7 gruselige Gemälde – Die furchteinflößendsten Werke der Kunst
Gemälde, die dir wie ein kalter Schauer über den Rücken laufen
Gruselige Gemälde sind nichts für schwache Nerven. In der Geschichte der Kunst gibt es einige Künstler, die ihre dunklen Gedanken und Emotionen in schreckenerregenden Gemälden festgehalten haben.
Sieben der angsteinflößendsten und gleichzeitig beeindruckendsten Werke sehen wir uns diesem Artikel einmal genauer an.
Paul Cézanne, Schädelpyramide, ca. 1901
Der Meister der modernen Kunst Paul Cézanne malte die Schädelpyramide um die Jahrhundertwende. Dieses Stück, das nur einen Stapel menschlicher Schädel als Motiv zeigt, ist eine bedrohliche Alternative zu den traditionelleren Stillebenbildern des Künstlers aus Früchten und Flaschen.
Während eine solche unheimliche Ikonographie für den Post-Impressionismus nicht typisch war, hatten Künstler seit der Antike Schädel und andere Symbole der Sterblichkeit in die Stilllebenkomposition integriert. Definiert als «Memento mori»-Stillleben oder als «Vanitas«-Motiv, konzentriert sich dieses Genre der Malerei auf die flüchtige Natur des Lebens.
Als er sich dem Alter näherte, wurde Cézanne immer faszinierter vom Tod. Von 1898 bis zum Ende seines Lebens 1905 malte Cézanne mehrere Stillleben von Schädeln. Während sich die meisten dieser Darstellungen nicht nur auf die Skelettobjekte konzentrieren, stellt die Schädelpyramide sie in den Vordergrund und zwingt den Betrachter, sich ihnen zu stellen und so über den Tod nachzudenken. «Diese knöchernen Gesichter greifen den Betrachter fast an», sagte die Kunsthistorikerin Françoise Cachin, «und zeigen eine Durchsetzungsfähigkeit, die im Widerspruch zur üblichen Zurückhaltung der häuslichen Stillleben-Tableaus steht».
Francisco Goya, Saturn verschlingt seinen Sohn
Zwischen 1819 und 1823 schuf der spanische Künstler Francisco Goya seine «Schwarzen Bilder» (Pinturas Negras), eine Serie von 14 besonders gruseligen Gemälden. Zu den berühmtesten dieser beängstigenden Kunstwerke gehört Saturn verschlingt seinen Sohn, ein grausames Bild eines Vaters, der sich an seinem Kind ergötzt.
Nach der römischen Mythologie war Saturn der Anführer der Titanen und der Gott der Aussaat. Saturn stürzte seinen Vater, Kaelus, in dem Bestreben, Herrscher des Universums zu werden. Aus Angst, dass sein eigener Nachwuchs das Gleiche tun würde, tötete und verzehrte er jedes Kind kurz nach der Geburt – eine Gräueltat, die Goya in diesem Schwarzen Gemälde darstellen wollte.
Goya hat diese Serie nicht für die Öffentlichkeit geschaffen. Tatsächlich sollten sie sein eigenes Haus schmücken, wobei Saturn seinen Sohn verschlingt im Esszimmer hing.
Eine gruselige, krabbelnde Kreatur
1887 schuf der französische Symbolist Odilon Redon «L’Araignée souriante» (Die lächelnde Spinne), eine Lithographie eines ungewöhnlichen Spinnentieres mit zehn Beinen. Dennoch, selbst mit diesem zusätzlichen Satz Gliedmaßen, ist das Seltsamste an dieser Spinne ihr beunruhigendes Grinsen, das der Künstler mit einer Reihe winziger Zähne beschrieben hat.
Die lächelnde Spinne ist eine von vielen Noirs oder «Schwarzen», die Redon zwischen 1870 und 1890 geschaffen hat. Diese Arbeiten, die in Holzkohle und als Lithographien wiedergegeben werden, veranschaulichen das Interesse des Künstlers am Obskuren und sind vor allem von Dunkelheit geprägt – sowohl in Farbe als auch in der Materie.
«Schwarz ist die wichtigste Farbe», sagte Redon. «Es vermittelt die Vitalität eines Wesens, seine Energie, seinen Verstand, etwas von seiner Seele, die Reflexion seiner Sensibilität. Man muss Schwarz respektieren. Nichts stört es. Es gefällt dem Auge nicht und weckt keine Sinnlichkeit. Es ist der Agent des Geistes, weit mehr als die schönste Farbe der Palette oder des Prismas.»
Der lauteste Schrei der Kunstgeschichte
Der Expressionist Edvard Munch ist bekannt für seine dunklen und düsteren Gemälde und Grafiken. Von 1893 bis 1910 schuf er sein berühmtestes Meisterwerk: Der Schrei, eine Serie von 4 Werken.
Während dieser 17-jährigen Periode erschuf Munch «Der Schrei» in Buntstift, Temperafarbe und Ölkreide. Während die Medien von Stück zu Stück variieren, hat jedes einzelne das gleiche Thema: eine mysteriöse Figur, die auf einer Brücke steht und sein Gesicht hält, während sie schreit.
Obwohl diese Szene traumhaft wirkt, wurde sie eigentlich von einem realen Ort inspiriert – und einem besonders beängstigenden Phänomen.
- «Der Schrei» in umfangreicher Analyse
Gruselige Gemälde von Frida
Die mexikanische Malerin Frida Kahlo ist bekannt für ihre Sammlung von 55 Selbstporträts. Während ihre bekanntesten Werke die Künstlerin als Erwachsene zeigen, porträtierte sie sich auch als Kind in Mädchen mit Totenmaske.
Diese besondere Arbeit zeigt ein junges Mädchen, das vor einer kargen Landschaft steht. In ihrer Hand hält sie eine einzige gelbe Blume und trägt auf ihrem Gesicht eine Totenkopfmaske. Beide Requisiten sind charakteristisch für die Día de los Muertos – Den Tag der Toten – und regen den Betrachter zur Reflexion über Themen rund um den Tod an. Schließlich ruht eine tierische Maske zu ihren Füßen und fügt dem kühlenden Gemälde noch mehr Geheimnisvolles hinzu.
«Mädchen mit Totenmaske» wurde 1938 gemalt, also ein Jahr vor ihrer dramatischen Scheidung vom Künstler Diego Rivera. Wie viele Werke, die in dieser Zeit entstanden sind, wurde auch dieses Stück wahrscheinlich von Kahlos Gefühlen der Isolation und Einsamkeit inspiriert.
Nur ein schlechter Traum?
Henry Fuseli war eine der Hauptfiguren der Romantik, einer Kunstrichtung des 19. Jahrhunderts, die von einer verträumten Ikonographie geprägt ist. In seinem berühmtesten (und treffendsten) Gemälde, «Der Nachtmahr«, taucht Fuseli in die beängstigende Seite des Unterbewusstseins ein.
Dieses wirbelnde Kunstwerk zeigt eine schlafende Frau mit einem Inkubus – ein männlicher Dämon, der Frauen ausnutzt – während er auf ihrem Körper sitzt. Ein geisterhaftes Pferd taucht hinter einem roten Samtvorhang auf und bildet den einzig wahrnehmbaren Teil des geschwärzten Hintergrunds.
Die meisten Kunsthistoriker glauben, dass «Der Nachtmahr» von deutschen Volksmärchen inspiriert wurde. Der Legende nach wurden Männer, die allein schliefen, von Pferdegeistern besucht, während einsame Frauen von Dämonen oder dem Teufel besessen waren. Indem Fuseli diese beiden beängstigenden Figuren in die Komposition einbezieht, stellt Fuseli visuell die Manifestation eines lebendigen Albtraums dar.
Der Garten der Lüste
Obwohl er vor 500 Jahren lebte, war Hieronymus Bosch schon damals ein Meister des Makabren. Der Künstler der altniederländischen Renaissance ist bekannt für seine surrealen Gemälde von Orten des Jenseits, wie dem fantastischen und beängstigenden Triptychon «Der Garten der Lüste».
Über die Ursprünge dieses gruseligen Gemäldes ist zwar wenig bekannt, aber es bleibt das nachklingendste Kunstwerk von Bosch. Mit hybriden Tieren, Scheinmaschinen und allem dazwischen findet die chaotische Malerei ein perfektes Gleichgewicht zwischen auffälliger Eigenart und albtraumverursachendem Schrecken. Siehst du dir das Werk einmal im Detail an, wirst du es sicher auch als gruseliges Gemälde wahrnehmen:
