Kunst

Formalismus in der Kunst – Ein Interpretationsansatz der Kunst im Detail

FormalismusPaul Cézanne: The Gardener Vallier / Tate.org.uk, CC-by-NC-ND 3.0

Kernideen des Formalismus in Kürze

Die Form eines Bildes setzt sich aus den Grundelementen der Farbe, Linie, Komposition und Textur zusammen. Diese Elemente bilden die grundlegende Sprache, mit der formalistische Kunstkritiker Kunstwerke untersuchen und analysieren.

Egal, ob ein Kunstwerk eine reine Abstraktion oder Gegenständlichkeit ist, ein Formalist sucht nach den gleichen Grundelementen und beurteilt den Wert eines Gemäldes basierend auf der Fähigkeit des Künstlers, ein zusammenhängendes Gleichgewicht in der Komposition zu erreichen.

Wenn ein Gemälde als wertmäßig mangelhaft erachtet wird, dann deshalb, weil es dem Künstler nicht gelungen ist, ein visuelles Gleichgewicht der formalen malerischen Elemente zu erreichen.

Die Gedanken des Formalismus im Detail

Platons Theorie der Formen

Der Philosoph Platon entwickelte eine “Ideenlehre“, die auf der Idee des Eidos basiert, was grob übersetzt “Statur” oder “Aussehen” bedeutet. Platon wandte den Begriff in seinen verschiedenen Dialogen häufig an, um eine Universalsprache vorzuschlagen. Jedes irdische Objekt, so stellte er fest, ob greifbar (wie ein Stuhl) oder abstrakt (wie eine menschliche Tugend), teilte einen Aspekt: Sie alle hatten eine Form.

Platons Theorie der Formen lässt sich am besten durch sein Höhlengleichnis verstehen.

Er stellte sich eine Höhle vor, in der Gefangene ihr ganzes Leben lang gefangen gehalten wurden. Alles, was sie sehen konnten, waren die Schatten der anderen Arbeiter, die entlang der Wände der Höhle geworfen wurden, und alles, was sie hören konnten, waren die Echos ihrer Stimmen, die in der Höhle schwangen. Da dies alles war, was sie wussten, nahmen die Gefangenen diese Schatten und Echos als die eigentliche Form realer Objekte wahr und wussten daher nicht, dass es sich bei diesen Formen nur um Nachbildungen der realen Vorlagen handelte.

Platon erklärte schließlich, dass die Wahrnehmung der Dinge durch die Gefangenen nicht falsch sei; durch ihr Weltverständnis waren die Schatten und Echos die realen Formen, so wie ein Bild einer Frau genauso real, wenn nicht sogar realer ist als die eigentliche Frau, die in einem Gemälde dargestellt wird.

Der Einfluss von Platon auf die Kunst des 20. Jahrhunderts

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden moderne Künstler, die mit Stilen des Fauvismus, Expressionismus und Surrealismus experimentierten, von vielen der in Platons “Ideenlehre” aufgeworfenen Probleme beeinflusst.

Das tiefste dieser Probleme war der Versuch der Menschheit, Beständigkeit und Veränderung in Einklang zu bringen, was zu folgenden Fragen führte:

  • Wie kann die Welt sowohl beständig als auch veränderlich erscheinen?
  • Wenn sich die Welt, die wir durch die Sinne wahrnehmen, ständig zu verändern scheint und die Welt, die wir durch den Geist wahrnehmen, beständig und veränderlich zu sein scheint, dann ist welche dieser Wahrnehmungen realer?
  • Wie lässt sich die gleichzeitige Existenz beider Konzept erklären?

Die Ausdruckskraft der Form

Man Ray, der amerikanische Künstler des Dadaismus und Surrealismus, gab 1916 ein Statement für die Forum Exhibition of Modern American Painters in den Anderson Galleries in New York heraus, in dem er schrieb: “Die schöpferische Kraft und die Ausdruckskraft der Malerei liegt materiell in der Farbe und Textur des Pigments, in den Möglichkeiten der Formerfindung und -organisation und in der flachen Ebene, auf der diese Elemente zum Einsatz kommen. Es geht dem Künstler nur darum, diese absoluten Qualitäten direkt mit seinem Witz, seiner Phantasie und seiner Erfahrung zu verbinden, ohne den Zwischenhändler eines Subjekts.”

Ray betonte hier die Bedeutung nicht nur der Fähigkeit des Künstlers, dies Qualitäten auf der Bildebene zu verbinden, sondern auch seiner Fähigkeit, unabhängig von Anekdoten und kontextuellen Inhalten etwas visuell Faszinierendes zu schaffen.

Formalismus in der abstrakten Kunst

In den frühen 1940er Jahren gaben Mark Rothko, Barnett Newman und Adolph Gottlieb in der New York Times eine Erklärung ab, in der sie schrieben: “Wir wollen unsere Bilder nicht verteidigen. Sie verteidigen sich selbst. Wir betrachten sie als klare Aussagen.”

Rothko, Newman und Gottlieb glaubten im Wesentlichen, dass jeder Versuch, ein abstraktes Kunstwerk zu dekonstruieren und anschließend zu erklären, im Wesentlichen darin bestand, es von seinem eigentlichen Wert zu befreien. Die ultimative Bedeutung eines abstrakten Werkes lag in seiner eigentlichen Form – seinen Formen, Farben und Linien – und in der Annahme, dass laut Rothko “Kunst ein Abenteuer in eine unbekannte Welt” ist.

Indem sie versuchten, diese Welt zu erklären, versuchten Kritiker, den gesunden Menschenverstand auf etwas anzuwenden, das sich genau dieser Sache widersetzte. Insgesamt war das Werk dieser drei und anderer New Yorker Künstler immer abstrakter geworden, so dass die Abstraktion zu einer malerischen Form an sich wurde. Da die Abstraktion Form war, war sie gemäß ihrer Aussage selbsterklärend und verteidigte sich aus diesem Grund selbst.

Clement Greenberg gilt als der bedeutendste formalistische Kunstkritiker in der Mitte des 20. Jahrhunderts und glaubte wie Rothko und Kollegen, dass jede Analyse, die nach einem tieferen Sinn von Kontext oder Subjekt in der abstrakten Kunst suchte, gegen den Ethos der formalen Kunsttheorie verstieß. Greenberg war ein Formalist, weil er Kunst ausschließlich auf der Grundlage der elementaren Wahrheiten des Kunstwerks analysierte. Eine Linie ist eine Linie und ein Quadrat ist ein Quadrat; die einzige wichtige Wahrheit bei der Betrachtung dieser Elemente war die visuelle Wirkung, die sie auf den Betrachter hatten.

Formalismus und Stilreinheit

So wie Greenbergs Formalismus eine Untersuchung der Fähigkeit eines Künstlers war, die elementaren Formen auf der Leinwand visuell auszubalancieren, so war es auch ein Urteil über die Reinheit des Bildes in Bezug auf Medium und Stil.

Greenberg kam in seinen eigenen Schriften bald zu dem Schluss, dass die Abstraktion die reinste Form der Kunst sei, weil das abstrakte Bild selbsterklärend sei; es existiere von selbst und enthalte keine versteckte Bedeutung. Greenberg kam auch zu Beginn seiner Karriere zu dem Schluss, dass die abstrakte Kunst im Gegensatz zu vielen ihrer stilistischen Vorläufer wie dem Impressionismus und Fauvismus die Grenzen zwischen den verschiedenen Kunstformen nicht verwischt hat.

Damit meinte er, dass bestimmte Kunstformen Elemente anderer Stile verwendeten, aber bei einem abstrakten Kunstwerk diese Verwirrung verschiedener Stile nicht möglich war. Schließlich ist ein abstraktes Werk genau das, was es ist – nicht mehr und nicht weniger.

Kritiker, die sich dem Formalismus widersetzten

Kein anderer Kritiker stellte die formalistische Kunsttheorie mehr in Frage als Robert Rosenblum. Als produktiver Kritiker, Professor und Kurator stieg Rosenblum nach der Blütezeit des abstrakten Expressionismus in den Vordergrund und definierte den Verlauf der modernen Kunst neu, indem er die historischen Grenzen der Moderne um den Barock und Neoklassizismus des 18. Jahrhunderts erweiterte. Rosenblum vermittelte damit, dass alle Formen der modernen Kunst in einen großen historischen Kanon integriert wurden.

Formalismus: Bedeutendste Kunstwerke

Die folgenden Kunstwerke sind die wichtigsten Werke, die in der modernen Kunst als solche angesehen wurden, die mit den Ideen einer formalistischen Interpretation im Einklang standen. Sie geben sowohl einen Überblick über die wichtigsten Ideen des Formalismus in der modernen Kunst als auch über die größten Leistungen der einzelnen Künstlers.

Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket, James Abbott McNeill Whistler

James McNeill Whistler

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: James McNeill Whistler war eine führende Figur in der ästhetischen Bewegung, einem romantischen Trend, der “Kunst um der Kunst willen” feierte.

Whistlers Ideen waren wichtig für die Verbreitung formalistischer Ansätze in der Kunst. Wie er einmal sagte: “Die Natur enthält die Elemente in Farbe und Form aller Bilder, wie die Tastatur die Noten der gesamten Musik enthält. Aber der Künstler ist geboren, um diese Elemente auszusuchen und mit der Wissenschaft zu verbinden, damit das Ergebnis schön sein kann.” Mit anderen Worten, die Form in der Kunst ist wichtiger als die genaue Darstellung der natürlichen Realität.

Solche Überzeugungen förderten eine beträchtliche Abstraktion in seinem Werk. Das berühmteste Beispiel ist Nocturne in Black and Gold, das Gegenstand einer berühmten Verleumdungsklage war, nachdem der Kritiker John Ruskin Whistler beschuldigte, “einen Topf Farbe in das Gesicht der Öffentlichkeit zu werfen”.

Full Fathom Five,  Jackson Pollock

Jackson Pollock, Full Fathom Five, 1947, MOMA

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Full Fathom Five gehörte zu den ersten Drip Paintings, die Jackson Pollock fertigte. Die Bilder haben zu zahlreichen Interpretationen eingeladen, von denen viele sehr unterschiedliche Aspekte der Bilder betonen. Harold Rosenberg konzentriert sich beispielsweise auf Prozess und Technik – Pollocks Begegnung mit der Leinwand.

Aber für Clement Greenberg, den Kritiker, der als stärkster Verfechter des Malers gilt, lag die Bedeutung seiner Technik in ihren formalen Leistungen.

Es gelang Pollock, die Linie von ihrer traditionellen Rolle definierter Formen und Volumen zu lösen, und sie löste sich von dem starren, flachen, abgegrenzten Raum, der die Malerei seit dem Aufkommen des Kubismus dominiert hatte, und ersetzte ihn durch ein loses, offenes Raumnetz.

Flag, Jasper Johns

The red,white,and blue (newspaper prints are in the white stripes)

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Jasper Johns wird oft zugeschrieben, dass er den Weg für die Pop-Art geebnet hat, indem er erkennbare Themen wieder in die Kunst integriert hat. Aber die Bedeutung früher Stücke wie “Flag” liegt ebenso in der Art und Weise, wie er ein sorgfältiges Gleichgewicht zwischen Form und Inhalt geschaffen hat.

Dies führte zu einem Dilemma für formalistische Kritiker wie Clement Greenberg, denn während sie behaupteten, der Wert eines Kunstwerks liege in der Manipulation der Form, machte es Johns unmöglich, die Bedeutung des Themas zu leugnen. Künstler wie Mark Rothko betonten die Bedeutung des Themas, aber das Aussehen ihrer Arbeit machte es leicht, diese Aussage zu ignorieren; Bilder wie “Flag” machten es unmöglich.

Schreibe einen Kommentar