Fotografie

Wichtige Merkmale der Kunstfotografie & 11 Fotografen, die sie geprägt haben

Kunstfotografie TitelbildAnsel Adams: The Tetons and the Snake River, 1942

Die Kunstfotografie steht in direktem Gegensatz zu dokumentarischen Bereichen der Fotografie, wie dem Standard-Fotojournalismus, der eher als visueller Bericht fungiert und die Szene manipulationsfrei aufzeichnet. K

Kunstfotografen sind Künstler, die die Fotografie als Medium nutzen, entweder allein oder durch Collage in ihr Kunstwerk integriert.

Was macht die Kunstfotografie aus?

Die Kunstfotografie steht  im Widerspruch zu dem, was die meisten sich unter einem "normalen" Gebrauch einer Kamera vorstellen. Die meisten Hobbyfotografen nutzen ihre Kameras, um wichtige Ereignisse zu dokumentieren und Erinnerungen ohne künstlerische Beweggründe festzuhalten.

Stattdessen zeichnet sich die Kunstfotografie dadurch aus, dass die Aufnahme eines Motivs nicht der Hauptzweck ist. Diese Künstler nutzen die Fotografie als Mittel, um ihre Vision auszudrücken und ein künstlerisches Bekenntnis abzugeben.

Ansel Adams sagte einmal:

"Kunst impliziert die Steuerung der Realität, denn die Realität selbst besitzt keinen Sinn für die Ästhetik. Fotografie wird zur Kunst, wenn bestimmte Kontrollmaßnahmen angewendet werden." 

Was genau bedeutet das? Hier greift Adams auf, wie Künstler die Realität als Mittel zum Zweck in der Vergangenheit verändert haben.

So haben zum Beispiel auch klassische Landschaftsmaler nicht einfach genau das gemalt, was sie vor sich sahen. Viele schlossen raffiniert Elemente ein oder aus, die von ihrer Botschaft ablenkten oder, wie Monet, mit Licht und Farbe arbeiteten, um eine bestimmte Stimmung zu erzeugen. Fotografen von Kunstwerken arbeiten auf die gleiche Weise, indem sie einfach eine Kamera anstelle eines Pinsels verwenden.

Mit dem Eintritt ins 21. Jahrhundert hat sich das Spektrum stark erweitert, und jetzt kann jede Fotografie, die eine künstlerische Absicht verfolgt, als bildende Kunst betrachtet werden. Dazu gehört auch die künstlerische Dokumentarfotografie renommierter Fotojournalisten.

Wenn man versucht zu verstehen, ob ein Foto als Kunst betrachtet werden soll, ist es immer wichtig, die Absicht des Fotografen zu verstehen. Wenn eine künstlerische Botschaft zugrunde liegt, dann kann die Aufnahme als Kunstfotografie betrachtet werden, sei es ein Landschafts-, Porträt- oder abstraktes Foto.

Alfred Stieglitz und die Fotografie als Kunstwerk

Während es schwierig sein mag, sich eine Zeit vorzustellen, in der die Fotografie nicht als Kunstform angesehen wurde, war dies im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert der Fall.

Dem Künstler Alfred Stieglitz und anderen Fotografen der Moderne ist es zu verdanken, dass die Fotografie als bildende Kunst in den Fokus gerückt wurde. Vor allem Stieglitz hat diese Idee bereits Ende des 19. Jahrhunderts vorangetrieben und sogar einen Fachartikel zu diesem Thema veröffentlicht.

Ein weiterer Meilenstein war Anfang des 20. Jahrhunderts, als Stieglitz' Fotografien neben Gemälden von Künstlern wie Mary Cassatt und James McNeill Whistler ausgestellt wurden. Die Ausstellung mit dem Titel Special Exhibition of Contemporary Art wurde vom National Arts Club organisiert und gilt als die erste große amerikanische Ausstellung, die Fotografen und Malern gleichermaßen behandelte.

Später waren Stieglitz und seine Frau Georgia O'Keefe dafür verantwortlich, die Fotografie in die Museumssammlungen zu bringen. Eine große Leistung zu einer Zeit, als das Medium noch nicht mit der Malerei und Skulptur ebenbürtig war.

Stieglitz' Schenkung von 27 Fotografien an das Boston Museum of Fine Arts im Jahr 1924 war das erste Mal, dass ein großes Museum die Fotografie in ihre permanente Ausstellung aufnahm.


Kunstfotografen, die das Medium definieren

Was Stieglitz begann, führten viele andere fort, jeder auf seine eigene Weise. Von den prächtigen Schwarz-Weiß-Landschaften von Ansel Adams bis hin zum bahnbrechenden Werk von Nan Goldin - hier ist ein Blick auf die berühmten Kunstfotografen, die das Genre geprägt haben.

Paul Strand

Der amerikanische Fotograf Paul Strand war sehr aktiv bei der Förderung der Kunstfotografie, wobei Stieglitz seine Arbeiten sogar in seiner Galerie ausstellte und in seiner Publikation Camera Work über seine Fotografie schrieb.

Er experimentierte oft mit der Kamera, um in seinen Bildern Abstraktion zu erzeugen, und nahm Ideen ähnlich wie Maler und Bildhauer auf, indem er sie auf seine Fotografie anwandte. Später konzentrierte er sich darauf, wie die Fotografie ein Werkzeug des gesellschaftlichen Wandels und der Reform sein könnte, behielt aber immer seine künstlerische Vision während seiner Karriere, die sich über sechs Jahrzehnte erstreckte.

Man Ray

Als bedeutender Akteur der Dada- und Surrealismus-Bewegung umfasste Man Rays Werk eine Vielzahl von Medien. Seine Fähigkeit, sich nahtlos zwischen Malerei und Fotografie zu bewegen und ihnen den gleichen Stellenwert in seinem künstlerischen Repertoire einzuräumen, half, die Stigmatisierung der Fotografie als bildende Kunst zu überwinden.

Tatsächlich prägte sein künstlerisches Interesse seine kommerzielle Arbeit, wo er sich auf Porträt- und Modefotografie spezialisierte. Er experimentierte auch mit Fotogrammen als Ausdrucksform.

Ansel Adams

Ansel Adams: The Mural Project 1941-1942

Jede Beschäftigung mit Landschaftsaufnahmen wäre ohne die Nennung des legendären Ansel Adams nicht komplett. Als Fotograf und Naturschützer zeigt seine Schwarz-Weiß-Landschaftsfotografie, dass viele verschiedene Genres als bildende Kunst betrachtet werden können.

Adams' sorgfältigen Kompositionen und seine Fähigkeit, die Landschaft zu öffnen und dem Betrachter einen anderen Blickwinkel auf die Kulisse zu geben, zeichnen sein Werk aus. Er bewies, dass die Naturfotografie nicht nur Einfluss auf die Erhaltung der Natur hat, sondern auch als hohe Kunst wettbewerbsfähig ist.

Richard Avedon

Der amerikanische Modefotograf Richard Avedon hat mit seiner Kamera nicht nur Modelle in eleganter Kleidung festgehalten, sondern auch Geschichten erzählt und Emotionen hervorgerufen.

Von seinen minimalistischen, großformatigen Porträts, die die Emotionen von Prominenten wie Marilyn Monroe offenbaren, bis hin zur Verlagerung des Modells Dovima aus dem Studio und in den Zirkus, revolutionierte sein Werk die Branche.

Diane Arbus

Diane Arbus' Arbeit, die sich auf die ausgegrenzten Gruppen der Gesellschaft konzentrierte, gab denen eine Stimme, die als unschön oder unvollkommen galten. Zirkusartisten, Kleinwüchsige, Nudisten und Transsexuelle waren allesamt Gegenstand ihres Werkes, das als surreal bezeichnet werden kann.

Obwohl sie als Dokumentarfotografin galt, sind in ihrem Werk immer künstlerische Elemente präsent, die schon zu ihren Lebzeiten erfolgreich waren. 1967 nahm sie an einer Ausstellung im MoMA in New York teil. Diese Institution und das Metropolitan Museum of Art erwarben mehrere Fotografien für ihre Sammlung. 1972, ein Jahr nach ihrem Tod, war sie die erste Fotografin, die auf der renommierten Biennale in Venedig ausstellte.

Cindy Sherman und die moderne Kunstfotografie

Cindy Sherman benutzt ihre Fotografie als Mittel, um eine Reihe von Situationen auszuleben, wobei sie sich selbst als ihr Hauptmodell einsetzt. Als Fotografin, Kostümträgerin, Visagistin und Regisseurin verkleidet sich Sherman mehr als nur für gewöhnliche Selbstporträts, um Galerien einzurichten, die von gelangweilter Hausfrau bis hin zu Hollywood-Schauspielerin reichen.

Mit einer Karriere von über 30 Jahren gilt Sherman als eine der herausragenden Künstlerinnen im Bereich der zeitgenössischen Kunst. Ihre Arbeit wirkt wie eine Illusion, denn ihr scheinbarer Realismus ist eigentlich eine überaus ausgearbeitete Ode an die Künstlichkeit.

Robert Mapplethorpe

In den 80er Jahren entwickelte sich sein Werk zur Fokussierung auf Stillleben von Blumenbildern und statuenartigen Akte, die von der klassischen Kunst beeinflusst zu sein scheinen.

Er war auch maßgeblich daran beteiligt, die Liebe zur Fotografie als bildende Kunst bei seinem Partner und Stifter Sam Wagstaff zu beeinflussen, der seine Gemäldesammlung verkaufte, um mit dem Sammeln von Fotografie zu beginnen. Diese Sammlung wurde später an das J. Paul Getty Museum für über 5 Millionen Dollar verkauft.

Nan Goldin

Nan Goldin

Seit ihrer ersten Einzelausstellung 1973 hat Nan Goldin immer mit der Kamera das Leben ihrer Liebsten dokumentiert und sich dabei vor allem auf die LGBT-Community konzentriert.

Ohne jegliches Urteil aufgenommen, sind ihre Bilder von jedermann - von Drag Queens bis hin zu Drogenabhängigen - eine ungeschliffene Darstellung des Lebens.

Jeff Wall

Der kanadische Fotograf Jeff Wall ist bekannt für seine großformatigen Werke. Sein Frühwerk wurde von bedeutenden Malern der Kunstgeschichte wie Velázquez und Manet beeinflusst, die er durch seine Kompositionen dezent auf ihre Werke bezogen hat.

Walls Arbeit hat sich im Laufe der Zeit weiterentwickelt, wobei er umfassend damit experimentierte, wie Fotografie modifiziert werden kann. Seine Arbeit Milk war Teil einer Reihe von scheinbar alltäglichen Bildern, die in Wirklichkeit reale Geschehnisse darstellten, die später mit Laiendarstellern für filmische Effekte neu inszeniert wurden. Seit den 90er Jahren interessiert sich Wall zunehmend für die digitale Verfremdung, indem er mehrere Bilder in einer zusammengesetzten Komposition anordnet.

Andreas Gursky

Andreas Gursky

Andreas Gursky, der als einer der besten Fotografen der bildenden Kunst des 21. Jahrhunderts gilt, ist bekannt für seine monumentale Fotografie. Seine Arbeit Rhein II wurde 2011 für 4,3 Millionen Dollar versteigert und ist damit das teuerste Foto, das je verkauft wurde.

Der deutsche Fotograf nimmt Architektur und Natur aus einzigartigen Winkeln auf, die die Symmetrie und Farbe, die das Motiv ausmachen, hervorheben. Gursky hat auch damit begonnen, die digitale Bearbeitung in seine Praxis zu integrieren, um damit bestimmte Eigenschaften zu betonen, wie z.B. Räume, die zu groß sind, um naturgemäß zu sein.

Sein 1997 entstandenes Bild Times Square, New York, ist ein gutes Beispiel für einen Raum, der real ist, aber so verändert wurde, dass Gurskys künstlerische Vision erreicht wurde.

John Goto

Science Oxford

John Goto definiert sich als Fotodigitalkünstler, der mit Hilfe der Fotografie digitale Collagen über soziale und politische Themen erstellt. Oft ehrfurchtslos und satirisch, schafft Gotos Werk durch seine Bildebenen eine kraftvolle Erzählung.

Im Jahr 2007 wurde er vom Telegraph als einer der 100 größten lebenden Genies ausgezeichnet. Goto hat einen Hintergrund in der Malerei und begann mit der traditionellen Fotografie, bevor er in die digitale Kunst überging. Er ist fest davon überzeugt, dass die digitale Technologie eine Synthese zwischen Formen der Malerei und Kunstfotografie geschaffen hat.


Eigenschaften der Kunstfotografie

Künstlerische Vision

Bevor die Arbeit zur bildenden Kunst werden kann, muss der Künstler eine Vorstellung davon haben, wie seine Arbeit nach seiner Vorstellung aussehen wird.

Eine Idee

Bei der Bildenden Kunst geht es um eine Idee, eine Botschaft oder ein Gefühl. Der Künstler hat etwas, das er in seinem Werk vermitteln möchte.

Diese Idee oder Botschaft kann etwas Kleines sein, ein einzelnes Wort oder eine ganze Aussage. Es ist ein Anfang. Es ist wie eine Hypothese.

Technik

Die Arbeit, die du schaffst, um deine Vision und Ideen zu demonstrieren, muss eine Konsistenz haben. Wenn alle Arbeiten zusammen sind, muss es Gemeinsamkeiten geben. Oftmals verwenden Künstler das gleiche Medium und die gleichen Techniken für jede Idee.

Umfang der Arbeit

Am Ende muss es ein Werk geben, das deine Ideen, Themen und Techniken zeigt. Wenn du deine Bilder in eine Galerie bringen würdest, müsste es eine Einheitlichkeit geben.

Künstler-Statement

Schließlich benötigst du höchstwahrscheinlich ein Künstlerstatement. Eine kurze Erklärung, worum es bei der Arbeit geht, warum du sie erstellt hast und wie.