KunstMalerei

Impressionismus – Die bekannteste Stilrichtung der französischen Kunstgeschichte

Alle Informationen über die Eigenschaften des Impressionismus

Impressionismus Hero MonetMonet, Impression, Sonnenaufgang, 1872
209Views

Der Impressionismus ist wohl die berühmteste französische Kunstrichtung aller Zeiten. Der eigentliche Name “Impressionismus” wurde vom französischen Kunstkritiker Louis Leroy geprägt, nachdem er 1874 die erste Ausstellung der impressionistischen Malerei besucht hatte, wo er Impression: Soleil Levant (1872) von Claude Monet sah. Ironischerweise entschied sich Monet erst bei der Fertigstellung des Ausstellungskatalogs für den Titel und nannte die Arbeit beinahe “View of the Harbour in Le Havre” Insgesamt veranstalteten die Impressionisten zwischen 1874 und 1882 sieben Ausstellungen, alle in Paris.

Der Impressionismus, der erstmals in den späten 1860er und frühen 1870er Jahren in Paris aufkeimte, wurde zunächst nicht als etwas Besonderes anerkannt. Viele der Mitglieder der Gruppe standen im Widerspruch zum offiziellen Salon, dem Organisationsgremium der Französischen Akademie der Bildenden Künste, dessen Jury mit unvorhersehbarer Härte vorging.

Obwohl andere Maler von einigen der frühen Werke beeindruckt waren, wurde der Impressionismus weder von Kunstkritikern, Sammlern noch von der Öffentlichkeit als bedeutender Malstil wahrgenommen. Infolgedessen litten die meisten impressionistischen Maler unter schweren finanziellen Schwierigkeiten, während sie um Aufmerksamkeit und Aufträge von Auftraggebern und Kritikern kämpfen mussten. Trotz Freundschaften mit führenden Persönlichkeiten aus anderen Bereichen der bildenden Kunst war die gegenseitige Unterstützung und Zusicherung innerhalb der Gruppe der entscheidende Faktor für das Fortbestehen.

Hauptmerkmal des Impressionismus

Kathedrale von Rouen Monet
Claude Monet, Kathedrale von Rouen, 1893

Der reine Impressionismus, wie er von Monet befürwortet wurde, war die Freilichtmalerei, die sich durch schnelle, spontane und lose Pinselstriche auszeichnet. Herausragende Beispiele sind seine Gemäldeserien mit der Kathedrale von Rouen, der Waterloo Bridge, dem Gare Saint-Lazare und selbstverständlichen seine Seerosen-Sammlung, eine der großflächigsten Bilderserien aller Zeiten. Ihr Leitprinzip war die realistische Darstellung des Lichts; impressionistische Künstler versuchten, flüchtige Momente festzuhalten und wenn in diesen Momenten ein Objekt orange erschien – durch das fallende Licht oder dessen Reflexion – dann wurde das Objekt orange gemalt. Wenn die Sonne die Oberfläche eines Teiches rosa werden ließ, dann wurde diese Impression rosa dargestellt. Naturwissenschaftliche Farbschemata, die in der Theorie oder zumindest im Studio entwickelt wurden, ließen dies nicht zu. Lose Pinselführung, gepaart mit einer nicht-naturwissenschaftlichen Farbgebung gab der Bewegung einen revolutionären Vorteil und öffnete den Weg für die Strömungen des Expressionismus und Fauvismus.

Zu den wichtigsten Prioritäten der Impressionisten gehörten:

  • Die sofortige und optisch genaue Darstellung einer Szene
  • Die Ausführung des gesamten Werkes unter freiem Himmel (keine Vorbereitungsskizzen und keine sorgfältige Fertigstellung im Atelier)
  • Die Verwendung von reiner Farbe auf der Leinwand, anstatt zuerst auf der Palette gemischt zu werden
  • Die Verwendung von kleinen Strichen und Tupfern aus bunter Farbe
  • Die Verwendung von Licht und Farbe, um ein Bild zu vereinheitlichen, anstelle der traditionellen Methode, allmählich ein Bild durch Umriss und Modellierung mit Licht und Schatten aufzubauen.

Die Wurzeln des Impressionismus liegen im Naturalismus von Camille Corot und den Pleinair-Malereien der Barbizon-Schule zu Beginn des 19. Jahrhunderts unter der Leitung von Theodore Rousseau.

Intention des Impressionismus

Claude Monet, The Gare Saint-Lazare
Claude Monet, The Gare Saint-Lazare, 1877

Niemand hatte jemals die wahre Farbe von Sonne und Schatten gemalt, und kaum jemand hatte es für sinnvoll gehalten, anzunehmen, dass die Dichte der Luft nicht immer konstant ist, dass ein Bild gemalt werden könnte, zum Beispiel von einer Landschaft, die durch einen starken Nebel oder Nebel gesehen wird.

Aber diese beiden visuellen Entdeckungen waren im Grunde genommen Teilbereiche einer größeren Entdeckung. Was die Impressionisten taten, fast ohne es zu wissen, war, das Phänomen der Flüchtigkeit zu erkennen. Der Künstler, der seine Leinwand ins Freie trägt und versucht, jede Nuance dessen, was sein Auge sieht, festzuhalten, ist in einer ganz anderen Stimmung als der Künstler, der sein Bild in seinem Atelier aus einer Reihe von Vorbereitungsskizzen oder Studien konstruiert.

Für Monet, der an einem Bild der Kathedrale von Rouen arbeitete, war das, worauf seine Augen trafen, kein gotisches Bauwerk, sondern eine Lufthülle von einer bestimmten Dichte, durch die die Kathedrale zu sehen war und durch die ihr Aussehen bei jeder Lichtverlagerung verändert wurde. Für ihn änderte sich daher sein eigentliches Motiv zu jeder Tageszeit. Da der Schwerpunkt in jeder impressionistischen Malerei auf dem Moment liegt, war es selbstverständlich, dass Impressionisten bewusst nach temporären Effekten suchten. In einem Gemälde von Monet vom Eingang zum Gare St. Lazare sind die fesselndsten Merkmale nicht die Eisenbrücke und das dahinter liegende Gebäude, sondern der Dampf, der unter der Brücke hindurchgeht, und die Lokomotive, die bewusst ganz links platziert wurde, um den Eindruck zu erwecken, dass sie das Bild verlässt.

Solche ausgesuchten Momente sind der Grundgedanke jener Landschaften von Monet, Pissaro und Sisley, in denen man sich immer der Tageszeit, der Jahreszeit, der genauen Stärke des Sonnenlichts oder der Dichte der Atmosphäre bewusst ist.

Die Impressionismusbewegung liefert das klarste Beispiel in der Geschichte für eine neue visuelle Entdeckung, die im Geiste der reinen Forschung gemacht wurde und langfristig eine neue Art von Schönheit hervorbrachte. In seiner reinsten Form malte er nur das, was das Auge sah. “Monet ist nur ein Auge. Aber was für ein Auge”, sagte Cezanne und fasste damit versehentlich die Vor- und Nachteile der ganzen Schule ein.

Die sieben bedeutendsten Maler des Impressionismus

Claude Monet rückte in den Mittelpunkt der Kunstrichtung. Unterstützt vom Küsten- und Strand-Impressionisten Eugene Boudin führte er das impressionistische Konzept mit großer Sorgfalt durch. Sein oberstes Bestreben war das der völligen Objektivität. Wenn sich die Natur während einer Viertelstunde abseits der Norm verhielt, würde Monet ihr blind in einen Sumpf des schlechten Geschmacks folgen. Sein eigener Sinn für Farbharmonie war manchmal bedauernswert. Allerdings hatte er das größte Wissen über die Plein-Air-Malerei und brachte sehr fortschrittliche Ideen zur Landschaftsmalerei in den impressionistischen Wirkungskreis.

Camille Pissarro war der produktivste Grafiker der Gruppe und der einzige, der bei allen impressionistischen Ausstellungen vertreten war. Als lebenslanger Anarchist verdiente er fast kein Geld und seine emotionale Bindung an bestimmte Farben und Szenen führte dazu, dass er nicht dieselbe rücksichtslose, objektive Einstellung zur Malerei hatte wie Monet.

Im Vergleich dazu lebte der Einzelgänger Alfred Sisley einen bürgerlichen Lebensstil und konnte erst im mittleren Alter von seiner Kunst leben. Er war ein ebenso guter Beobachter wie Monet, aber seine Bandbreite war geringer: Er begnügte sich damit, die “normalen” Lichtverhältnisse aufzunehmen. Diese drei Maler – Monet, Pissarro und Sisley – bildeten die Stoßtruppe der impressionistischen Landschaftsmalerei.

Manet (1832-83) wurde von den anderen impressionistischen Malern hochgeschätzt. Er war mit dem französischen Kaiser verwandt und bereits im Alter von 29 Jahren wurde er zur Leitfigur des Realismus, bevor er sich dem Impressionismus näherte. Bekannt für seine moderne Herangehensweise an die Ölmalerei und seine revolutionäre Neuinterpretation neoklassischer Themen, ging es ihm vor allem darum, vom Salon wieder akzeptiert zu werden. Vor ihm war Velazquez vielleicht der einzige Maler, der sein eigenes Temperament so unter Kontrolle hielt, sodass Manet als Hommage an Velazquez seine berüchtigte Olympia malte. Er war sich der Wirkung des Lichts stärker bewusst als Velazquez, aber abgesehen von seinen späteren Skizzen im Freien wandte er nicht die “divisionistische” Technik an, mit der Monet versuchte, die Schwingung des Lichts zu erzeugen.

Degas (1834-1917) interessierte sich nicht besonders für die Wirkung des Lichts, aber er war fasziniert von etwas ebenso Flüchtigem – den unvorhergesehenen Gesten des Alltags. Sein Auge stürzte sich mit der Schnelligkeit eines Falken auf solche Gesten und er verlieh ihnen einen zusätzlichen Hauch von Natürlichkeit. Die Kamera kann kein Bild aussuchen. Sie nimmt nur einen Teil von dem, was vor ihr liegt, und schneidet es wie ein Stück Kuchen ab. Sie hat keine Hemmungen, z.B. direkt durch eine Figur zu schneiden; sie hat keinen Gleichgewichtssinn, keinen Sinn für Symmetrie. Aus dieser zufälligen Behandlung entwickelte Degas ein neues System der Komposition. Er erweckt den Eindruck einer Momentaufnahme, lässig und zufällig, aber trotz allem hat sein Design nichts Lässiges. Er verstand es, eine subtile Kunst zu schaffen, die ungezwungen und natürlich wirkt. Seine Charaktere wirken so, als würden sie unbemerkt aufgenommen werden, ohne so zu wirken, als wären sie in der Mitte ihrer Geste eingefroren worden.

Degas’ fähigster Anhänger war der Engländer Walter Sickert, der, ohne Degas’ falkenartigen Trieb zu haben, das Leben auf die gleiche Weise sah. Degas nahm die Gesten des Alltags mit einem gewissen Maß an Desillusionierung auf; Sickert tat es mit einer Art malerischem Lächeln. Zwei Jahre jünger als Manet, kam Degas aus dem gleichen sozialen Umfeld. Die beiden Maler, beide reine Stadtmenschen, wurden Freunde und besuchten die gleichen Kreise in der Pariser Gesellschaft. Degas war wohl der vielschichtigste Maler aller Begründer der impressionistischen Kunst: Zuerst hasste er die Pleinair-Malerei und arbeitete bevorzugt in seinem Atelier, wo er eine erstaunliche Vielseitigkeit in Zeichnung, Aquarell, Pastell und Skulptur zeigte.

Ein weiterer Künstler, der aus einer vermögenden Familie kam, war Paul Cezanne (1839-1906), Sohn eines Bankiers aus Aix. Aufgrund seiner Schüchternheit und südlichen, rustikalen Art hatte er Probleme in der Pariser High Society. Als er 1895 in Paris eine große Ausstellung hatte, hatte er 20 Jahre lang kein Bild in der Stadt ausgestellt.

Auguste Renoir (1841-1919), der aus einer sehr armen Familie kam, musste buchstäblich verhungern, um als Künstler erfolgreich zu sein. Er wurde von Narcisse Diaz, einer der Gründerinnen der Barbizon School, unterstützt und arbeitete eng mit Monet an Landschaften, bevor er sich in die Studioarbeit mit Porträt- und figurativer Malerei begab. Trotz früherer Ähnlichkeiten war Renoirs Kunst anders als die von Monet. Es ging nicht wirklich um flüchtige Momente oder flüchtige Darstellungen von Licht. Renoirs Sonnenschein ist immerwährend, sogar seine weiblichen Akte sind zeitlos. Es sind Frauen, die so gesehen werden, wie ein Kind seine Mutter sehen könnte: weich, strahlend und ewig. Insofern könnte man sagen, dass Renoir eher Teil des Hauptstroms des Impressionismus als des revolutionären Impressionismus ist.