Futurismus in der Kunst – Kernideen, Entstehung und wichtige Kunstwerke

Der Futurismus, die bedeutendste italienische Avantgarde-Kunstbewegung des 20. Jahrhunderts, setzte sich mit neuen Technologien und der urbanen Modernität auseinander.

Die Verfechter des Futurismus wollten ältere Kulturformen hinter sich lassen und die Schönheit des modernen Lebens demonstrieren – die Schönheit der Maschine, der Geschwindigkeit und der Veränderung.

Obwohl die Kunstrichtung einige Architekten bekannt machte, waren die meisten ihrer Anhänger Künstler, die sich mit traditionellen Medien wie der Malerei und Skulptur beschäftigten. Dabei gingen sie mit einer Bandbreite von Stilen ans Werk, die vom Post-Impressionismus inspiriert waren.

Dennoch waren sie daran interessiert, populäre Medien und neue Technologien zur Kommunikation ihrer Ideen zu nutzen. Ihre Begeisterung für die Moderne und die Maschine veranlasste sie schließlich, das Aufkommen des Ersten Weltkriegs zu feiern.

Bis zu ihrem Ende wurde die Gruppe weitgehend als wichtige Avantgarde aufgefasst, obwohl sie bis in die 1920er Jahre anhielt. In dieser Zeit setzten sich einige Mitglieder der Gruppierung für den Faschismus ein, wodurch sie eine Sonderstellung in der Kunst des frühen 20. Jahrhunderts einnimmt.

Kernideen und Entwicklung des Futurismus

Die Futuristen waren fasziniert von den Problemen der Darstellung moderner Erfahrungen und strebten danach, dass ihre Bilder alle möglichen Empfindungen hervorrufen würden und eben nicht nur die, die für das Auge sichtbar sind. Die futuristische Kunst in ihrer besten Form erinnert an den Lärm, die Hitze und sogar an den Geruch der Metropole.

Im Gegensatz zu vielen anderen modernen Kunstrichtungen wie dem Impressionismus oder dem Pointillismus wurde der Futurismus nicht sofort mit einem unverwechselbaren Stil identifiziert. Stattdessen arbeiteten die Anhänger auf vielfältige Art und Weise und nutzten verschiedene Elemente des Post-Impressionismus und entwickelten sie weiter.

Darunter waren vorwiegend Eigenschaften aus dem Symbolismus und dem Divisionismus. Erst 1911 entstand ein unverwechselbarer futuristischer Stil, der sich als vom Kubismus beeinflusst identifizieren ließ.

Die Futuristen waren fasziniert von der neuen visuellen Technologie, insbesondere der Chronofotografie, einem Vorläufer der Animation und des Kinos, die es ermöglichte, die Bewegung eines Objekts über eine Reihe von Bildern zu zeigen. Diese Technologie war ein wichtiger Einfluss ihres Ansatzes, Bewegung in der Malerei zu zeigen und förderte eine abstrakte Kunst mit rhythmischen Eigenschaften.

Der Futurismus begann mit seiner Transformation der italienischen Kultur am 20. Februar 1909 mit der Veröffentlichung des Futuristischen Manifests, geschrieben vom Schriftsteller Filippo Tommaso Marinetti.

Das Manifest erschien auf der Titelseite von «Le Figaro», der damals größten französischen Tageszeitung, was den Wunsch der Bewegung zum Ausdruck brachte, moderne und populäre Kommunikationsmittel zur Verbreitung ihrer Ideen einzusetzen.

Die Gruppe würde im Laufe der Jahre weitere Manifeste herausgeben. Um ihren Geist zusammenzufassen, wurde das «Maschinenzeitalter» als Sinnbild des Siegeszugs der Technologie über die Natur und der Kampf mit früheren künstlerischen Traditionen gefeiert.

Marinettis Ideen wurden von Künstlern wie Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Gino Severini und Carlo Carrà unterstützt, die glaubten, dass sie in eine moderne, figurative Kunst übersetzt werden könnten, die sich mit den Eigenschaften von Raum und Bewegung beschäftigt.

Die Bewegung des Futurismus konzentrierte sich zunächst auf Mailand, breitete sich aber schnell auf Turin, Neapel und Rom aus und wurde in den folgenden Jahren von Marinetti energisch im Ausland gefördert.

Späte Entwicklungen und Auswirkungen

1913 nutzt Boccioni die Skulptur, um die Dynamik der Futuristen weiter zu artikulieren. «Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum» (1913) veranschaulicht kraftvolles Handeln sowie die Beziehung zwischen Objekt und Umgebung. Das Stück war ein Durchbruch für die futuristische Bewegung, aber nach 1913 begann die ohnehin lose Gruppierung zu zerfallen, als ihre Mitglieder ihre eigenen persönlichen Positionen entwickelten.

1915 trat Italien in den Ersten Weltkrieg ein, bis zu dessen Ende Boccioni und der futuristische Architekt Antonio Sant’Elia verstarben. Nach dem Krieg verlagerte sich das Zentrum der Bewegung von Mailand nach Rom. Severini malte weiterhin im unverwechselbaren futuristischen Stil, und die Bewegung blieb bis in die 1920er Jahre aktiv, aber die Energie, die sie einst hatte, war auf der Strecke geblieben.

Dennoch hat der Futurismus außerhalb Italiens wichtige Entwicklungen ausgelöst. Eine Synthese aus dem pariser Kubismus und dem italienischen Futurismus war in Russland von etwa 1912 bis 1920 besonders einflussreich und inspirierte Künstler wie Kazimir Malewitsch oder Natalia Gontscharowa.

Die Entwicklungen in Russland machten die Bewegung sehr unterschiedlich von der italienischen Form, weshalb verschiedene Aspekte davon manchmal auch als Kubofuturismus beschrieben werden. Der Kubofuturismus hatte auch einen Einfluss auf die englische Kunst, wo er den Vortizismus mit auslöste.

Obwohl sich die Wirkung des italienischen Futurismus auf die bildende Kunst konzentrierte, inspirierte er Künstler in anderen Formen der Kunst: Wladimir Majakowski war wichtig für die Entwicklung einer futuristischen Literatur in Russland; der italienische Architekt Antonio Sant’Elia entwickelte eine futuristische Architektur und Luigi Russolo verlagerte sich von der Malerei zu Musikinstrumenten und schrieb später das Manifest «L’arte dei Rumori» (1913), das seither ein wichtiger Bezugspunkt für avantgardistische Musik ist.

Obwohl ein Großteil der Kräfte bereits in den 1920er Jahren die Bewegung verlassen hatte, wurde die futuristische Ästhetik auch ein Teil der Mischung, die später das Art Deco inspirierte.

Konzepte und Stile

Die italienische Gruppe entwickelte nur langsam einen eigenständigen Stil. In den Jahren vor der Entstehung der Bewegung hatten ihre Mitglieder in einer Bandbreite von Stilen gearbeitet, die vom Post-Impressionismus inspiriert waren, und das taten sie auch weiterhin.

Einflüsse des Divisionismus

Severini war typisch für sein Interesse am Divisionismus, der darin bestand, Licht und Farbe in eine Reihe von gepunkteten Punkten und Streifen zu zerlegen und die Bildebene in Segmente zu zerlegen, um ein vieldeutiges Gefühl der Tiefe zu erreichen. Der Divisionismus wurzelte in der Farbtheorie des 19. Jahrhunderts und den pointillistischen Werken von Malern wie Georges Seurat.

Orientierung an Technologie, Geschwindigkeit und Kraft

Im Jahr 1911 wurden in Mailand in der «Esposizione d’Arte Libera» futuristische Gemälde ausgestellt, und es wurden Einladungen an alle versendet, die etwas Neues fernab von Nachahmungen und Ableitungen erschaffen wollten. Die Gemälde zeigten fadenförmige Pinselstriche und eine stark verschlüsselte Farbe, die den Raum als zersplittert und gebrochen darstellte. Themen und Motive konzentrierten sich auf Technologie, Geschwindigkeit und Gewalt, und nicht auf Porträts oder einfache Landschaften.

Zu den Gemälden gehörte Boccionis «Die Stadt erhebt» sich (1910), ein Bild, das aufgrund seines fortgeschrittenen, kubistisch beeinflussten Stils als erstes futuristisches Gemälde gelten kann. Die öffentliche Resonanz war gemischt. Französische Kritiker aus Literatur- und Kunstkreisen äußerten sich ablehnend, während viele die innovativen Inhalte lobten.

Kubistische Einflüsse und die Chronofotografie

Boccionis Begegnung mit der kubistischen Malerei in Paris hatte einen wichtigen Einfluss auf ihn, den er zurück zu seinen Kollegen in Italien trug. Dennoch behaupteten die Futuristen, den Stil abzulehnen, da sie glaubten, dass er zu sehr von statischen Objekten und nicht genug von der Bewegung der modernen Welt bestimmt sei. Es war ihre Faszination für Bewegung, die ihr Interesse an der Chronofotografie weckte. Balla war von der Technik besonders begeistert, und seine Bilder rufen manchmal rasante Animationen hervor, bei denen Objekte durch Bewegung verschwommen sind.

Wie es im Technischen Manifest der futuristischen Malerei heißt: «Aufgrund der Beständigkeit eines Bildes auf der Netzhaut vermehren sich bewegte Objekte ständig; ihre Form ändert sich wie schnelle Vibrationen. So hat ein laufendes Pferd nicht vier Beine, sondern zwanzig, und seine Bewegungen sind dreieckig.» Anstatt eine Handlung als eine Leistung eines einzelnen Gliedes wahrzunehmen, sahen die Futuristen Handlung als die Konvergenz von Zeit und Raum verschiedener Extremitäten in sich.

Wichtige Kunstwerke und Künstler des Futurismus

Die folgenden Kunstwerke sind die wichtigsten im Futurismus – sie geben sowohl einen Überblick über die wichtigsten Ideen der Bewegung als auch über die großartigsten Leistungen jedes einzelnen Künstlers im Futurismus.

Die Stadt erhebt sich (1910)

Künstler: Umberto Boccioni Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: «Die Stadt erhebt sich» gilt häufig als das erste futuristische Gemälde. Boccioni veranschaulicht hier den Bau einer modernen Stadt. Das Chaos und die Bewegung in dem Stück ähneln einer Kriegsszene, denn tatsächlich wurde der Krieg im Futuristischen Manifest als einziges Mittel zum kulturellen Fortschritt dargestellt.

Das große Pferd rast in den Vordergrund, während mehrere Arbeiter darum kämpfen, es zu bändigen, was auf die Spannung zwischen Mensch und Tier hinweist. Das Pferd und die Figuren sind verschwommen und vermitteln schnelle Bewegungen, während andere Elemente, wie die Gebäude im Hintergrund, realistischer dargestellt werden. Gleichzeitig schwankt die Perspektive in verschiedenen Abschnitten des Bildes dramatisch.

Die Arbeit zeigt Einflüsse des Kubismus, Impressionismus und Post-Impressionismus, die sich in den Pinselstrichen und der gebrochenen Darstellung des Raumes zeigen.

Bewegungsrhythmus eines Hundes an der Leine (1912)

Künstler: Giacomo Balla Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Balla war fasziniert von der Chronofotografie, einer altbewährten Technik, bei der die Bewegung über mehrere Bilder hinweg demonstriert wird. Dies ermutigte Balla, neue Wege zu finden, Bewegung in der Malerei darzustellen, und der «Bewegungsrhythmus eines Hundes an der Leine» ist vielleicht sein berühmtestes Experiment.

Die Arbeit zeigt eine Frau, die mit einem kleinen schwarzen Hund spazieren geht, die Bewegung brach in einen einzigen Moment zusammen. Balla zeigt eine Nahaufnahme der Füße und artikuliert die Aktion im Prozess, indem er opake und halbtransparente Formen kombiniert.

Der Radfahrer (1913)

Künstlerin: Natalja Gontscharowa Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Gontscharowa war eine führende Figur der russischen Vorkriegsavantgarde, eine Malerin, Illustratorin, Bühnen- und Kostümbildnerin und Autorin.

Als Ehefrau eines anderen führenden russischen Künstlers, Michail Larionow, war sie eine bedeutende Figur in der Gruppe «Eselsschwanz«, die für die Verbreitung des Einflusses des Kubofuturismus in Russland entscheidend war. Sie ließ sich zunächst von der russischen Volkskunst inspirieren und integrierte oft traditionelle Motive in kubistisch gestaltete Bilder.

In «Radfahrer» wurden die Beine und Füße des Radfahrers vervielfacht, was die Geschwindigkeit eines sich bewegenden Objekts symbolisiert. Wie im Futuristischen Manifest festgehalten «vervielfältigen sich bewegte Objekte aufgrund der Beständigkeit eines Bildes auf der Netzhaut ständig; ihre Form ändert sich wie schnelle Schwingungen». Der Text im Gemälde verweist auf Gontscharowas Interesse am Schreiben und Grafikdesign.

Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum (1913)

Künstler: Umberto Boccioni Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Frustriert von den Einschränkungen der Leinwand fand Boccioni es effektiver, futuristische Bewegungsprinzipien in einer dreidimensionalen Form zu veranschaulichen.

«Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum» fangen die Essenz einer Figur in Bewegung ein, die in geometrischen Formen wiedergegeben wird, die eine mühelose Anmut und Geschwindigkeit vermitteln. Drapierte Kleidung scheint im Wind zu wehen, während die Roboterfigur voranschreitet und dabei sehr aerodynamisch wirkt.

Als Hommage an Auguste Rodin ist Boccionis Skulptur armlos und verweist auf den unvollständigen gehenden Menschen und die klassische griechische Statue der Nike von Samothrake.