Malerei

Fotorealismus – Gemälde, die wie Fotos aussehen

FotorealismusFoto: Rocor / Flickr / CC BY-NC 2.0

Der Fotorealismus Ist ein Genre der Malerei, das in den späten 1960er Jahren als Reaktion auf die zunehmende Popularität der Abstraktion entstanden ist. Seither sorgen fotorealistische Gemälde mit ihrer enormen Detailtreue für optische Illusionen, die nur aus der Nähe als gemalte Abbilder der fotografischen Vorlage ermittelt werden können.

Anstatt das Geschehen in der Realität zu beobachten und abzubilden, wurde der Fotorealismus von der Fotografie inspiriert. Die von einer Kamera erfassten visuellen Informationen werden verwendet, um illusionistische Gemälde, Zeichnungen und andere Kunstwerke zu schaffen. Künstler projizieren oft Fotos auf Leinwand, damit die Bilder präzise und detailgetreu erfasst werden können.

Während die prägenden Phasen in den Vereinigten Staaten (vor allem in New York und Kalifornien) begannen, wurde der Fotorealismus zu einer internationalen Bewegung. Auf dem Höhepunkt der 1970er Jahre setzte sich diese globale Entwicklung fort. Obwohl der Stil einen relativ schnellen Niedergang erfuhr, bleibt der Einfluss auf die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst erhalten.

Was ist Fotorealismus?

Der Fotorealismus ist ein Genre, in dem Künstler Gemälde malen, die ursprünglich auf einem Foto festgehalten wurden. Künstler entwickelten und projizierten oft die Originalbilder, um die mikroskopische Genauigkeit zu erfassen.

Mit einer Fotografie als wichtigster optischer Referenz malten revolutionäre Fotorealisten wie Richard Estes, Chuck Close, Charles Bell, Audrey Flack und andere mit dem Ziel der fotografischen Genauigkeit.

Fotorealismus vs. Hyperrealismus

Fotorealismus und Hyperrealismus sind beides Genres der zeitgenössischen Kunst. Die beiden Begriffe werden oft synonym verwendet, obwohl beide ihre eigenen, individuellen Eigenschaften haben.

Der Hyperrealismus entstand aus dem Fotorealismus. Während sich letzterer auf Form und figurative Kunst konzentrierte und Gemälde mit technischer Präzision schuf, um etwas so lebensecht wie möglich zu gestalten, konzentrierte sich der Hyperrealismus auf mehr als nur die Technik.

Der grundlegende Unterschied zwischen Fotorealismus und Hyperrealismus ist die Emotion. Fotorealisten interessierten sich für die reine Darstellung, wobei Hyperrealisten Emotionen und Absichten erkundeten und in ihren Werken empfohlene Darstellungen boten.

Die Geschichte des Fotorealismus

Der Fotorealismus lieferte von der Fotografie inspirierte Gemälde, die amerikanische Landschaften der Nachkriegszeit und die Notlage der Arbeiterklasse durch atemberaubenden Realismus darstellten. Künstler des Genres bevorzugten traditionelle Kunsttechniken gegenüber der Spontaneität von Vorgängern wie dem Abstrakten Expressionismus und waren die ersten ihrer Art, die Informationen ungeschminkt von einem Medium in ein anderes übertragen haben.

Der Fotorealismus entwickelte sich Ende der 1960er Jahre und knüpfte an die Pop-Art und dem ihr vorausgehenden Minimalismus an. Richard Estes, Chuck Close und Ralph Goings waren einige der ersten, die versuchten, die fotografischen Bilder exakt zu reproduzieren, und werden daher oft als die Initiatoren der Bewegung angesehen.

Die Bezeichnung "Fotorealismus" wurde von Louis K. Meisel geprägt, als er im Rahmen des Whitney Museum Catalogue 1970, "Twenty-two Realists", in einem Druck erschien. Später im Jahr 1973 wurde Meisel gebeten, eine Definition des Begriffs für Stuart M. Speiser zu entwickeln, der eine große Sammlung fotorealistischer Kunst in Auftrag gab. Diese Sammlung schenkte er später dem Smithsonian Museum.

Seine Definition beinhaltete einige wesentliche Punkte: Eine Kamera war notwendig, um das Bild oder die Szene aufzunehmen.  Das Abbild des Fotos muss mit mechanischen oder halbmechanischen Mitteln in den Arbeitsbereich übertragen werden.

Wie die Pop-Artists waren auch die Fotorealisten daran interessiert, konventionelle Vorstellungen von dem, was "angemessen" war, aufzulösen. Sie suchten oft nach alltäglichen Szenen oder nach kommerziellen Objekten wie Autos, Lastwagen oder Beschilderungen, die sie als ihr Motiv und ihre fotografische Vorlage auserwählten. ​

Der Einsatz und ihre Abhängigkeit von mechanischen und industriellen Techniken spiegelte auch die ihrer Vorgänger wider. Die Bewegung war in vielerlei Hinsicht eine Reaktion auf die Entwicklung der fotografischen Medien. Anfang der 90er Jahre entstand ein wiedererwachtes Interesse am Fotorealismus, da neue Technologien wie Kameras und digitale Geräte mit noch höherer Auflösung verfügbar wurden.

Fotorealismus: Techniken und Schlüsselmerkmale

Zu den Charakteristika des Fotorealismus gehört die sorgfältige Einhaltung der Details, da die Künstler bestrebt sind, winzige Einzelheiten eines projizierten Fotos mit Präzision zu reproduzieren. Oftmals erstellen sie kleinere Studien, um Elemente der Komposition, Perspektive, Form, Licht und Schattierung des Werkes durchzuarbeiten, bevor sie mit der endgültigen Arbeit beginnen. Es gibt Schlüsseltechniken und Grundelemente, die in den Prozess des Fotorealismus einbezogen werden, die im Folgenden beschrieben werden:

  • Verwendung einer Kamera und eines Fotos zur Aufnahme eines Bildes
  • Verwendung eines mechanischen oder halbmechanischen Instruments (Projektor, Rasterverfahren oder Übertragungspapier) zur Übertragung fotografischer Informationen auf einen Träger (Leinwand, Blatt Papier, Holzplatte)
  • Technische Fähigkeit des Künstlers, das fertige Werk fotografisch aussehen zu lassen.
  • Höchste Aufmerksamkeit für Qualität und Details
  • Betonung von Prozessen und Planung gegenüber Improvisationen

Einflussreiche fotorealistische KünstlerInnen

Charles Bell

Charles Bell war ein amerikanischer Fotorealist, der Alltagsgegenstände in einem riesigen Format darstellte.

Er vergrößerte gewöhnliche Objekte wie Kaugummiautomaten und anderes unmittelbar erkennbares Kinderspielzeug zu großformatigen Stillleben, die in seiner 1975 entstandenen Arbeit, Gum Ball No. 10: "Sugar Daddy", zu sehen sind.

Chuck Close

Chuck Close schafft monumentale Porträts durch anspruchsvollen Realismus, der Maßstab, Farbe und Form nutzt. Am bekanntesten ist er für seine Rasteranwendung, die aus den einzelnen Farbfeldern ein einheitliches, realistisches Abbild aus der Ferne betrachtet ergibt.

Diese Technik wird in seinem Gemälde Agnes aus dem Jahr 1998 umgesetzt, eine Hommage an seine Freundin Agnes Martin, die auch die Rastertechnik anwandte.

Robert Cottingham

Der in Brooklyn geborene Fotorealist Robert Cottingham ist vor allem für seine Darstellung städtischer Landschaften und Schriften bekannt, wobei er sich besonders auf Gebäudefassaden, Neonbeschilderungen, Filmmarkisen und Fassaden konzentriert. Seine Werke werden in radikal zugeschnittenen Kompositionen gezeigt, die in einigen seiner berühmten Kompositionen wie Candy (1979) und Women-Girls (2000) zu sehen sind.

Richard Estes

Der amerikanische Künstler Richard Estes ist bekannt für seine Gemälde von New York City Street, die eine urbane Ästhetik zeigen. Estes ist dafür bekannt, reflektierende Oberflächen von Schaufenstern und Autoscheiben einzubeziehen, die dazu tendieren, mehr Details zu enthüllen, als das, was das Auge auf natürliche Art und Weise sieht. Dies spiegelt sich in einem seiner bemerkenswertesten Werke wider, dem Supreme Hardware Store (1974), der eine heruntergekommene, überladene Stadtstraße mit reflektierenden Schildern und Schaufenstern darstellt.

Audrey Flack

Marilyn

Audrey Flack ist eine Pionierin des Fotorealismus und die erste fotorealistische Malerin, deren Werk vom New Yorker Museum of Modern Art für die Dauerausstellung erworben wurde.

Ihre überdimensionalen Leinwände stellen oft historische Ereignisse dar. Später beschäftigte sie sich mit der Bildhauerei, um weibliche Darstellungen in der Geschichte zu ergründen.

Ralph Goings

Ralph Goings ist eines der führenden Mitglieder des Fotorealismus, der vor allem für seine Bilder des amerikanischen Alltags bekannt ist. Viele der Themen von Goings wurden von den Strapazen der Weltwirtschaftskrise inspiriert.

Seine Gemälde von Hamburgerständen, Pick-up-Trucks, Banken und anderen Darstellungen der amerikanischen Arbeiterklasse waren bewusst gegenständlich, besonders deutlich in einigen seiner größten Werke wie American Salad (1966) und McDonald's Pickup (1970).

Robert Longo

Robert Longo ist ein amerikanischer Maler und Bildhauer, der durch seine Serie "Men in the Cities", die Geschäftsleute und Frauen in einem Zustand des Schwebens zeigt, viel Aufmerksamkeit erregt hat. Longo war auch Mitglied der Pictures Generation, einer Gruppe von Künstlern, deren Werke durch die Aneignung massenmedialer Bilder in den 1970er und 1980er Jahren miteinander verknüpft waren.

Die Mehrheit seiner realistischen Kunstwerke beinhaltet eine Reihe von Bildern, von Tieren wie Haien und Tigern bis hin zu nuklearen Explosionen und Waffen.

Ben Weiner

Ben Weiner ist ein zeitgenössischer amerikanischer Künstler, der sich um die Verschmelzung der Disziplinen Fotorealismus und Abstraktion bemüht. Weiner fotografiert Farbe und andere Konsumgüter aus nächster Nähe und verwendet die entstandenen Bilder anschließend als Motiv. Im Jahr 2011 schuf er eine Reihe von vergrößerten Bildern aus dicken Farbstrichen.