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Bruce Nauman – Biografie, bedeutende Werke und künstlerischer Einfluss

Bruce Nauman, Model for room with my soul | Foto: von_boot : FlickrBruce Nauman, Model for room with my soul | Foto: von_boot / Flickr
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Bruce Naumans kreativer Geist hat jedes erdenkliche Medium durchdrungen. Weithin bekannt für seine Lichtinstallationen, besitzt der Künstler keinen einheitlichen Stil, sondern passt sich seinen Materialien an. Von seiner teils verstörenden Bildhauerei über die Fotografie, Videokunst und Zeichnung entzieht sich Bruce Nauman auch heute noch so vehement einseitiger Beschreibungen wie zum Beginn seiner künstlerischen Laufbahn vor rund sechzig Jahren. 


Kernideen von und zu Bruce Nauman

  • Einige von Naumans frühesten Arbeiten wurden von Ideen geprägt, die im Zuge des Minimalismus in den späten 1960er Jahren entstanden sind. Insbesondere die Art und Weise, wie er den Körper behandelte - oft seinen eigenen, der auf Video beim Ausführen sich wiederholender Handlungen gezeigt wird - und wie er ihn mit den ihn umgebenden Objekten in Beziehung setzte, veranschaulichen die Auswirkungen der neuen Ideen des Minimalismus über die Beziehung zwischen dem Betrachter und dem Objekt.
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    Ludwig Wittgensteins Das Verhältnis von Sprache und Wirklichkeit war ein wichtiger Einfluss auf Naumans Arbeit und prägten das Interesse an der Art und Weise, wie Worte bei der Beschreibung von Gegenständen passend sind oder misslingen. Die Sichtweise des Philosophen hat zweifellos auch den Klang einiger von Naumans Arbeiten beeinflusst, die manchmal komische, absurde Züge aufweisen, indem sie Witze und Wortspiele verwenden, aber auch obsessives Verhalten und Frustration thematisieren.
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    Vieles in Naumans Werk spiegelt das Verschwinden des alten modernistischen Glaubens an die Fähigkeit des Künstlers wider, seine Ideen klar und kraftvoll auszudrücken. Kunst ist für ihn ein zufälliges System von Codes und Zeichen, genau wie jede andere Form der Kommunikation. Abgesehen davon, dass es seinen Gebrauch von Worten beeinflusst, hat es ihn auch dazu ermutigt, Readymades zu verwenden - Objekte, die im Gegensatz zu Gemälden oder traditionellen Skulpturen bereits Bedeutungen und Assoziationen aus ihrem Alltagsgebrauch in der Welt tragen.

Bruce Nauman Biografie

Naumans turbulente Kindheit begann in den 1940er Jahren in Fort Wayne im US-Bundesstaat Indiana. Sein Vater war Ingenieur und so zog der junge Nauman von einer Kleinstadt in die nächste, ohne jemals wirklich Anschluss zu finden.

Zunächst zeigte er nur wenig Interesse an bildender Kunst und beschäftigte sich stattdessen lieber mit Musikinstrumenten - ein frühes Zeichen seiner Vielseitigkeit.

In den 1960er Jahren studierte er Mathematik und Physik mit dem Nebenfach Malerei an der University of Wisconsin, wo er 1964 seinen Abschluss erlangte.

Zwei Jahre später folgte der Master of Fine Arts an der UC Davis. Hier gehörten Avantgarde-Pioniere wie Manuel Neri, William T. Wiley und Robert Arneson zu seinen Dozenten. Sie loteten durch einen lockeren und breit gefächerten Lehrplan die Grenzen des Möglichen aus.

Nauman beschloss auch während des Studiums die Malerei ganz auf Eis zu legen, da ihm das umfangreiche Material einfach im Weg stand. Sein letztes Gemälde von 1965 hat schließlich nur wenig Ähnlichkeit mit dem lebendigen Werk, für das der Künstler heute bekannt ist. 

Die zweite Hälfte der 1960er Jahre war für Bruce Nauman eine experimentelle Zeit. Er konzipierte 1965 seine ersten Glasfaserskulpturen und wählte einen unkonventionellen Ansatz für den Guss und die Formgebung.

Unter Verwendung von Polyesterharz schuf Nauman die Serie Untitled, in der er die Möglichkeiten seines neuen Mediums erprobte: einfarbige Modelle, die zweimal in Glasfaser gegossen wurden. Da sie auf einem handgefertigten Tonprototyp basierte, ging er jedoch auch ein großes Risiko im Umgang mit dessen Zerbrechlichkeit ein.

Sein Wagnis machte sich jedoch irgendwann bezahlt. Nauman arbeitete zu Beginn seiner Karriere in den 1960er Jahren unermüdlich daran, sich auf eine Idee zu konzentrieren, die seine zeitgenössischen Konzeptkünstler zu fordern begannen: Kreativtechniken lösten das Endergebnis als Quelle der Bedeutung ab. "Ich war ein Künstler und ich war im Atelier, dann muss das, was ich im Atelier machte, Kunst sein", bemerkte Bruce Nauman einmal über seine Anfangszeit.

Wie die Prozesskunst Nauman inspirierte

Nauman gehört einem künstlerischen Genre an, das sich stark auf die Methodik konzentriert. Diese "Prozesskunst" bevorzugt die Technik vor dem Resultat und betrachtet die händische Arbeit als Kreativität an sich.  

Viele schreiben ihre Entstehung dem Moment zu, in dem Jackson Pollock Farbe auf eine leere Leinwand tropfte, obwohl die Prozesskunst noch weiter zurückreicht und ihre Wurzeln eher im Dadaismus hat.

 

Merke: Anstatt sich auf das Endergebnis zu fixieren, erfreuen sich Prozesskünstler an der Körperlichkeit ihrer Medien und genießen eine Prozedur von Anfang bis Ende. 

Die Vervielfältigung war in Naumans Mixed-Media-Arbeiten in den späten 1960er und 1970er Jahren von besonderer Bedeutung. In Anlehnung an den berühmten Satz von Marshall McLuhan, war sein Medium tatsächlich seine Botschaft. Nauman formulierte Tausende von nuancierten Geschichten durch Licht-, Video- und Klanginstallationen und hinterfragte gleichzeitig seine künstlerische Rolle, während er sie erfüllte. 

Naumans erste Ausstellung in New York  

Die Leo Castelli Gallery veranstaltete Naumans erste New Yorker Ausstellung im Jahr 1968. Der Künstler füllte den winzigen Raum mit seinen neu entwickelten Experimenten und zeigte Licht- und Videoinstallationen, um sein künstlerisches Geschick zu demonstrieren, wie seine heute berühmten Neon Templates of the Left Half of My Body Taken at Ten Inch Intervals von 1966. 

Doch so sehr Castelli auch an ihn glaubte, die Presse begegnete seinem Werk mit gemischten Stimmen. Europäische Kuratoren zeigten von Anfang an eine starke Verbundenheit mit Nauman. Die amerikanische Presse, insbesondere die New Yorker, war nicht annähernd so wohlwollend. Der Historiker Robert Pincus-Witten bezeichnete Naumans Werke der Ausstellung als "infantilen Narzissmus".

Wahrscheinlich löste seine Stellung als Künstler aus San Francisco eine gewisse Gegenwehr aus. Oder vielleicht war New York City einfach noch nicht bereit für seine Zukunftsvision. Dennoch sollte Nauman während seines nächsten Jahrzehnts in Kalifornien den Widersachern das Gegenteil beweisen.

Warum Bruce Nauman den Minimalismus mied 

Als Bruce Nauman in den 1960er Jahren bekannt wurde, hatte der Minimalismus einen hohen Stellenwert. Aus diesem Grund versuchte der Bildhauer, der vorherrschenden kreativen Rangordnung, zu der so bedeutende Persönlichkeiten wie Barnett Newman und Donald Judd gehörten, bewusst entgegenzuwirken. Bis dahin war der Archetypus des Künstlers zu einer nüchternen Karikatur perfektionistischer Tendenzen geworde. Ein Phänomen, das Nauman als zunehmend selbstverherrlichend beschrieb. 

Im Vergleich zu den starren, abstrakten und flachen Techniken war Naumans Arbeit erkennbar unbeschwert, ein unvollkommener Spiegel, der seine authentische Reise als Künstler abbildete. Ausgestattet mit seinem dynamischen Multimedia-Arsenal erschütterte der Provokateur die Moderne in ihren Grundfesten, indem er sich verpflichtete, seinem eigenen Verhaltenskodex zu folgen. 

In den frühen 1970er Jahren stieg Naumans Karriere in ungeahnte Höhen. Er zog nach Pasadena und etablierte ein soziales Netzwerk, zu dem auch Musiker und Tänzer gehörten, von denen Nauman lernte, seinen kreativen Prozess noch zu verfeinern.

Seine neonblaue und rote Lichtskulptur The True Artist Helps the World by Revealing Mystic Truths (Window or Wall Sign) (1967) ist das beste Beispiel für diese Periode, deren Titel in eine schwindelerregende Spirale gekritzelt ist.

Bruce Nauman, The true artist

Foto: Giulia van Pelt / Flickr

Aus der Ferne erschien die rote Neonverkleidung als eine Nummer sechs, wobei sich Naumans Inschrift erst bei näherer Betrachtung erschließt. In internationalen Foren wie der Kunsthalle Bern und dem Stedelijk Museum hervorgehoben, kulminierte Naumans institutionelle Bekanntheit 1972, als ihm seine erste offizielle Museumsretrospektive angeboten wurde. 

Erste Bruce-Nauman-Retrospektive

Das Los Angeles Art Museum und das Whitney Museum kuratierten gemeinsam Naumans umfassende Retrospektive. Marcia Tucker und Jane Livingston organisierten die Retrospektive, die quer durch das Land von New York nach Los Angeles zog und auch das Ziel hatte, in Europa zu landen. Die Ausstellung zeigte neue Arbeiten, die Nauman in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren vollendete, darunter seine erste groß angelegte Außeninstallation.

Sein Werk La Brea/Art Tips/Rat Spit/Tar Pits (1972) war so konzipiert, dass es das LACMA umkreisen sollte. Es entstand neben den prähistorischen La Brea Tar Pits, die in Neonrot und -grün beleuchtet wurden. Mit kühnen Farbkontrasten setzte er sprachliche Rätsel in Szene, um alltägliche Redewendungen und Konnotationen durcheinander zu bringen. Trotz seiner innovativen Leistungen verteufelte ein Teil der Presse Naumans Retrospektive als fade.

Naumans letzte Jahre in Kalifornien

Bruce Nauman ist eine äußerst private Person. Mitte der 1970er Jahre machte ihm die Prominenz einen Strich durch die Rechnung, und er schränkte seine künstlerische Produktion stark ein. Aus dieser Zurückgezogenheit ging jedoch eine unglaubliche Originalität hervor, darunter Naumans inzwischen berühmte textbasierte Medien.

Tatsächlich konzipierte er seine 1974 entstandene Leuchtreklame Silver Livres in einem Versuch, die Kontrolle über seine eigenen Methoden wiederzuerlangen, ein Gegenstück zu einer groß angelegten Ausstellung, die er in Paris zelebrierte. Sich überlappende Sätze roter und grüner Schläuche zeigten französische Anagramme für den Begriff Bücher, oder "livres". 

Um das Ende einer denkwürdigen Ära zu markieren, schuf er 1979 auch seine letzte skulpturale Arbeit Studio Piece in Pasadena. Das maßstabsgetreue Modell knüpfte an frühere Materialien an, mit denen Nauman seine geometrischen Neigungen erforschte. Damit verabschiedete er sich nostalgisch von seiner Heimat Kalifornien und machte sich auf den Weg zu einem Neubeginn in New Mexico. 

Bruce Naumans Umzug nach New Mexico 

In den 1980er Jahren etablierte Nauman einen neuartigen Ansatz für seine Kunst. Inmitten der üppigen Hügellandschaft von San Miguel County baute er ein neues Atelier in einem kleinen Dorf südlich von Santa Fe. Dort entwickelte er auch eine fortschrittliche Bildsprache und ersetzte seine vereinfachten Neonlichter durch ernstere Ausdrucksformen.

In Violins Violence Silence von 1981 stehen gelbe und rosafarbene Neonschläuche neben sechs Wörtern in einem locker geformten Dreieck, die der Musikalität eine gewisse Gelassenheit entgegensetzen.

Unbestreitbar sein berühmtestes Werk, erreichte Naumans bahnbrechende Dekade ihren Höhepunkt mit One Hundred Live and Die von 1984. Vier hoch aufragende Säulen, 100 unsinnige Phrasen und ein Gemisch aus fluoreszierenden Farben versinnbildlichten auf makellose Weise unser paradoxes Dasein als Menschen dieser Welt. Ein komplexer Algorithmus beleuchtete ausgewählte Wörter, während andere sich verdunkelten, um einen optischen Wohlklang der Sprache zu erzeugen. 

Bruce Nauman, One Hundred Live and Die, 1984

Bruce Nauman, One Hundred Live and Die, 1984

Während sich die öffentliche Wahrnehmung der Avantgarde wandelte, wuchs auch Naumans Ansehen. In den 1980er Jahren feierte er mehrere gelungene Einzelausstellungen auf dem gesamten Globus.

Bis 1987 hatte er sein wachsendes Interesse an der Einbeziehung des Betrachters mit Werken wie Clown Torture gefestigt, einer Projektion grotesker Videos, die sich um seine charakteristischen Motive drehten. Überwachung, Stress und Wortspiele schufen eine endlose Kombination, die das Publikum verwirrte und auf Naumans grundlegende Leidenschaft anspielte: die Wiederholbarkeit. Nach einer Pause von fast zwanzig Jahren kehrte er mit seiner Arbeit Untitled (Two Wolves, Two Deers) von 1988. 

Auch privat blühte Nauman auf dem Höhepunkt seines multimedialen Schaffens auf. 1989 heiratete er seine Künstlerkollegin Susan Rothenberg. Kurz darauf zog das Paar auf eine Farm im nahegelegenen Galisteo, wo sie auch heute noch wohnen. 

Neuere Arbeiten von Nauman

In den 1990er und 2000er Jahren wurde die Videokunst zu Naumans bevorzugtem Medium. Indem er seine eigene kommunikative Kraft erforschte, testete er systematisch die Beziehung zwischen Körper und umliegendem Raum. In seiner Arbeit Feed Me/Anthro-Socio von 1993 beispielsweise schreit ein sich drehender Schauspieler "feed me, help me, eat me, hurt me", ohne dass sich der Betrachter darauf einlassen kann.

Anders als bei seinen Zeitgenossen prägten Naumans ausgewählte Sujets seine Videoinstallationen situationsbedingt, nicht umgekehrt. Im Jahr 1999 wurde er auf der 48. Biennale von Venedig mit einem Goldenen Löwen ausgezeichnet, dem höchsten Preis für Filmeinreichungen.

Die American Academy Of Arts and Letters nahm ihn im Jahr 2000 als Mitglied auf, 2004 erhielt er ein Praemium Imperiale. Bruce Nauman hatte verkörpert, was es bedeutet, ein globales Aushängeschild der Kunst zu sein. 

Heute lebt er ein bescheidenes Leben auf seiner Farm in New Mexico. Nur wenige würden vermuten, dass sein unscheinbarer Hof ein Atelier in einem winzigen Schuppen beherbergt, der an grüne Weiden zum Grasen der Pferde angrenzt.

Obwohl seine Kunst immer noch eine wichtige Rolle spielt, hat Nauman in andere Bereiche expandiert und verkauft sogar gelegentlich Wildtiere. Selbst angesichts der Unausweichlichkeit des Alterns hat sich Naumans Fokus auf Körperlichkeit über die Jahre hinweg nicht wesentlich verändert. Vielmehr hat sein Griff nach der biologischen Uhr einer intimeren Auseinandersetzung mit seiner Psyche Platz gemacht. Seine Zukunft wird vielleicht noch größere Einsichten bringen. 


Der kulturelle Einfluss von Bruce Nauman

Egal wie aggressiv, provokativ oder schlichtweg schrecklich, der Künstler erweitert weiterhin sowohl seine intellektuellen als auch physischen Grenzen, um ein internationales Publikum zu verwirren, zu betören und zu beunruhigen.

Mit seinen einundachtzig Jahren hat er zerschmetternde Kritik, überwältigendes Lob und sogar eine fast tödlich verlaufende Darmkrebserkrankung überstanden, aber nichts von alledem hat seine stetige Beharrlichkeit beeinträchtig.

Seine Anti-Kunst, die tiefes geistiges Unbehagen auslöst, hat das öffentliche Bewusstsein im Guten wie im Schlechten gelockert und lässt uns stellvertretend an seinem kreativen Streben nach Freiheit teilhaben.  


Bedeutende Werke von Nauman

The True Artist Helps the World by Revealing Mystic Truths, 1967

Dieses bahnbrechende Werk, das in dem von Nauman in einem verlassenen Lebensmittelgeschäft in San Francisco eingerichteten Atelier entstand und den Leuchtreklamen in der Nähe nachempfunden wurde, ist eine Werbung der anderen Art.

Sein bunter, kreisförmiger Text verkündet die Worte des Titels:  "The True Artist Helps the World by Revealing Mystic Truths" (deutsch: "Der wahre Künstler hilft der Welt, indem er mystische Wahrheiten offenbart").

Es ist charakteristisch für Naumans frühe Arbeiten mit Neon-Schriftzügen und ist typisch für den Ton der trockenen Satire in vielen seiner Arbeiten.

Indem er von hoher Kunst in den Materialien der niederen Kultur und der Werbung spricht, setzt er einen Konflikt in Gang, der uns dazu veranlasst, alte Vorstellungen über den Zweck von Kunst und Künstlern zu hinterfragen.

One Hundred Live and Die, 1984

Bestehend aus vier Säulen mit 100 Wörtern, die Leben und Tod mit verschiedenen Handlungen, Emotionen und Farben in Verbindung bringen, verkörpert dieses gleichzeitig poetische und vulgäre Feuerwerk aus Lichtern und Farbtönen unsere kollektive Erfahrung des Menschseins.

Nach einem komplexen Algorithmus blinkt eine Phrase nach der anderen einzeln auf und ab, gefolgt von jeder beleuchteten Säule. Es gipfelt in der Erhellung des gesamten Werks. So entsteht eine Art Symphonie, die Naumans Liebe zu Wortspielen in Kombination mit sozialen Kommentaren sowie sein Interesse an Farbbeziehungen charakterisiert.