Während Amélie viele Jahre als Managerin ihres Mannes arbeitete, trieb sie seine Besessenheit von seinem Handwerk schließlich auseinander. "Ich liebe dich sehr, Mademoiselle", sagte Matisse zu seiner Frau, "aber ich werde die Malerei immer mehr lieben."

Obwohl sie sich 1939 nach über 40 Jahren Ehe getrennt haben, wurden sowohl ihre romantischen als auch ihre Arbeitsbeziehungen in mehreren Gemälden mit Madame Matisse verewigt.

Porträt von Adele Bloch-Bauer I, 1907

Gustav Klimt, Adele Bloch-Bauer I, 1907

Gustav Klimt, Adele Bloch-Bauer I, 1907

Während seiner "Goldenen Phase" begann Gustav Klimt, seine Leinwände mit Blattgold zu verzieren. Diese monumentale Entscheidung gipfelte in zwei seiner wertvollsten Gemälde: Der Kuss und das "Porträt von Adele Bloch-Bauer I".

Porträt von Adele Bloch-Bauer I zeigt Adele Bloch-Bauer, eine wohlhabende Wienerin jüdischer Herkunft. Bloch-Bauer, die als Freund des Künstlers galt, war eine Förderin der Kunst. Sie und ihr Mann Ferdinand Bloch-Bauer hatten eine Sammlung von über 400 Kunstwerken zusammengetragen, darunter das Porträt von Adele Bloch-Bauer - ein Gemälde, das Ferdinand als Jubiläumsgeschenk für seine Schwiegereltern in Auftrag gab.

Neben der feinen Darstellung von Frau Bloch-Bauer ist das Gemälde auch für seine umstrittene Geschichte bekannt. Während sie in ihrem Testament erklärte, dass das Gemälde in die Österreichische Staatsgalerie in Wien gehen sollte, betrachtete ihr Schwager dies als "Bitte" und beschloss, es in der Familie zu behalten. Sie wurde oft an Museen und Galerien für Ausstellungen verliehen, wurde aber 1941 von den Nazis gestohlen.

Nach dem Krieg wurde das berühmte Porträt in der Österreichischen Galerie Belvedere in Wien untergebracht, wo es bis zu seiner Rückkehr an die Familie Bloch-Bauer im Jahr 2006 blieb. Monate später verkauften sie es für viele Millionen an Oprah Winfrey.

Berühmte Porträtgemälde: Grant Wood, American Gothic, 1930

Grant Wood, American Gothic, 1930

Grant Wood, American Gothic, 1930

Der Künstler Grant Wood malte 1930 das "American Gothic", eines der berühmtesten modernen amerikanischen Gemälde.

Während viele Menschen davon ausgehen, dass der düster aussehende Mann und die düster aussehende Frau auf einem echten Bauern und seiner Frau basieren, ist das ikonische Gemälde eigentlich ein Porträt eines ungewöhnlichen Duos. Die Frau ist die jüngere Schwester des Künstlers Nan Wood Graham und der Mann war sein Zahnarzt Dr. Byron McKeeby.

Wood ließ sich zu diesem Gemälde inspirieren, als er das Dibble House sah, ein malerisches, neugotisches Haus in Eldon, Iowa.

Während Wood beabsichtigte, dass das Paar einen Vater und seine Tochter darstellen sollte, war er offen für die Interpretationen der Zuschauer.

Selbstbildnis mit Dornenhalsband Frida Kahlo, 1940

Selbstbildnis mit Dornenhalsband Frida Kahlo

Selbstbildnis mit Dornenhalsband Frida Kahlo, 1940 | Foto: libby rosof / flickr.com / CC-BY-2.0

Auch die mexikanische Frida Kahlo gilt als eine der wichtigsten Porträtkünstlerinnen aller Zeiten und hat im Laufe ihrer Karriere viele ikonische Selbstporträts gemalt.

Das Selbstbildnis mit Dornenhalsband malte sie nach ihrer Scheidung von Diego Rivera und nachdem ihre Beziehung mit dem Fotografen Nickolas Muray beendet war.

Kahlos Identifikation mit der indigenen Kultur Mexikos beeinflusste ihre Malweise. Ihre Bildern sind häufig von diesen Symbolen durchdrungen. Durch die Verwendung der kraftvollen Ikonografie der indigenen mexikanischen Kultur stellt sich Kahlo hinter die andauernde Rebellion gegen die Kolonialmächte und die männlich geleitete Regierung.

Der tote Kolibri, der wie ein Anhänger an ihrem Hals hängt, gilt in der mexikanischen Volkskunde als Glücksbringer für Verliebte. Die Katze hingegen ist ein Symbol für Unglück und Tod, während der Affe ein Symbol für das Böse ist. Rivera schenkte Kahlo einen Klammeraffen, was darauf hindeutet, dass es sich um ein Symbol für Rivera handeln könnte, zumal er Kahlo Schmerzen zufügt, indem er so stark an der Dornenkette zerrt, dass sie blutet.

Wie bei allen Gemälden von Frida Kahlo lohnt sich ein tieferer Blick in die Bedeutung ihrer Werke und die Aussage, die sie mit ihnen treffen wollte.

Lenny
Der AutorLenny
Als Gründer von Daskreativeuniversum teile ich mein Fachwissen im Bereich der Kunstgeschichte und meine Erfahrungen in der zeitgenössischen Kunst mit dir.