Francis Picabia – Biografie, bekannte Werke und künstlerisches Vermächtnis

Francis Picabia, (geb. 22. Januar 1879, in Paris, Frankreich, gest. 30. November 1953, Paris) war französischer Maler, Illustrator, Designer, Schriftsteller und Verleger, der sich nach und nach mit den Kunstrichtungen des Kubismus, Dadaismus und Surrealismus beschäftigte.

Schlüsselideen von und über Francis Picabia

Biografie von Francis Picabia

Kindheit

Francis Picabia wurde am 22. Januar 1879 in Paris als einziges Kind eines in Kuba geborenen Spaniers, Francisco Vicente Martinez Picabia, und einer Französin, Marie Cecile Davanne, geboren.

Beide Elternteile stammten aus bedeutenden Familien und Picabia wuchs in einem wohlhabenden Elternhaus auf. Sein ganzes Leben lang erlaubte ihm das Familienvermögen zu studieren, zu reisen und einen luxuriösen Lebensstil zu genießen. 

Im Alter von sieben Jahren starb seine Mutter allerdings an Tuberkulose, und im folgenden Jahr starb seine Großmutter. Diese Verluste sorgten dafür, dass Picabias Kindheit sehr einsam war. 

Er wurde von seinem Vater, dem Kanzler der kubanischen Botschaft, seinem Onkel Maurice Davanne, einem Kurator der Bibliotheque Sainte Geneviève, und seinem Großvater mütterlicherseits Alphonse Davanne betreut. Ihr Haus war bekannt als das Haus der quatre sans femmes (vier ohne Frauen).

Sein Onkel war ein Kunstliebhaber und Sammler, der die Interessen des jungen Picabia förderte, indem er ihn mit Werken klassischer französischer Maler wie Fèlix Ziem und Ferdinand Roybert vertraut machte.

Sein Großvater, ein leidenschaftlicher Amateurfotograf, lehrte Picabia die Fotografie. Francis nutzte später eine Kamera, um seine malerische Arbeit zu unterstützen.

Frühzeitige künstlerischer Ausbildung 

1895 fing Picabia an, an der renommierten École des Arts Decoratifs zu studieren. Er studierte zwei Jahre lang unter Fernand Cormon, Ferdinand Humbert und Albert Charles Wallet. Anschließend arbeitete er die nächsten vier Jahre mit seinen Kommilitonen Georges Braque und Marie Laurencin in Cormons Atelier.

Während dieser Zeit entstanden hauptsächlich Aquarelle und er stellte nur einmal im Salon des Artistes Francais aus. Er ließ die traditionelle Aquarellmalerei schnell hinter sich und wandte sich dem Impressionismus zu, der von Camille Pissarro und Alfred Sisley beeinflusst wurde. Er glaubte, dass Gemälde nicht die Natur darstellen sollten, sondern die emotionale Erfahrung des Künstlers.

Seine erste Einzelausstellung hatte Picabia 1905 in der Galerie Hausmann in Paris. Die Ausstellung zeigte 61 Landschaftsgemälde und fand großen Anklang. Nach der Ausstellung wurde er in der Kunstszene sehr beliebt und hatte weitere Einzelausstellungen in Paris, London und Berlin. Doch 1909 gab er den Stil auf, der ihm erste Erfolge brachte, und wandte sich mehr und mehr avantgardistischen Stilen zu, darunter auch dem Fauvismus. Dies führte zu einem Abbruch seiner Repräsentanz in der Galerie Hausmann.

Im selben Jahr heiratete er Gabrielle Buffet, eine Musikerin, die die Musik in sein Leben holte. Durch sie sah er die mögliche Verbindung zwischen Kunst und Musik.

Von 1909 bis 1913 kämpfte Picabia erneut darum, den Stil zu finden, der am besten geeignet war, um seine sich herausbildende Sorge um das Emotionale und Intellektuelle, aber auch um die innere Erfahrung und die äußere Form auszudrücken. Er wechselte von einem Stil zum anderen und experimentierte mit dem Fauvismus, dem Kubismus und der abstrakten Kunst.

 Die Aufmerksamkeit der Kunstwelt, die ihn früher umgab, nahm während dieser stilistischen Erkundungsphase dramatisch ab.

Der Künstler und seine Frau schlossen sich der Sociètè Normande de Peinture Moderne an, die sich trafen, um die interdisziplinäre Beziehung zwischen allen Künsten zu fördern. Diese Vereinigung veranstaltete jährliche Ausstellungen und andere Events, die Francis Picabia Gelegenheit zum Kennenlernen und zum Austausch mit anderen Künstlern boten.

1911 lernte Picabia Marcel Duchamp kennen und begann eine lange Freundschaft, die sowohl in ihrem Leben als auch in ihrer Karriere eine große Rolle spielte. Picabia freundete sich auch mit der berühmten amerikanischen Schriftstellerin Gertrude Stein an, die in Paris Zeit mit modernen Künstlern verbrachte.

Mittleres Werk von Francis Picabia

1912 wandte sich Picabia dem drastischeren Stil des Kubismus zu und schöpfte aus seinen Erinnerungen und Erfahrungen, anstatt sich von der Natur inspirieren zu lassen.

Bei der wegweisenden Armory Show im Jahr 1913 in New York präsentierte er Danses à la source I (1912), Souvenir de Grimaldi (1912), La procession, Séville (1912) und Paris (1912).

Seine Werke erhielten gemischte Rückmeldungen, wobei einige Journalisten seine Farbharmonien als "Schwindel" abwiesen. Trotz der Kritik in Amerika blieb er über zwei Wochen und lernte Alfred Stieglitz und seine Galerie 291 kennen.

Als der Erste Weltkrieg ausbrach, verließ Picabia Frankreich, um zuerst in Barcelona, dann in New York und später in der Karibik Zuflucht zu suchen. Der Krieg brachte ihn dazu, einen anderen Stil zu entwickeln, der die Ära der Industrialisierung repräsentieren würde.

Das erste seiner Maschinenbilder zeigte er 1916 in der Modern Gallery in New York. Seine Beziehung zu seiner Ehefrau ging in die Brüche, als er 1917 Germaine Everling traf. Seine geistige und körperliche Gesundheit verschlechterte sich im Rahmen einer Depression.

Während seiner Regeneration verlagerte Picabia seinen Fokus von der Malerei auf das Schreiben. Er veröffentlichte seine Gedichte 1917 unter dem Titel Cinquante-deux miroirs. Er veröffentlichte Schriften für mehrere Publikationen, darunter auch André Bretons Veröffentlichung, sowie drei Gedichtbände.

Im Jahr 1919 ließen sich Picabia und Buffet endgültig scheiden. Zu dieser Zeit waren seine Maschinenbilder bereits durch die avantgardistischen Publikationen bekannt.

1920 erreichte Dada seinen Höhepunkt und die Visionen von dadaistischen Geschehnissen, Ausstellungen, Büchern, Artikeln und Zeitschriften wurden immer deutlicher.

Nach der Pause vom Dadaismus konzentrierte er sich darauf, seine Bilder wieder auszustellen.

1922 zeigte er im Salon d'Automne seine maschinenbezogenen Gemälde neben figürlicheren Bildern, die von spanischen Themen inspiriert waren. Nachdem er seine Kollegen der letzten zehn Jahre verlassen hatte, verließ er 1925 Paris und blieb zwanzig Jahre an der Cote d'Azur.

Germaine und Picabia ließen sich in Cannes nieder und engagierten eine Gouvernante für ihren Sohn Lorenzo. Picabia verliebte sich in die Gouvernante Olga Mohler und verließ Germaine kurz darauf. Sie trennten sich 1933 offiziell.

Spätwerk von Francis Picabia

1928 präsentierte Picabia seine Transparenzbilder in der Galerie Theophile Briant. Der Filmkritiker Gaston Ravel nannte sie Sur-Impressionismus, da den Gemälden der Look von übereinander gelegten Standbildern nachgesagt wurde. Die Transparency-Serie wurde von seinen Kollegen, insbesondere von Duchamp, sehr positiv eingeschätzt.

Während seines Aufenthalts in Cannes war er eine ziemliche Berühmtheit unter den Einheimischen und erhielt häufige Besuche von seinen berühmten Freunden Jacques Douchet, Marthe Chenal, Pierre de Massot und Marcel Duchamp. Picabia genoss auch während dieser Zeit seinen Reichtum und genoss es, prunkvolle Feiern zu veranstalten, Luxusautos und Schiffe zu sammeln.

Als der Zweite Weltkrieg 1939 begann, erreichte die Verwüstung Picabia und sein Lebensstil wurde ziemlich bescheiden. Zum ersten Mal in seinem Leben war seine Haupteinnahmequelle der Verkauf seiner Bilder. 1940 heirateten Picabia und Olga Mohler.

Viele Kunsthistoriker bewerten seine Arbeiten dieser Zeit als kommerzielle Werke, die lediglich für den Verkauf bestimmt waren. Er malte populäre Bilder aus Magazinen von Filmstars und Paaren in einem realistischen Stil.

Nach dem Krieg wurde Picabia kurzzeitig von den französischen Behörden verhaftet, weil ihm vorgeworfen wurde, während des Krieges mit der Vichy-Regierung zusammenzuarbeiten. Er wurde freigelassen und nie verurteilt, aber sein Ruf litt, weshalb Picabia nach 1945 nie mehr nach Frankreich zurückkehrte.

Es gab verschiedene Aussagen, die Picabia während des Krieges gemacht hat und die als faschistisch angesehen werden konnten, aber da Picabia immer die scherzhafte Anti-Führungs-Persönlichkeit war, ist es ihm schwer, seine damalige Position richtig zu deuten.

Am Ende seiner langen künstlerischen Laufbahn wechselte Picabia erneut seinen Stil und malte in abstrakten Formen. Er stellte seine Werke weiterhin in bedeutenden Pariser Galerien aus und veröffentlichte seine Schriften bis 1951, als er unter starker Arteriosklerose litt und nicht mehr malen konnte.

Vor seinem Tod am 30. November 1953 verwies er auf Nietzsche und schrieb:

Wo die Kunst aufhört, wo das Leben beginnt, bin ich der Dichter meines Lebens.

Das Vermächtnis von Francis Picabia

Picabia hat viel dazu beigetragen, den Dadaismus in Paris und New York zu entwickeln. Aber vielleicht ist die Einstellung, die die Bewegung in ihm förderte, für die Einschätzung seines künstlerischen Schaffens am wichtigsten.

Sein anarchischer Geist und seine Missachtung der konventionellen abstrakten modernen Kunst brachten sein künstlerisches Vermächtnis hervor. Dieser Geist prägte die Transparency-Serie der 1920er Jahre und die erotischen Akte der 1940er Jahre, die sich beide als äußerst einflussreich erwiesen haben.

Als viele Künstler dachten, abstrakte und gegenständliche Kunst sollten getrennt werden, schien Picabia sie zu kombinieren. Als andere das Gefühl hatten, dass der Akt ein vornehmes Thema bleiben sollte, entwertete er ihn.

Picabia scheint eine unbeschwerte und oft zynische Haltung gegenüber dem Kunstschaffen eingenommen zu haben. Obwohl dies ihn bei vielen seiner ernsteren Kollegen anecken ließ, erscheint diese Haltung, die zwischen dem Toleranten und dem Skeptischen schwankt, so resonant.

Bekannte Kunstwerke von Francis Picabia

La Danse a la Source, 1912

Picabia traf Marcel Duchamp um 1911, und La Danse a la Source, das Duchamps Akt, eine Treppe herabsteigend Nr. 2 wiedergibt, weist auf die wichtigen Auswirkungen hin, die dieses Treffen auf ihn hatte.

Es gilt als eines der besten Beispiele für Picabias abstrakte Kunst, die seine innere Wahrnehmung durch geometrische Formen ausdrückt. Picabia ist besonders daran interessiert, Bewegung auf Leinwand darzustellen. Er versuchte, das Gleichgewicht zwischen dem Figurativen und Abstrakten, dem Statischen und dem Dynamischen darzustellen.

Mit leuchtenden Farben und zerstückelten kantigen Flächen malte er die Bewegung und die Aufregung eines bäuerlichen Tanzes, während er auf seinen Flitterwochen auf dem Land in Italien war.

Zwei Versionen des Bildes wurden gemalt, aber eine ist verloren. Diese Version wurde 1913 auf der wichtigen Armory Show in New York ausgestellt.

Parade Amoureuse, 1917

Picabias mechanomorphe Bilder suggerieren Analogien zwischen Maschinen und der menschlichen Form. Für die zeitgenössischen Betrachter waren sie empörend in ihrer Ablehnung der Idee der menschlichen Seele und ihrer Betonung von Instinkten und Zwängen.

In dieser Arbeit vermischte Picabia Mann und Frau; der obere Teil in Rot könnte als weiblich und der untere Teil in Blau als männlich eingestuft werden. Der Betrachter kann sich den Klang des Hämmerns und die Idee einer "Klangskulptur" oder eines Musikinstruments vorstellen.

Das berühmteste Beispiel für die männlichen und weiblichen mechanisierten Formen, die ihre Bewegungen vollziehen und doch für immer getrennt sind, ist Marcel Duchamps Le Grand Verre (1915-1923) - eines der wichtigsten Kunstwerke der modernen Kunst.

Deux femmes nues au bulldog, 1941-1942

Picabia war schon immer von der Populärkunst fasziniert und setzte sie oft ein, um die gravierende Ernsthaftigkeit und die formalen Anliegen der modernen Kunst zu untergraben.

In diesem Gemälde verwendete er Pin-ups aus den "nudie"-Magazinen der 1930er Jahre. Obwohl viele glauben, dass diese Serie entgeltlich gemalt wurde, haben seine engen Freunde behauptet, dass Picabia immer das gemalt hat, was er wollte, und dass sie nicht als Unregelmäßigkeiten in seiner Karriere angesehen werden können.

Kuratoren nach dem Krieg legten sie oft beiseite, um Picabias Jahre des Dadaismus zu feiern, doch seit den 1980er Jahren sind diese Bilder ein wichtiger Einfluss auf Künstler von David Salle bis John Currin, die von ihrer frühen Annäherung an den Kitsch fasziniert waren.