Divisionismus
Kunst

Divisionismus – Grundgedanke und bekannte Künstler

Eigenschaften des Divisionismus und Unterschiede zum Pointillismus

Der Divisionismus war eine der einflussreichsten ästhetischen Entwicklungen des 19. Jahrhunderts die in der Zeit des Post-Impressionismus entstand.

Divisionismus beschreibt im Wesentlichen eine Malmethode, bei der die Farben nicht vorzeitig gemischt, sondern auf der Malfläche nebeneinander platziert werden, so dass sie sich später im Auge des Betrachters bei ausreichendem Sichtabstand vermischen.

Grundgedanken und Ursprung des Divisonismus

Die Idee wurde 1884 von Georges Seurat entwickelt, dem gleichen Künstler, der zwei Jahre später die ästhetische Haltung des Pointillismus vorantrieb. Die meisten Menschen sind mit dem Pointillismus besser vertraut, da sein Name so deutlich auf den Stil verweist – Bilder, die aus vielen kleinen Kreisen oder Punkten bestehen.

Pointillismus und Divisionismus sind einander ähnlich.

Der Hauptunterschied besteht darin, dass der Pointillismus nicht unbedingt auf der Vermischung von Farben durch die menschliche Wahrnehmung beruht. Kennzeichnend für den Pointillismus sind die Farbpunkte anstelle von fließenden Pinselstrichen. In einem pointillistischen Bild wird das Bild für die menschlichen Augen besser wahrnehmbar, wenn sich der Betrachter von ihm entfernt und die Farbpunkte miteinander zu verschmelzen scheinen.

Das gleiche Prinzip gilt für ein Gemälde des Divisionismus, nur dass sich nicht nur die Formen und Figuren vermischen, wenn sich der Betrachter weiter entfernt, sondern auch die Farben. Auch zeichnet sich der Divisionismus nicht durch die ausschließliche Verwendung von Kreisen oder Punkten aus. Im Divisionimsus sind farbige Striche oder Kanten nichts Außergewöhnliches.

Signac
Paul Signac, Portrait of Félix Fénéon, 1890

Der Divisionismus stellte die Natur dessen, was Farbe ist, in Frag. Ob sie wirklich als etwas Konkretes existiert oder ob sie nur eine Illusion unserer Wahrnehmung und Vorstellung ist. Die Bewegung hatte aus mehreren Gründen einen tiefgreifenden Einfluss auf die Entwicklung der Abstraktion im Europa des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Erstens wurden plastische Elemente wie Farbe und Inhalt eindeutig priorisiert. Zweitens stellte sich die Frage nach der Subjektivität in der Kunst. Der Betrachter “vollendet” divisionistische Gemälde in seinem Kopf. Auf diese Weise erhält der Betrachter die Möglichkeit, Kunstwerke losgelöster von Formidentifikation und frei nach seinen Eindrücken zu interpretieren.

Schließlich initiierte Seurat einen Ansatz zur Kunst, der eine offene wissenschaftliche Untersuchung beinhaltete. Sein Interesse an der Wissenschaft von Farbe und Wahrnehmung hat Generationen von konzeptionellen und abstrakten Künstlern inspiriert und übt bis heute einen starken Einfluss aus.

Kernideen des Divisionismus

Während Seurat als Begründer des Divisionismus bekannt ist, war er nicht wirklich der erste Maler, der die divisionistische Technik anwandte. Frühere impressionistische Maler wie Camille Pissarro und Claude Monet hatten Jahrzehnte zuvor entdeckt, dass sie durch kleine, enge Pinselstriche und das Nebeneinander bestimmter Komplementärfarben eine größere Leuchtkraft in ihren Bildern erreichen konnten.

Was die Post-Impressionisten jedoch taten, war eher eine Frage der Intuition. Seurat erwarb sich seinen Ruf, indem er analysierte, was die Impressionisten auf wissenschaftliche Weise getan hatten. Auf der Suche nach einer einzigartigen Art der Malerei, die als seine eigene angesehen werden konnte, studierte er das Werk des romantischen Malers Eugène Delacroix, der für die brillanten und lebendigen Farben seiner Gemälde bekannt war. Er las auch verschiedene Bücher über die Farbtheorie der Vergangenheit, insbesondere Die Grammatik der Malerei und Gravur von Charles Blanc und Die Prinzipien der Harmonie und des Farbkontrasts von Michel-Eugène Chevreul.

Durch seine Nachforschungen entdeckte Seurat, dass bestimmte Farben stärker reagierten, wenn sie nebeneinander platziert wurden. Indem er die impressionistische Technik der kleinen Pinselstriche auf ihre präziseste Ausführung schärfte und die aktivsten Farbkombinationen mobilisierte, erreichte er die leuchtendste, kräftigste Verbindung von Farbe und Licht.

Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte

Das vielleicht berühmteste Gemälde, das aus seinen frühen Studien zu solchen Farbkombinationen hervorgeht, ist “Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte” (1884-86). Das Meisterwerk ist eine fantastische Demonstration der Fähigkeit divisionistischer Techniken, nicht nur der Zusammensetzung der Farbe im Auge, sondern auch, wie er andere formale Elemente wie Tönung, Form und Linie verschmelzen ließ. Am radikalsten war das Gefühl der Bewegung, das in diesem Werk vermittelt wird. Die Platzierung der winzigen farbigen Punkte lässt das Wasser schimmern und leuchten. Die Blätter in den Bäumen scheinen zu rascheln. Seltsamerweise scheint die Frau im rechten Vordergrund über dem Boden zu schweben und sich sanft vorwärts zu bewegen.

Inspiration für die Zukunft

Georges Seurat wurde sofort für seine intellektuellen und ästhetischen Leistungen anerkannt, aber er konnte seinen Erfolg nicht lange genießen. Er starb im Alter von 31 Jahren, nur fünf Jahre nachdem er sein Meisterwerk vollendet hatte. Sein Vermächtnis überstieg jedoch bei weitem die Kürze seiner Karriere. Seine Fähigkeit, implizierte Bewegung in seinen Bildern zu vermitteln, erwies sich als eine tiefgreifende Inspiration für die italienischen Futuristen. Als 1909 das Futuristische Manifest veröffentlicht wurde, lobte es Geschwindigkeit und Industrie als ideale Manifestationen der schönen, neuen, modernen Industriewelt.

Die Futuristen nahmen die Ideen von Seurat auf, um ihren eigenen Stil zu kreieren. Anstatt Farben oder Punkte nur so nebeneinander zu platzieren, dass sie im Auge gemischt werden können, erweiterten die Futuristen dieses Konzept und wandten es auf Linien, Figuren und Formen an. Indem sie in ihren Kompositionen mehrere Bilder gleicher Formen nebeneinander malten, deuteten sie die Bewegung von Maschinen, Menschen und Tieren an.

Diese gleiche Idee beeinflusste auch die Kubisten. Künstler wie Picasso und Braque wandten divisionistisches Denken auf Ebenen an, indem sie mehrere Blickwinkel gleichzeitig nebeneinander stellten, um eine Vision der vierdimensionalen Realität zu schaffen, in der der Lauf von Zeit und Bewegung impliziert wird. Später brachten orphische kubistische Maler wie Sophia Delaunay die divisionistische Evolution wieder in Gang, indem sie die Art und Weise untersuchten, wie bestimmte Farben zu schwingen scheinen, wenn sie nebeneinander stehen, selbst wenn sie in einer völlig abstrakten Komposition eingesetzt werden.

Dies ist vielleicht das größte Vermächtnis postimpressionistischer Bewegungen wie des Divisionismus in der abstrakten Kunst: Dank der Arbeit von Seurat konnten sich Künstler wie Delaunay und später Piet Mondrian (De Stijl), Josef Albers und unzählige andere den inhaltlichen Anforderungen völlig entziehen und die rein plastischen Eigenschaften der bildenden Kunst erforschen.

2 Kommentare

  • Hallo Lenny,

    ein wichtiger divisionistischer Maler fehlt mir in dem Artikel. Giovanni Segantini. Ich bin diesem
    Maler auch erst vor einigen Jahren begegnet, aber er ist für diese Malweise ein super interessanter Maler. Schauen Sie sich mal dessen Bilder an.
    Herzliche Grüße und vielen Dank für den Artikel
    Sabine Wengelski

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