Bildhauerei der Renaissance – Merkmale, bekannte Künstler und Materialien

Einer der wichtigsten Aspekte ist jedoch die Wiederentdeckung antiker Schriften, die auf den italienischen Gelehrten Francesco Petrarca zurückgeführt werden können.

Petrarca entdeckte Briefe des römischen Gelehrten Cicero, in denen er antike Philosophien fand, die auf Logik und Vernunft basierten. Dies veranlasste auch andere Gelehrte in Italien und ganz Europa dazu, nach weiteren antiken Texten zu suchen.

In diesem Zusammenhang wurde Petrarca als Begründer des die Renaissance prägenden Humanismus bekannt, dessen Auffassung zufolge der Mensch sein Schicksal selbst bestimmt und er nicht von einer göttlichen Instanz geleitet wird.

In der Renaissance verschmolzen Kunst und Wissenschaft miteinander, wobei niemand diese Zusammenkunft so umfassend verkörperte wie Leonardo da Vinci.

Durch die Geometrie und Optik waren die Künstler beispielsweise in der Lage, perspektivische Phänomene wie die Linearperspektive oder die Luftperspektive abzubilden. Durch die Auseinandersetzungen mit der möglichst detailgetreuen malerischen Wiedergabe der Natur strebten auch die Bildhauer in der Skulptur eine ähnliche Naturnähe an. Diese Gestaltungsweise in Malerei und Bildhauerei wird heute auch als Naturalismus bezeichnet.

Die Bildhauerei in der Renaissance in drei Phasen

Die Kunst der Renaissance wird oft in drei Phasen unterteilt: Frührenaissance, Hochrenaissance und Spätrenaissance.

Obwohl sie grundlegend die Rückbesinnung auf antike Ideale und den Mensch als zentrales Thema gemein haben, gibt es einige Unterscheidungsmerkmale in den Gestaltungsweisen der drei Phasen.

Nachfolgend werden die gestalterischen Eigenheiten der Bildhauerei in den verschiedenen Phasen der Renaissance erörtert.

Frührenaissance

Zu Beginn der Renaissance war der Stadtstaat Florenz das Zentrum der italienischen Kunst. Das lag vor allem an der zunehmenden Kunstförderung durch die katholische Kirche und der ihr verbundenen Medici-Familie.

Große Summen wurden aufgewendet, um private Gemächer ebenso wie öffentlichen Plätze mit den Kunstwerken der talentiertesten Künstlern der damaligen Zeit zu schmücken.

Während die Innenräume vor allem mit Gemälden verziert wurden, boten sich witterungsbeständige, großformatige Skulpturen für die öffentlichen Plätze an.

Hochrenaissance

In der Hochphase der künstlerischen Renaissance verbreitete sich die Bildhauerei der Renaissance auch in anderen großen Städten Italiens, vor allem in Rom bzw. dem Vatikan.

Meisterhafte Künstler wie Michelangelo wurden von der katholischen Kirche beauftragt, Skulpturen für den Petersdom und andere der Kirche heilige Orte zu schaffen.

In der Hochrenaissance verschob sich der Fokus von den ästhetischen Skulpturen nach antikem Vorbild stärker in Richtung christlicher Motive.

Spätrenaissance

Die Spätrenaissance unterscheidet sich deutlich von den beiden vorherigen Phasen. Die Bildhauerei in der Spätrenaissance ist durch Spannung, Emotionen und Übertreibung gekennzeichnet. 

Man ging davon aus, dass die Bildhauer der Spätrenaissance die Werke ihrer Vorgänger hinsichtlich ihrer Schönheit und ihrer handwerklichen Qualitäten für unübertreffbar hielten und sich daher entschieden, die Dramatik im Ausdruck ihrer Skulpturen stärker zu betonen.

Aus diesem Grund wird der in der Spätrenaissance praktizierte Manierismus oft als Ausgangspunkt für die Barockzeit angesehen.

Bildhauerei in der Renaissance: Bedeutende Werke

Nachfolgend findest du fünf der bedeutendsten bildhauerischen Kunstwerke der Renaissance. Darunter sind Beispiele aus der frühen Phase bis hin zu Werken der Spätrenaissance.

Lorenzo Ghiberti, Paradiespforte, 1424 - 1451

Ghiberti wird als einer der ersten Bildhauer der Renaissance geschätzt. Im Jahr 1401 schrieb die katholische Kirche einen Wettbewerb zur Gestaltung der Ostpforte für das Baptisterium in Florenz aus. 

Ghiberti gewann die Ausschreibung zur Gestaltung des Portals. Nach 25 Jahren an der Ostseite wurde das Portal jedoch umdisponiert und an der Nordseite angebracht. Gleichzeitig wurde Ghiberti mit der Gestaltung einer neuen Ostpforte beauftragt, die heute unter der Bezeichnung Paradiespforte besser bekannt ist.

Die zehn vergoldeten Bronzetafeln zeigen jeweils ein biblisches Motiv aus dem alten Testament.

Michelangelo selbst hat dieser Arbeit seinen späteren Namen verliehen. Als er die Pforte sah, kommentierte er, sie sähen aus wie "Die Tore des Paradieses".

Donatello, David, ca. 1430 - 1440

Donatellos David ist eine der bedeutendsten Skulpturen der Renaissance. Sie wurde zwischen 1430 und 1440 geschaffen und von der Familie Medici für ihren Innenhof in Auftrag gegeben. Später wurde er jedoch in den Palazzo Vecchio überführt, als die Medici aus Florenz vertrieben wurden.

Donatello wurde zunächst als Goldschmied ausgebildet und arbeitete später in Ghibertis Werkstatt in Florenz. Hier lernte er, Metalle mit großer Präzision zu bearbeiten. In späteren Jahren zog Donatello nach Rom, um dort die römische Kunst und Architektur zu studieren.

Es sind vor allem zwei Merkmale, die Donatellos David zu einer der bekanntesten Skulpturen der Renaissance machten.

Er war einer der ersten freistehenden Akte, die seit der Antike geschaffen wurden. In dieser Zeit wurden Skulpturen und auch Akte fast immer in die Architektur des Ortes integriert, für den sie entworfen wurden.

Ein weiterer Grund sind die naturalistischen Techniken, die Donatello bei der Gestaltung der Skulptur anwandte. Sie war nicht nur sehr proportioniert, sondern auch eine der genauesten italienischen Renaissance-Skulpturen der biblischen Figur David. In der Bibel ist David noch ein kleiner Junge, als er den Riesen Goliath besiegt. Damit will er zeigen, dass auch die Schwachen die Starken besiegen können, wenn Gott auf ihrer Seite ist. Donatello zeigt dies durch seine fast weibliche Darstellung von David.

Pietà, Michelangelo, ca. 1498

Die Pietà von Michelangelo wurde von Jean de Bilhères, einem französischen Kardinal in Rom, in Auftrag gegeben, um dessen Grabmal zu schmücken. Michelangelo vollendete die Pietà um 1498, als er gerade einmal Anfang zwanzig war. Während die Skulptur über 200 Jahre lang die Grabstätte des Kardinals schmückte, wurde sie später in den Petersdom im Vatikan gebracht.

Die Pietà stellt die Jungfrau Maria dar, die den Leichnam Christi nach seiner Kreuzigung in ihrem Schoß hält. Michelangelo wurde für die Genauigkeit seiner menschlichen Formen und seine Liebe zum Detail gelobt, besonders wenn es um die Gestaltung von Stoffen geht.

Obwohl die Pietà weithin als ein Meisterwerk von Michelangelo gilt, wurde sie dennoch kritisiert. Das betrifft vor allem die Jungfrau Maria, die viel zu jung erscheint, um einen Sohn mittleren Alters zu haben. Michelangelo erklärte, dass er sie absichtlich so jung aussehen ließ, um ihre Reinheit und Heiligkeit zum Ausdruck zu bringen.

Michelangelo, Skulptur des David, ca. 1501-1504

Perseus mit der Medusa wurde zwischen 1545 von einem der bedeutendsten Bildhauer der Renaissance geschaffen: Benvenuto Cellini. Cellini wurde ursprünglich als Goldschmied ausgebildet und der bronzene Perseus, der das Haupt der Medusa emporhebt, ist ein Ausdruck seiner unglaublichen Kunstfertigkeit in der Metallbearbeitung.

Wie viele der bekannten Skulpturen der Renaissance wurde auch Perseus mit der Medusa von der Familie Medici in Auftrag gegeben. Cellini entschied sich bei der Herstellung für eine Technik, die für die damalige Zeit untypisch war. Er formte einen einzigartigen Abguss, mit dem er die Bronze goss.

Perseus mit der Medusa stellt eine der bekanntesten Erzählungen der griechischen Mythologie dar. In dem Mythos gelingt es Perseus, dem Blick der Medusa zu entgehen und sie zu enthaupten, indem er ihr Spiegelbild in seinem Schild reflektierte, um nicht in Stein verwandelt zu werden.

Cellini machte den Sockel zu einem Teil des erzählerischen Inhalts der Skulptur, was zu dieser Zeit einzigartig war.

Techniken der Renaissance-Bildhauerei

Fortschritte in der Perspektive und in der Darstellung der menschlichen Anatomie führten zu einem Trend des zunehmenden Naturalismus in der Bildhauerei der Renaissance.

Menschen- und Tierskulpturen wurden fortan mit verblüffender Ähnlichkeit zur realen Vorlage dargestellt. Donatello leistete mit seinen realistischen Skulpturen des heiligen Markus und des heiligen Georg im Jahr 1415 Pionierarbeit.

Andere Bildhauer, die für ihre naturalistischen Darstellungen bekannt sind, waren Piero di Giovanni Tedesco, Nanni di Banco und Lorenzo Ghiberti, der mit der Perspektive seinen frühen Reliefskulpturen eine gewisse Übereinstimmung mit der Realität verschaffte.

Während Künstler der Nördlichen Renaissance Skulpturen vorwiegend aus Holz schnitzten, war dies in Italien wegen des geringen Bestandes an schnitzbaren Hölzern weniger verbreitet.

Immer häufiger wandten sich italienische Künstler dem Marmor zu, was ihnen ein Maß an Feinheit und Ausdrucksstärke ermöglichte, das mit anderen Materialien nicht möglich war.

Gelegentlich wurde Terrakotta anstelle von Marmor verwendet, weil es bezahlbarer war.