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Inspiration für Kreative und Kreatives

Keith Haring 1986
Maler

Keith Haring – Biografie, Werke und Einfluss auf die Kunst

Foto: Nationaal Archief / CC BY 4.0

Keith Haring ist einer der einflussreichsten Künstler der jüngeren Kunstgeschichte.

Er machte die Street Art salonfähig und stieß mit seinen kritischen Botschaften Veränderungen in Gesellschaft und Politik an. Weltbekannt ist er für seinen Cartoon-artigen Stil, mit denen er Themen wie die Tabuisierung homoerotischer Kunst, der nicht vorhandenen Akzeptanz der AIDS-Krise und die Unterdrückung der südafrikanischen Gesellschaft durch eine weiße Minderheit in die Öffentlichkeit rückte.

In diesem Artikel sehen wir uns die spannende, leider viel zu kurze Biografie des Künstlers an, besprechen und interpretieren 5 seiner bekanntesten Werke und kommen auf das immense künstlerische Vermächtnis Harings zu sprechen.

Keith Haring Biografie

Kindheit

Keith Haring wurde am 4. Mai 1958 in Reading, Pennsylvania, geboren, wuchs aber im nahe gelegenen Kutztown, Pennsylvania, auf. Er entdeckte schon in jungen Jahren die Liebe zum Zeichnen und lernte von seinem Vater grundlegende Fertigkeiten im Zeichnen von Cartoons.

Wie viele Kinder seiner Generation war er ein Bewunderer der beliebten Zeichentrickfilme von Disney und den Looney Toons.

Frühzeitige künstlerische Förderung

Nach der High School 1976 schrieb sich Haring an der Ivy School of Professional Art in Pittsburgh ein. Nach nur zwei Semestern erkannte er, dass er kein Interesse daran hatte, Werbegrafiker zu werden und schmiss das Studium.

Trotzdem blieb Haring vorübergehend in Pittsburgh und lernte weiterhin auf eigene Faust.

Wichtigste Einflüsse zu dieser Zeit war eine Retrospektive über Pierre Alechinsky und ein Vortrag von Christo, dem berühmten Bildhauer und Konzeptkünstler. 1978 gelang Keith Haring durch einen glücklichen Zufall zu seiner ersten Einzelausstellung im Pittsburgher Arts and Crafts Center, da der Künstler, der eigentlich dafür vorgesehen war, kurzfristig abgesagt hatte. Diese Ausstellung gab ihm das Selbstvertrauen, um den Schritt nach New York City zu wagen.

Frühe Zeit in New York City

Ab 1978 besuchte Haring die School of Visual Arts (SVA) in New York City. Schon bald darauf entdeckte er eine alternative Kunstszene außerhalb des Klassenzimmers, die auf den Straßen und Unterführungen stattfand. Im Zuge dieser Entwicklungen freundete sich mit den Künstlern Jean-Michel Basquiat und Kenny Scharf an.

Zu dieser Zeit fing Haring auch an, in den New Yorker U-Bahnen auf den vielen Werbeflächen zu zeichnen. Mit weißer Kreide malte er seine berühmten Motive auf die dunklen Werbeflächen und sorgte damals erstmals in der Street Art Szene des wilden New Yorks für Aufsehen.

Eines Tages, als ich mit der U-Bahn fuhr, sah ich diese leere schwarze Tafel, auf der eine Werbung erscheinen sollte. Mir wurde sofort klar, dass dies der perfekte Ort zum Zeichnen war. Ich ging zurück in einen Bastelladen und kaufte eine Schachtel mit weißer Kreide, ging wieder runter und erstellte eine Zeichnung darauf. Es war perfektes, weiches, schwarzes Papier; die Kreide ließ sich ganz leicht auftragen.

Diese Zeichnungen über Leben, Liebe, Sex und Tod wurden zu Gesprächsanfängen für die New Yorker U-Bahn-Fahrer. Haring selbst war äußerst erstaunt über das Feedback zu seiner Straßenkunst. Viele würdigten sie mit Anerkennung, andere Betrachter waren nicht sicher, was er damit ausdrücken wollte. Häufig stellten sie ihm Fragen, noch während er der Zeichnung nachging, was er damit beabsichtige und was es darstellen sollte. Haring bestätigte, dass ihm dieser Austausch mit Betrachtern dabei half, seine Botschaft zu verfeinern und sichere stilistische Entscheidungen zu treffen.

In der Zeitspanne von 1980 bis 1985 fertigte er Tausende Zeichnungen in den Straßen von New Yorks an, entwickelte seinen einzigartigen Stil der cartoonartigen Charaktere und Symbolen und steigerte gleichzeitig die Bekanntheit seines Namens. Schließlich organisierte er zusammen mit anderen Künstlern, Musikern und Dichtern Ausstellungen in Clubs, Restaurants und sogar in illegal erschlossenen Gebäuden, wie es in New York City Anfang der 1980er Jahre üblich war.

Vor allem zwei dieser Räumlichkeiten - Der Mudd Club und Club 57 - wurden zu "Go-to"-Hot Spots für junge Kreative - Musiker oder Künstler.

Schon im Alter von 20 Jahren hatte Haring eine klare Position gegenüber den zuvorgegangenen Kunstbewegungen und Stilrichtungen.

Die Kunst im Jahr 1978 unternahm zahlreiche Versuche, eine Idee zu klassifizieren oder zu kennzeichnen und dann solange zu nutzen, bis die Idee selbst dabei verloren geht." 

Ein wenig darauf erklärte er im selben Tagebucheintrag seine idealistische Vorstellung: "Kunst ist Leben und Leben ist Kunst".

Fortgeschrittene Karriere und internationaler Erfolg

Zwischen 1978 und 1982 etablierte sich Haring als angesehener Künstler der Gegenkultur. Schließlich nahm er die Repräsentation durch Tony Shafrazis Galerie an und gab 1982 sein Debüt mit einer hochgelobten Einzelausstellung in dem Ausstellungsraum in SoHo.

Nach dem gelungenen Start folgten zahlreiche Ausstellungen auf nationaler und internationaler Ebene, darunter die Sao Paulo Biennale, die Whitney Biennale in New York City und die Documenta 7 in Kassel.

In den 1980er Jahren produzierte er Dutzende Wandmalereien und öffentlichen Arbeiten auf der ganzen Welt, darunter in Europa, Südamerika und Australien. Auf seinen Reisen sah er die Kunst der Ureinwohner am eigenen Leib und schöpfte aus diesen Erfahrungen Inspiration für sein eigenes Werk.

Zum 100. Jahrestag der Freiheitsstatue schuf Keith Haring 1986 ein Wandbild, an dem er gemeinsam mit 900 Kindern arbeitete. Auch auf der Berliner Mauer hat er sich verewigt, drei Jahre bevor sie niedergerissen wurde.

Einige Werbeverträge wie für den Uhrenhersteller Swatch oder Absolut Vodka ergaben weitere lukrative Einkommensströme für ihn.

In der Zwischenzeit hatte ein Großteil seiner Kunst eine politische, kulturelle oder gesellschaftliche Message angenommen. Berühmt wurde er vor allem durch sein Engagement in der Anti-Aids-Bewegung.

Schleichender Erfolg in der amerikanischen Kunstszene

Keith Haring 1986

Foto: Nationaal Archief / (CC BY 4.0)

In dieser Zeit entwickelte er eine Freundschaft mit dem berühmten Popkünstler Andy Warhol. Wie auch die Beziehung zu Basquiat trug diese Beziehung zu Harings Ansehen in der Kunstszene und zur steigenden Anerkennung seiner Arbeiten bei den führenden Kunstkritikern der Zeit bei.

Dennoch waren sich viele der Kuratoren für Ausstellungen und Museen sic h noch nicht einig, welchen Platz Keith Haring in der modernen Kunst einnehmen würde.

Diese schleichende Phase der Anerkennung in der Kunstszene glich dem Vorgehen in den 1950er und 60er Jahren, als einige der größten Museen in Europa Werke von bedeutenden amerikanischen Künstlern erworben hatten, bevor die amerikanischen Museen den Trend erkannten und auf den Zug aufsprangen.

Bis heute haben die größten amerikanischen Museen wie das MoMA in New York und das Art Institute of Chicago nur ein paar von Harings Skizzen erworben, wohin das Met oder das LACMA in Los Angeles gar keine Werke von Haring in ihrer Sammlung haben.

1986 eröffnete Haring den Pop Shop, in dem er sein Merchandise verkaufte. Das Interieur Design übernahm er selbst. Viele seiner schwarz-weißen Doodles und Scribbles zierten die Verkaufsfläche.

Verkauft wurden vor allem Shirts, Poster und Spielzeug, in den beliebten Formen und Mustern Harings. Sein Konzept eines Merchandise-Stores ebnete den Weg für viele Künstler nach ihm, die auf diese Weise ihr Einkommen diversifizieren konnten. Banksy, KAWS oder Koons sind nur drei Beispiele, die sich an Harings Konzept orientierten und auf diese Weise zu lukrativen Einkommensströmen kamen, die sie vom künstlerischen Mainstream unabhängig machten.

AIDS-Diagnose und Tod

Auf dem Höhepunkt seiner Karriere bekam Haring im Jahr 1988 die schockierend Diagnose: Aids. Ein Jahr später gründete er die Keith Haring Foundation, die sich der Aids-Aufklärung widmet und mehr Bewusstsein für das Thema schafft. Nur 2 Jahre später verstarb Haring im Alter von 31 Jahren an den Folgen der Krankheit, schuf aber bis zuletzt zahlreiche Kunstwerke.

Vermächtnis

Viele verstehen das Gesamtethos der Straßenkunst als Rebellion gegen den Status quo. Für Haring gehörte dazu auch die elitäre Kunstwelt selbst.

Die Street Art und Underground Art wurde erst nach dem kommerziellen Erfolg von Künstlern wie Haring und Basquiat in den 80er Jahren allgemein anerkannt. Sein Erfolg verlieh der Street Art Glaubwürdigkeit und Legitimität und machte sie Museums- und Galerientauglich.

Als ein sehr eindrucksvolles Beispiel öffnete Harings didaktische und cartoonartige Kunst den Weg für Zeichentrickserien wie die Simpsons. Auch andere Künstler wie KAWS nahmen sich am Cartoon-Phänomen ein Beispiel und verstanden das Potenzial von massentauglichem Merchandising, anstatt alle Karten auf wohlhabende, elitäre Kunstsammler zu setzen.

Zu Beginn des 21. Jahrhunderts sind Street Art und Graffiti ein globales Erscheinungsbild, wobei sich ganze Zeitschriften und Online-Magazine der Thematik widmen. Erfolgreiche Straßenkünstler aus den frühen 1980er Jahren ebneten den Weg für zukünftige Street-to-Gallery-Künstler wie Swoon und Banksy

Street Artists werden immer noch als künstlerische Rebellen angesehen, die ihr eigenes Wohlergehen der Botschaft ihrer Kunst unterordnen. Durch die Wahl dieses riskanten Weges ist es ihnen in vielen Fällen letztendlich gelungen, in den elitären Kreisen der bildenden Kunst bessere Bedingungen für die Ausstellung und Kompensation ihrer Werke auszuhandeln.

Wichtige Kunst von Keith Haring

Die folgenden Kunstwerke sind die wichtigsten von Keith Haring - sie zeigen sowohl die wichtigsten Schaffensperioden als auch die größten Leistungen des Künstlers.

Untitled, 1982

Figuren mit Herz

© 2019 The Keith Haring Foundation

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Eines seiner frühen Werke, dieses Herzmotiv der Liebe, zeigte sich später in vielen späteren Arbeiten entlang seiner Karriere.

Dieses unschuldige, aber trotzdem umstrittene Bild von zwei verliebten Männern ist im Vergleich zu Harings späteren wesentlich expliziteren Bildern mild, aber der Mut, homosexuelle Liebe schon zu diesem Zeitpunkt darzustellen galt schon damals als große Leistung im kulturellen Bereich.

Als sich seine Kunstkarriere entfaltete und sein Selbstvertrauen wuchs, traute er sich auch, eindeutigere Szenen homosexueller Liebe darzustellen.

Im obigen Bild sind zwei Menschen während des Liebesakts dargestellt, wobei die dargestellten Linien den euphorische Bewegung ebenso darstellen, wie die Bewegung der Körper im Raum.

Dieses Bild beschreibt in vielerlei Hinsicht die optimistische Haltung von Haring, der im Grunde genommen in vielerlei Hinsicht ein Romantiker war, der an die Menschlichkeit und die Kraft der Liebe glaubt.

Visuell besitzt das Bild in klassischer Haring-Manier eine flache, zweidimensionale Bildoberfläche, eine cartoonartige Schlichtheit und harte Farbkontraste. 

Seine Szenen skizzierte er oft mit dicken schwarzen Linien, die an viele Künstler der Moderne sowie an die Pop-Art-Bewegung erinnern, ebenso wie an Harings Kollegen, die in den Straßen New York Citys ihre Kunst hinterließen.

Untitled, 1984

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Eine ausgefallene Darstellung der Männlichkeit, personifiziert als männliche Figur, die ihren überdimensionierten Penis hält. Aus der Phallusform springen kleinere Figuren, die allerdings nicht den Anschein von Kindern erinnern, sondern gemäß ihrer Proportionen eher an ausgewachsene Figuren ähneln.

Das riesige Format (2,89 x 3,98 m) zeigt Keith Harings künstlerischen Ursprung in der Street Art. Er übertrug die Maße auf eine Zeichnung, die in Innenräumen ausgestellt werden sollte, um alle Blicke auf sich zu ziehen.

Es waren unter anderem Darstellungen wie diese, die dabei halfen, die männliche Sexualität in der Kunst zu enttabuisieren. Harings Werke forderte einen radikalen Wandel der kulturellen Akzeptanz und ein sich wandelndes soziales Verständnis.

Free South Africa

" Apartheid " FREE SOUTH AFRICA 1985  /  by Pop artist Keith Haring / Pop Art

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Free South Africa war eine politische Antwort auf die Bedingungen der Apartheid, die in Südafrika noch immer existierten. 

Die schwarze Figur ist absichtlich viel größer als die weiße Figur, um die Ironie der Situation auszudrücken. In der postkolonialen Zeit Südafrikas war es eine weiße Minderheit, die eine schwarze Mehrheit der einheimischen Bevölkerung weiterhin unterdrückte. Die schwarzen Linien um die Figuren herum, deuten eine Bewegung wie in einem Cartoon an.

So ist zu sehen, wie die schwarze Figur gerade dabei ist die weiße Figur, die eine Leine um den Hals der schwarzen Figur hält, zu zerstampfen.

Es waren solche Motive wie dieses von Haring, die sich eigneten, um auf Shirts und Plakaten gedruckt zu werden und eine unverzügliche Botschaft zu vermitteln. Gemeinsam mit den Bemühungen von Politikern, Künstlern und anderen Bekanntheiten wurde die Weltöffentlichkeit auf die Missstände in der südafrikanischen Gesellschaft aufmerksam gemacht.

Diese Welle von Protesten führte schließlich dazu, dass Nelson Mandela aus dem Gefängnis entlassen und zum Präsidenten gewählt wurde. Fast ein Jahrzehnt später beendete Präsident Mandela 1994 die Apartheid endgültig.

Pop Shop Quad III

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Pop Shop Quad III (Quadrant oben rechts) ist ein Beispiel für Keith Harings wiederkehrende Botschaft: "hear no evil, see no evil, speak no evil" - eine Kritik an allen, die soziale Probleme lieber verdrängen würden, als sie zu bekämpfen. Diese Message geht auf die Drei weisen Affen des japanischen Sprichworts "mizaru, kikazaru, iwazaru" zurück.

Der Titel des Stückes deutet auf Harings Haltung als Künstler und Aktivist hin, da er beide Identitäten in sein Kunstwerk integrierte.

Viele seiner Freunde und künstlerischen Kollegen starben an der AIDS-Krise der 80er und 90er Jahre. Darüber hinaus widmete er sich vor allem den Problemen des eklatanten Konsumismus, Fragen der Umwelt und Missständen und Missachtung der Menschenrechte.

Untitled (1989)

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Dieses Stück hat einen anderen Charakter als Harings übliche stilistische Darstellung. Obwohl die Dichte und das labyrinthartige Design seine gewohnt zwanghafte Qualität hat, gibt es im Gegensatz zu der üblichen zenartigen Einfachheit einen Fluss und eine Schönheit in der Verwendung der Linien.

In dem Werk sind Einflüsse von Symbolen der Antike, Spuren der Aborigine-Kunst und Elemente der Street Art in Form von Tags zu erkennen.

Wie so oft, benutzt Keith Haring auch hier die Farbe Rot in seinem Werk sowie das damals neue Medium der Markerstifte, um glatte, dicke Linien zu erzeugen. Haring strebte in seinen Linienkompositionen immer nach einem ausgewogenen Gleichgewicht der Formen, einer Art symmetrischer Qualität, die es dem Auge ermöglicht, in Harmonie mit dem Bild zu folgen und zu fließen.

Man kann in dieser Arbeit eine miteinander verbundene Welt sehen, in der die Formen und Figuren zwar ähnlich sind, aber durch ihre individuelle Haltung dennoch einzigartig bleiben.

In Untitled (1989) erscheint die ausgewogene Komposition jedoch ebenso wichtig wie die symbolischen Darstellungen des Inhalts. Es zeigt Einflüsse europäischer Meister der Neuzeit wie Miro, Klee und Matisse, die alle bemerkenswerte Leistungen in Stilen vollbracht haben, die flache, farbenfrohe Formen und Muster entwickelten, die sich über die Oberflächen ihrer Leinwände ausbreiten.

Dieses ist eines der späten Keith Haring Werke, das im Jahr vor seinem Tod entstanden ist und seine erfolgreiche Entwicklung eines klaren figurativen Stils verköpert.

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