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De Stijl
Kunst

De Stijl-Bewegung in den Niederlanden – Infos und Künstler

Kernideen, prägende Künstler und bedeutendste Werk

Die in den Niederlanden angesiedelte De Stijl-Bewegung umfasste eine abstrakte, reduzierte Ästhetik, die sich auf grundlegende visuelle Elemente wie geometrische Formen und Grundfarben konzentrierte. Teilweise eine Reaktion auf die dekorativen Exzesse des Art Deco, wurde die reduzierte Qualität der De Stijl-Kunst von ihren Schöpfern als universelle Bildsprache der Moderne, einer Zeit einer neuen, spirituellen Weltordnung, begriffen.

Unter der Leitung der Maler Theo van Doesburg und Piet Mondrian wandten die De Stijl-Künstler ihren Kunststil auf eine Vielzahl von Medien in der bildenden und angewandten Kunst an. Die Mitglieder förderten ihre innovativen Ideen in ihrer gleichnamigen Zeitschrift und verfolgten nicht geringeres als die perfekte Verbindung aus Form und Funktion, wodurch De Stijl tatsächlich zum ultimativen Stil wurde. Zu diesem Zweck wandten sich die Künstler von De Stijl nicht nur den Medien der bildenden Kunst wie der Malerei und der Bildhauerei zu, sondern auch praktisch allen anderen Kunstformen, einschließlich Industriedesign, Typografie, sogar Literatur und Musik. Der Einfluss der De Stijls Bewegung war vielleicht am deutlichsten im Bereich der Architektur zu spüren, was zur Entstehung des Internationalen Stils der 1920er und 1930er Jahre führte.

Kernideen von De Stijl

  • Wie andere Avantgarde-Bewegungen dieser Zeit entstand De Stijl, was auf Niederländisch einfach “der Stil” bedeutet, vor allem als Reaktion auf die schrecklichen Ereignisse des Ersten Weltkriegs und den Wunsch, die Gesellschaft in der Nachkriegszeit zu verändern. Die Mitglieder von De Stijl betrachteten Kunst als ein Mittel zur sozialen und spirituellen Erlösung und nahmen eine utopische Vision von Kunst und ihrem transformativen Potenzial an.
  • Unter den Pionieren der abstrakten Kunst vertraten die Künstler von De Stijl eine Bildsprache, die aus präzise wiedergegebenen geometrischen Formen – meist Geraden, Quadraten und Rechtecken – und Grundfarben bestand. Mit der Suche der Künstler nach dem Universalen sollte diese strenge Sprache die Gesetze der Harmonie der Welt offenbaren.
  • Obwohl die Künstler von De Stijl Werke schufen, die die utopische Vision der Bewegung verkörpern, führte ihre Erkenntnis, dass diese Vision in der realen Welt unerreichbar war, im Wesentlichen zum Untergang der Gruppe. 
  • Der anhaltende Ruhm von De Stijl ist letztlich zu einem großen Teil das Ergebnis der dauerhaften Leistung seines bekanntesten Mitglieds und wahren modernen Meisters, Piet Mondrian.

Anfänge der Bewegung

De Stijl erste Ausgabe

1917 gründete Theo van Doesburg die Zeitschrift für zeitgenössische Kunst De Stijl, um gleichgesinnte Künstler für die Bildung eines neuen Künstlerkollektivs zu gewinnen, das einen weitreichenden Kunstbegriff umfaßte, der von utopischen Idealen der spirituellen Harmonie geprägt war. Die Zeitschrift bildete die Grundlage für die  spätere De Stijl-Bewegung.

Mit den visuellen Elementen des Kubismus und Suprematismus, dem Anti-Sentimentalismus des Dada und der neuplatonischen mathematischen Theorie von M. H. J. Schoenmaekers, einer mystischen Ideologie, die das Konzept der “idealen” geometrischen Formen artikulierte, strebten die Vertreter von De Stijl danach, weit mehr als nur bildende Künstler zu sein. Im Kern wurde De Stijl so konzipiert, dass es eine Vielzahl von künstlerischen Einflüssen und Medien umfasst, mit dem Ziel, eine neue Ästhetik zu entwickeln, die nicht nur in der bildenden und angewandten Kunst praktiziert wird, sondern auch in einer Vielzahl anderer Kunstformen zum Tragen kommt. Die Ästhetik und Vision von De Stijl wurde als umfassende Antwort auf die beispiellose Verwüstung des Ersten Weltkriegs formuliert, wobei die Mitglieder der Bewegung ein Mittel suchten, um ein Gefühl der Ordnung und Harmonie in der neuen Gesellschaft auszudrücken, die nach dem Krieg entstehen sollte.

Konzepte und Stile

Reine geometrische Abstraktion und De Stijl Bildsprache

De Stijl war die erste Zeitschrift, die sich der Abstraktion in der Kunst widmete, obwohl die Künstler der Bewegung nicht die ersten waren, die abstrakte Kunst praktizierten; andere Maler, vor allem Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich und Hans Arp, hatten zuvor ungegenständliche Kunst geschaffen, die oft geometrische Formen in ihr Werk aufnahm. Aber die mit De Stijl verbundenen Künstler und Architekten – Maler wie Mondrian, van Doesburg und Ilya Bolotowsky, Architekten wie Gerrit Rietveld und J. J. P. Oud – übernahmen das, was sie für eine reinere Form der Geometrie hielten, bestehend aus Formen, die aus geraden Linien und geometrischen Grundformen (die größtenteils in den drei Grundfarben wiedergegeben wurden) bestanden. Diese Motive lieferten die grundlegenden Elemente der Kompositionen, die Symmetrie vermieden und nach einem ausgewogenen Verhältnis zwischen Oberflächen und Farbverteilung strebten.

Bezüglich des Neo-Plastizismus in der Bildkunst erklärte Mondrian: “Als reine Repräsentation des menschlichen Geistes wird sich die Kunst in einer ästhetisch gereinigten, d.h. abstrakten Form ausdrücken. Die neue plastische Idee kann daher nicht in Form einer natürlichen oder konkreten Darstellung erfolgen.“

Neo-Plastizismus

Der Neo-Plastizismus bezieht sich auf den Malstil und die Ideen, die 1917 von Piet Mondrian entwickelt und von De Stijl gefördert wurden. Der Begriff bezeichnet die “neue plastische Kunst” oder einfach “neue Gestaltung” und verkörpert Mondrians Vision einer idealen, abstrakten Kunstform, die seiner Meinung nach der Moderne angemessen war. 

Mondrians Essay “Neo-Plasticism in Pictorial Art”, das die Prinzipien des Konzepts darlegt, wurde 1917-18 in zwölf Ausgaben der Zeitschrift veröffentlicht. Mondrian beschrieb den Neo-Plastizismus als einen reduzierenden Ansatz der Kunstproduktion, der traditionelle Elemente der Kunst ablöste und nur eine Reihe von Grundfarben und Geraden verwendete. Mondrian stellte sich vor, dass die Prinzipien des Neo-Plastizismus vom Medium der Malerei auf andere Kunstformen, einschließlich Architektur und Design, übertragen werden sollten, da sie die Grundlage für die von De Stijl-Künstlern angestrebte Transformation der menschlichen Umwelt bilden. Mondrian sagt, dass eine “reine plastische Vision eine neue Gesellschaft aufbauen sollte, so wie sie in der Kunst einen neuen Plastizismus aufgebaut hat”.

Das Konzept des Neo-Plastizismus wurde weitgehend von der Arbeit M. H. J. Schoenmaekers inspiriert, der vorschlug, dass die Realität aus einer Reihe gegensätzlicher Kräfte besteht – darunter die formale Polarität der horizontalen und vertikalen Achsen und die Nebeneinanderstellung von Grundfarben.

Der Neo-Plastizismus wurde später von der Bewegung Cercle et Carre und drei Ausgaben ihrer gleichnamigen Zeitschrift gefördert, die 1930 erschienen. Nach Mondrians Besuch in den USA im Jahr 1940 verbreitete sich der Stil in den USA, wo er von verschiedenen amerikanischen abstrakten Künstlern aufgegriffen wurde.

Elementarismus

Während im Neo-Plastizismus nur horizontale und vertikale Linien verwendet werden sollten, entwickelte van Doesburg 1925 den Elementarismus, der versuchte, den dogmatischen Charakter des Stils durch die Einführung der Diagonale zu modifizieren, einer Form, die für ihn Dynamik bedeutete. 1927 in De Stijl veröffentlicht, schrieb er: “Wenn alle unsere physischen Bewegungen bereits auf Horizontal und Vertikal basieren, ist es nur ein Schwerpunkt unserer physischen Natur, der natürlichen Struktur und Funktionen von Organismen, wenn das Kunstwerk diese natürliche Dualität in unserem Bewusstsein stärkt”.

Mondrian, der horizontale und vertikale Linien für ihre Konnotation von Stabilität hält, lehnte van Doesburgs neu gefundene Betonung der Diagonale stark ab – eine Meinungsverschiedenheit, die Mondrian dazu veranlasste, sich kurze Zeit später von De Stijl zu distanzieren. Für Mondrian bedeutete van Doesburgs Einführung der Diagonale eine künstlerische Ketzerei; aus Mondrians Sicht wies der Elementarist die Bemühungen von De Stijl zurück, alle Elemente des Gemäldes vollständig zu integrieren, indem er eine Spannung zwischen der Komposition und der Bildebene herstellte.

Spätere Entwicklungen

De Stijl-inspirierte Architektur, insbesondere von Rietveld und Oud, wurde in den 1920er Jahren in den Niederlanden gebaut, die interessanterweise alle van Doesburgs Theorie des Elementarismus zu trotzen schien, anstatt klar definierte horizontale und vertikale Linien zu verwenden. De Stijl hatte auch einen großen Einfluss auf die Architektur und das Design des Bauhaus. De Stijls geometrische Bildsprache und seine architektonischen Konzepte wie “Form follows function” und die Betonung von Strukturbauteilen würden in der Bauhaus-Architektur ebenso nachklingen wie die als Internationaler Stil bekannte globale Sprache.

Mit dem Tod von Theo van Doesburg 1931 verlor De Stijl seinen Anführer und bald darauf seine Existenz. Die Schlüsselideen der Bewegung, die reine geometrische Abstraktion und das Verhältnis von Form und Funktion, wurden jedoch von vielen Künstlern nach van Doesburgs Tod beibehalten und stellen einen grundlegenden Beitrag zur modernen und zeitgenössischen Kunst, Design und Architektur dar.

Jenseits der Architektur beeinflusste die reduzierte De Stijl-Ästhetik viele nachfolgende Künstler und Designer des 20. Jahrhunderts und sogar die Abstrakten Expressionisten Mark Rothko und Barnett Newman, die Hard-edge-Maler Frank Stella und Frederick Hammersley sowie die Minimalisten Donald Judd und Dan Flavin.

Bekannte Werke von De Stijl

Composition A (1920)

Künstler: Piet Mondrian

Composition A

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Die Composition A – deren Titel ihre gegenstandslose Art ankündigt – ist ein gutes Beispiel für Mondrians geometrische Abstraktion, bevor sie im Rahmen der De Stijl Ästhetik vollständig ausgereift ist. Mit seinen geradlinigen Formen aus festen, umrissenen Farbflächen spiegelt die Arbeit das Experimentieren des Künstlers mit der mathematischen Theorie Schönmaeks und seine Suche nach einer reduzierten, der Moderne angemessenen Bildsprache wider. Während Mondrian hier Schwarz- und Grautöne verwendet, werden seine Gemälde später weiter reduziert, letztendlich mit grundlegenderen Kompositionen und nur geschlossenen Flächen aus Grundfarbe.

Öl auf Leinwand – The National Gallery of Modern and Contemporary Art, Rom

Mechano Dancer (1922)

Künstler: Vilmos Huszar

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Dieses frühe Werk verwendet die charakteristischen geometrischen Formen der De Stijl-Ästhetik, doch seine Schichtung von Formen und die Kombination von horizontalen, vertikalen und diagonalen Linien, sowie das Fehlen von Farbe spiegeln einen anderen Ansatz wider als die der führenden Künstler der Bewegung, van Doesburg und Mondrian. 

Der suggerierte Eindruck einer menschlichen Figur ist auch in der De Stijl-Kunst einzigartig. Mechano-Dancer’s Anspielung auf eine hybride Mensch-Maschine, die auch durch ihren Titel impliziert wird, deutet auf den Einfluss von Dada und italienischem Futurismus hin.

Fotomontage – Privatsammlung, New York

Roter und blauer Stuhl (1923)

Künstler: Gerrit Rietveld

Rietveld Chair
Foto: Wikipedia / CC BY-SA 3.0

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Ursprünglich 1918 entworfen, aber nicht vollständig realisiert bis 1923, als er das charakteristische De Stijl-Schema der Grundfarben enthielt, ist Red and Blue Chair eines der bedeutendsten Werke der Bewegung. Rietveld stellte sich einen Stuhl vor, der mit dem Raum um ihn herum spielte und ihn verwandelte, bestehend aus geradlinigen Volumen, Ebenen und Linien, die auf einzigartige Weise interagieren, aber dennoch Kreuzungen vermeiden. Jede Farbe, Linie und Ebene ist klar definiert, als ob jede ihre eigene Komposition enthielte, die gerade zufällig für ein Möbelstück verwendet wurde. Auch der einfache Zusammenbau, den Rietveld verwendete, war durchaus beabsichtigt; er baute den Stuhl aus den damals verfügbaren Standardholzgrößen und spiegelte damit sein Ziel wider, ein Möbelstück zu realisieren, das nicht in Handarbeit, sondern in Serie hergestellt werden konnte. 

Red and Blue Chair betont seine handgemachte Qualität und verzichtet zudem auf die Verwendung natürlicher Formen, die von Möbeldesignern bevorzugt werden, um die Idee des körperlichen Komforts und der Bequemlichkeit zu betonen.

Counter Composition V (1924)

Künstler: Theo van Doesburg

Counter Composition V

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Van Doesburgs 1924 erstmals vorgestellte Gegenkompositionen – seine charakteristischen Werke – verkörpern den Wunsch des Künstlers, mit der Einführung des Elementarismus über die Grenzen des De Stijl hinauszugehen. 

Während van Doesburg weiterhin horizontale und vertikale Linien nutzte, priorisierte er nun die diagonale Linie; er beschrieb den Elementarismus als “basierend auf der Neutralisierung positiver und negativer Richtungen durch die Diagonale. Ausgeglichene Beziehungen sind kein Endergebnis.” Die Titel seiner Gegenkompositionen beziehen sich auf die Tatsache, dass die Linien der Kompositionen nicht parallel zu ihnen, sondern in einem Winkel von 45 Grad zu den Seiten des Bildes stehen, was zu einer neu angeregten Beziehung zwischen der Komposition und dem Format der Leinwand führt. Wie im vorliegenden Beispiel wagte er sich immer wieder über die drei Grundfarben hinaus, darunter ein Dreieck aus Grau zusätzlich zu den Farben Weiß und Schwarz. 

Als er diese Komposition malte, fand De Stijl seine eigene einzigartige Stimme; Gemälde, Möbelentwürfe und Gebäude, die von den mit der Bewegung verbundenen Personen geschaffen wurden, vermittelten, wie Linien und Farben interagieren sollten und wie das Erscheinungsbild eines Werkes ebenso wichtig ist wie seine Funktion.

Öl auf Leinwand – Stedelijk Museum, Amsterdam

Rietveld Schröder Haus (1924)

Künstler: Gerrit Rietveld

Rietveld Schröder Haus
Foto: Wikipedia / User: Husky / CC BY 3.0

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Das Rietveld Schröder Haus ist ein wichtiger Vorläufer des vom Bauhaus inspirierten Internationalen Stils und das einzige Gebäude, das ganz im Sinne der De Stijl Ästhetik entworfen wurde. Das Haus wurde 1924 von Truus Schröder-Schrader in Auftrag gegeben, der das neue Haus groß und offen gestalten wollte, ein wahres Manifest dafür, wie eine unabhängige moderne Frau ihr Leben gestalten sollte. 

Mit der typischen De Stijl-Palette aus den Grundfarben Schwarz und Weiß betont das Gebäude seine architektonischen Elemente – Platten, Pfosten und Balken – und spiegelt in seiner Architektur und seinem Design die Betonung der Bewegung auf Form, Konstruktion und Funktion wider. Auch in anderer Hinsicht stellt der Entwurf eine wesentliche Abweichung von der architektonischen Konvention und dem Vorbild dieser Zeit dar. Im Inneren sind die Räume als bewegliche Einheiten mit tragbaren Wänden konstruiert. Darüber hinaus unternimmt Rietveld’s Entwurf keinen Versuch, mit den umliegenden Gebäuden oder Straßen zu interagieren, was auf seine Präsenz als isolierte Struktur hindeutet, die sich nach innen und nicht nach außen konzentriert.

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