Kunst

Neo-Dada – Entstehung, Künstler und bekannte Werke

Neo-DadaFoto: Sharon Mollerus - Robert Rauschenberg, Retroactive II, 1963 1/26/18 / Wikipedia / CC BY 2.0

Der Begriff Neo-Dada wurde auf Arbeiten von Künstlern wie Jasper Johns, Robert Rauschenberg und Allan Kaprow angewendet, die in den 1950er Jahren einen radikalen Wandel im Fokus der modernen Kunst einleiteten. Neo-Dada-Künstler sind bekannt für ihren Umgang mit Massenmedien und Fundstücken sowie für ihre Vorliebe für Performancekunst.

Diese Künstler rebellierten gegen die emotional aufgeladenen Werke der Abstrakten Expressionisten, die in den 1950er Jahren die Kunstwelt dominierten. Mit der Einführung eines alltäglichen Themas und der Betonung der Performance führten die Neo-Dada-Künstler die radikalen Veränderungen der modernen Kunst in den 1960er Jahren ein und ebneten den Weg für Pop-Art, Minimalismus und Konzeptionelle Kunst.

Hauptideen des Neo-Dada

  • Im Gegensatz zu den kämpferischen Äußerungen der Dada-Künstler provozierten die Neo-Dada-Künstler durch verdeckte Strategien, die dem Klima des Kalten Krieges besser angepasst waren. Neo-Dada verspottete und feierte gleichzeitig die Konsumkultur, vereinte gegensätzliche Konventionen von Abstraktion und Realismus und ignorierte die Grenzen zwischen den Medien durch Experimente mit der Assemblage, Performance und anderen Zusammenschlüssen.
  • Neo-Dada-Künstler ermutigten die Betrachter oft, über traditionelle ästhetische Standards hinauszuschauen und Bedeutung durch einen Prozess des kritischen Denkens zu interpretieren, der durch Widersprüche, absurde Nebeneinandersetzungen, verschlüsselte Darstellungen und andere Mischsignale ausgelöst wurde, und nicht durch die internen Emotionen, auf die sich die Action-Painter in ihren abstrakten Werken bezogen.
  • Die Künstler des Neo-Dada hielten an Marcel Duchamps Prämisse fest, dass Kunstwerke Vermittler in einem Prozess sind, den der Künstler beginnt und der Betrachter vollendet. Im historischen Kontext belebte Neo-Dada diesen lange Zeit ruhenden theoretischen Rahmen wieder und bildete die Grundlage für viele der folgenden zeitgenössischen Kunstrichtungen.
  • Viele Neo-Dada-Künstler, die den Wandel zum Betrachter als Teil des Kunstwerks förderten, hielten an der Vorstellung fest, dass die Interpretation eines Werkes durch den Betrachter - nicht die Absicht des Künstlers - seine Bedeutung bestimmt. Dies wurde durch den Einsatz von Zufälligkeiten, Objet trouvé und Massenmedien unterstrichen, die dazu beitrugen, die vorbestimmte Aussagekraft des Künstlers zu beseitigen und stattdessen den Fokus auf die Lesart des Werkes durch den Betrachter zu legen.

Entstehung und geschichtlicher Verlauf

Ursprünge und Vorläufer

Die Neo-Dada-Bewegung wurde 1952 vom Komponisten John Cage, dem Künstler Robert Rauschenberg und der Tänzerin und Choreographin Merce Cunningham am Black Mountain College in North Carolina initiiert. An der Schule hielt Cage Vorträge über die Auseinandersetzung mit aleatorischen Prozessen - der Rolle des Zufalls - und östlichen Philosophien wie dem Zen-Buddhismus bei der Schaffung von Kunst und im täglichen Leben.

Als Student in Cages Klassen begann Rauschenberg mit weniger traditionellen künstlerischen Prozessen zu arbeiten, wie z.B. mit einem Autoreifen einen Druck zu erstellen oder eine Leinwand komplett weiß zu malen, damit sie ihre Umgebung als Hauptgegenstand reflektieren konnte. Im gleichen Zusammenhang konzentrierte sich Cunningham darauf, Aspekte des modernen Tanzes und des klassischen Balletts mit seinem eigenen Anmut zu verbinden und den Tanz mit der Performancekunst in Einklang zu bringen.

Während viele einzelne Werke und Momente zur Definition der Neo-Dada-Ästhetik beitrugen, fasste Cages "The Event" oder Theatre Piece No. 1 (1952), das am Black Mountain College aufgeführt wurde, die Interessen der Bewegung in der Betonung von Zufall, Individualität, Interaktion mit dem Publikum und mehreren Medien in einem einzigen Werk zusammen. Nach ihrem Umzug nach New York City waren Rauschenberg und Cage Nachbarn und diskutierten oft ihre Ideen über die künstlerische Praxis in ihren Ateliers und verfeinerten die Ästhetik weiter, insbesondere die Idee, dass die Absicht des Künstlers nicht sichtbar oder in der endgültigen Arbeit präsent sein sollte.

Die Bezeichnung Neo-Dada wurde 1957 erstmals vom Kunstkritiker Robert Rosenblum und im folgenden Jahr von Thomas B. Hess, dem Direktor des Magazins ARTnews, verwendet. Die Kritikerin und Kunsthistorikerin Barbara Rose definierte Neo-Dada 1962 als eine breitere Bewegung, als der Ostküstenzweig der Bewegung weitgehend als aufgelöst galt und die Pop-Art New York bereits zu faszinieren begann.

Die Dada-Tradition

Neo-Dada als Bewegung teilt eine große Anzahl von Gemeinsamkeiten mit der früheren Dada-Bewegung in Europa, aber wie das zusätzliche "Neo" andeutet, interpretierten die Künstler die Ziele der ursprünglichen Bewegung im Kontext von Amerika Mitte des 20. Jahrhunderts neu.

Die ursprünglichen Künstler des Dadaismus - in Berlin, Zürich, Köln und Paris - griffen die bürgerliche Kultur als Reaktion auf die schreckliche Zerstörung einer ganzen Generation von Menschen im Ersten Weltkrieg an. Sie wurden weniger durch einen bestimmten Stil vereint als durch die Anwendung bestimmter Strategien, in denen Kunst zu einer Taktik gegen die gegenwärtige Kultur wurde.

Die Neo-Dada-Künstler nahmen in ihrer Kunst ähnliche Strategien an, nämlich Collage, Performance und die Einbeziehung eines Zufallselements. Die Künstler der Neo-Dada-Bewegung sahen ihre vielfältigen Methoden und Medien jedoch als Möglichkeit, die Grenzen der bildenden Kunst zu erweitern, während die ursprünglichen Dadaisten versuchten, die moderne Gesellschaft und Kultur durch ihre Kunst zu dekonstruieren.

Zu dieser Zeit lebte Marcel Duchamp in New York und seine Kunst und seine Ideen wurden hoch geschätzt. Zur Anti-Kunst-Funktion seines Werkes schrieb Duchamp 1962 in einem Brief an den Künstler Hans Richter:

"Als ich Readymades entdeckte, dachte ich, ich würde die Ästhetik einschränken. Im Neo-Dada haben sie meine Readymades genommen und ästhetische Schönheit in ihnen gefunden. Ich warf ihnen das Flaschenregal und das Urinal als Herausforderung ins Gesicht und jetzt bewundern sie sie für ihre ästhetische Schönheit."

Diese Aussage erinnert daran, dass Kunst manchmal mit bestimmten Zielen beginnt, die im Laufe der Zeit oft neu definiert werden.

Jenseits des Schattens des abstrakten Expressionismus

In den frühen 1950er Jahren umfasste der Abstrakte Expressionismus den Großteil der US-amerikanischen Avantgarde, und das damit verbundene Künstlerkollektiv, darunter Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline und Mark Rothko, hielt die Faszination der Kunstwelt mit ihren Abstraktionen und ihrem oft testosterongetriebenen Lebensstil fest.

Als die Künstler, die mit Neo-Dada in Verbindung gebracht wurden, mit der Arbeit begannen, war der Abstrakte Expressionismus über ein Jahrzehnt lang die wichtigste amerikanische moderne Kunstform. 1949 war die abstrakt-expressionistische Bewegung innerhalb der amerikanischen Kultur so allgegenwärtig, dass Pollock die Ausgaben des Life Magazine zierte. In den 1950er Jahren schufen die zweite und dritte Generation des Abstrakten Expressionismus Werke in einem Stil, der alle Aspekte der Kunstausbildung und -produktion in Amerika erfolgreich durchdrang.

Als Rauschenberg in Erased de Kooning Drawing (1953) die Linien eines abstrakten expressionistischen Meisters beseitigte, symbolisierte er den Wunsch aller Neo-Dada-Künstler, die psychologischen Fallen, die in der formalen Ästhetik des vorhergehenden Stils verankert sind, zu beseitigen.

Robert Rauschenberg, Jasper Johns, John Cage, Merce Cunningham und Allan Kaprow waren alle entscheidend für die Neo-Dada-Ästhetik. Alle diese Künstler lebten und arbeiteten in New York City, stellten aus und traten in den gleichen Galerien und Orten auf, entwickelten aber jeweils einen individuellen Stil, der sich an den Objekten und Handlungen des Alltags orientierte, um Kunst zu schaffen. Neben den New Yorker Künstlern gab es auch viele Künstler, wie Edward Kienholz, die in Kalifornien in einem bestimmten Stil arbeiteten, der auch gefundene Objekte als Kunst einsetzte, oft zur Gesellschaftskritik.


Bekannte Künstler des Neo-Dada

Robert Rauschenberg und das Combine Painting

Schon bald nach Erased de Kooning Drawing schuf Rauschenberg eine neue Form der Assemblage, die mehrere Medien umfasste. Das 1954 von Rauschenberg konzipierte "Combine" oder auch "kombinierte Malerei" integrierte Fundstücke, Farbe, Druck und Skulptur zu einem multimedialen Objekt, das die traditionellen Grenzen zwischen den Materialien überschritt.

Während einige dada- und surrealistische Wegbereiter wie Marcel Duchamp, Kurt Schwitters und Joseph Cornell mit der Assemblage in vielen Varianten experimentiert hatten, zeigten Rauschenbergs Combines in den Bildern selbst abgeformte Stücke, so dass der Betrachter die Absicht des Bildes hinterfragen und interpretieren konnte. Der resultierende Effekt der Combines war eine gegensätzliche Gegenüberstellung, die die Grenzen aufbrach, die traditionell die Massenkultur von der bildenden Kunst trennten. Rauschenberg leitete eine postmoderne Sensibilität ein, in der sich der Fokus der Kunst von der Psyche des Künstlers auf die spontane Verschmelzung von Objekten und Kunstmedien zu einem Werk verlagerte, das das zeitgenössische Leben analysierte.

Jasper Johns und die Semiotik

1958, nach Johns' wahnsinnig erfolgreicher ersten Einzelausstellung in New York, ergriffen die Kritiker die Art und Weise, wie er alltägliche Materialien einsetzte, um ästhetische Bilder zu schaffen. Er versuchte, mit Dingen zu arbeiten, die der Verstand bereits kennt, wie Flaggen, Buchstaben und Zahlen, die er mit Zeitungspapier und Zeitschriften ausarbeitete, die in Encausticfarbe getaucht waren. Indem er Zeitungen und andere Medien als Grundlage für die Flaggen, Ziele, Buchstaben und Zahlen benutzte, betonte Johns die Verbreitung von Symbolen in zeitgenössischen Massenmedien, verstärkt durch den Widerspruch zwischen der Lesbarkeit der bekannten Symbole und der Unlesbarkeit der eingebetteten Wörter innerhalb der Enkaustik. 

Seine Auswahl des Mediums verwies auf die Pinselführung der Abstrakten Expressionisten, wobei jede Bewegung und jedes Zeichen in der Zeit erstarrt war. Durch seine Neuinszenierung bekannter Dinge abstrahiert Johns die Umgebung des Alltags und kritisiert gleichzeitig den Abstrakten Expressionismus für seine Unachtsamkeit gegenüber allem anderen als der Psyche des Künstlers. Gleichzeitig kommentiert Johns die Reizüberflutung der Massenmedien im Alltag der Amerikaner in der modernen Welt.

John Cage und die Music of Changes

Während seiner Arbeit als Professor am Black Mountain College festigte John Cage bestimmte Ideale, die Neo-Dada definieren sollten, insbesondere die Rolle des Zufalls bei der Kunstproduktion sowie die Kontrolle des Künstlers über die Definition von Kunst und deren Entstehung. 

1952 veröffentlichte Cage sein umstrittenes Musikstück 4'33" (Four minutes, thirty-three seconds), eine dreisätzige Komposition, bei der ein einziger Musiker mit jedem Instrument präsent war und für die gesamte Dauer in absoluter Stille saß, so dass die Klänge der Natur und der Zuschauer die Musik kreieren sollten. Dieses paradoxe und völlig spontane Kunstwerk war eine direkte Herausforderung für den Status quo von Musik, Komposition und Performance. 4'33" steht in dieser Hinsicht in der Tradition des Dadaisten Marcel Duchamp, dessen künstlerische Praktiken insgesamt satirisch, ironisch und vor allem frei von den formalen Kriterien der "traditionellen" Avantgardekunst waren.

John Cage setzte seine Karriere fort, um Kompositionen und Performances zu kreieren, die sich auf externe Kräfte und kontrollierte Zufälle stützten, wodurch der Fokus des Kunstwerks von der emotionalen Absicht des Schöpfers auf die umgebende, externe Welt verlagert wurde.

Allan Kaprow und Happenings

Ähnlich wie Rauschenberg wurde Allan Kaprow stark von John Cage beeinflusst und war auch ein großer Bewunderer der abstrakten Expressionisten. In Übereinstimmung mit der Mehrheit der Neo-Dada-Künstler suchte Kaprow nach neuen Wegen, Kunst und Leben in seinem Werk zu verbinden, insbesondere durch den Versuch, die Absichten der Actionpainter über die Leinwand hinaus ins Leben zu rufen. In seinem Essay "The Legacy of Jackson Pollock" von 1958 beschrieb Kaprow seinen Wunsch nach einer konkreten Kunst und forderte ein Ende der permanenten Kunstwerke zugunsten flüchtiger Materialien und Ereignisse. 

Dieser Essay umreißt auch, wie diese Ereignisse das Erbe der Actionpainter in eine neue Kunstform überführen können, die den performativen Akt und die Rezeption des Publikums über die Absicht des Künstlers hinaus betont, wie es für die Neo-Dada-Bewegung typisch war. Dieser Ruf nach einem radikalen Wandel in der modernen Kunst manifestierte sich in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren mit der Entwicklung von Kaprows ikonischen "Happenings", einer Art improvisierter Performancekunst, die oft von einer Idee geleitet wurde, die sich stark auf die Beteiligung des Publikums stützte. Auch die Einbeziehung einer Umgebung, die mit scheinbar zufälligen Objekten, Gerüchen, Aktionen und Geräuschen gefüllt war, diente als Grundlage eines Happenings. Das Ereignis war ein fesselndes Erlebnis, für Künstler und Publikum gleichermaßen, das spezifisch für einen einzelnen Anlass zugeschnitten war und nicht nachgebildet werden konnte.

Kaprow wurde nicht nur von der Vorstellung einer Performance des täglichen Lebens angetrieben, sondern wollte auch die Vorstellung vom Kunstobjekt als Ware widerlegen. Nachdem die Abstrakten Expressionisten durch ihre Gemälde immensen Ruhm und finanziellen Erfolg erlangten, versuchte Kaprow Werke zu schaffen, die nicht gekauft und verkauft, sondern nur erlebt werden konnten.


Spätere Entwicklungen und Einflüsse

Obwohl sie von den Kunstkritikern lose als Bewegung assoziiert werden, haben die mit Neo-Dada bezeichneten Künstler diese Bezeichnung nie anerkannt und verstanden sich nie wirklich als Teil eines einheitlichen Avantegarde-Stils. Als Barbara Rose 1962 die Bewegung offiziell definierte, hatten alle Hauptakteure bereits Bekanntheit und Anerkennung in der Kunstwelt erlangt.

Mit der Hinwendung des Neo-Dada zur externen Welt der Massenkultur als Ausgangsmaterial für die bildende Kunst in den 1960er Jahren wurde der Weg für die gezielte Ausrichtung der Pop-Art auf Konsumgüter und populäre Motive geebnet. Da Künstler wie Andy Warhol und Roy Lichtenstein mit ihren Suppendosen und Comic-Bildern die Fantasie des Publikums anregten, verlagerte sich der Fokus der Kunstwelt auf die Pop Art.

Sowohl Rauschenberg als auch Johns malten und druckten jedoch noch mehrere Jahrzehnte lang und nutzten ihre Kunst immer wieder, um sich mit ihren zeitgenössischen Gegebenheiten auseinanderzusetzen. 

Cunningham war im modernen Tanz von enormer Bedeutung, und viele seiner Mitarbeiter und Tänzer, wie Viola Farber, Paul Taylor und Carolyn Brown, schufen ihre eigenen erfolgreichen Performances.

Kaprows Happenings ebneten den Weg für die Aktionen der internationalen Fluxus-Gruppierungen und die allgemeine Performancekunstbewegung in den späten 1960er und 1970er Jahren und setzten einen Standard für Interaktivität, Multimedia und eine Alltagskunst, die einen großen Einfluss auf die spätere zeitgenössische Kunst hatte. Die Tradition des Neo-Dada hielt in den 1960er Jahren an, und war noch wesentlich länger in verschiedenen internationalen Bewegungen zu spüren.

So war die Arte Povera eine in Italien gegründete Bewegung, die die Unternehmenskultur und die konventionelle Kunst verachtete, während die französischen Nouveau Réalisme-Künstler die Darstellung realer Objekte der reinen Abstraktion vorzogen und versuchten, Kunst und Leben zu verschmelzen.


Bekannte Kunstwerke des Neo-Dada

Theater Piece No. 1 (1952)

Künstler: John Cage

Beschreibung des Kunstwerks: Cages Theaterstück Nr. 1, auch bekannt als "The Event", war eine wegweisende Performance für die Entwicklung des Neo-Dadaismus und ebnete den Weg für die charakteristischen Kollaborationen und multimedialen Grundlagen der Bewegung. Das von Cage konzipierte Stück beinhaltete mehrere simultane, ungeschriebene Performance-Komponenten, darunter eine Gedichtlesung, Musik, Tanz, fotografische Diaprojektionen, Film und vier Panels von Robert Rauschenbergs weißen Gemälden, die in Form eines Kreuzes an der Decke hingen. 

Während Cage bestimmte Richtlinien für den Gebrauch des Mediums durch jeden Performer festlegte, ließ er jeden einzelnen Künstler die Besonderheiten seiner Rolle innerhalb der Performance bestimmen und betonte die Funktion des Zufalls im Verlauf der Veranstaltung. Die Aspekte waren alle integraler Bestandteil der Entwicklung der Neo-Dada-Ästhetik und der späteren Performancekunst und wurden in diesem einen Kunstwerk gekapselt, in dem viele der wichtigsten Künstler der Neo-Dada-Bewegung eine wichtige Rolle spielten.

Flag (1954-55)

Jasper Johns

Künstler: Jasper Johns

Beschreibung des Kunstwerks: Johns' Verwendung von Zeitungen und anderen Medien, die in Enkaustik getaucht waren, machte jede einzelne Stelle anders und verknüpfte seine Arbeit visuell mit den Abstrakten Expressionisten, trotz der sehr unterschiedlichen Prozesse, die in der Schaffung ihrer Werke eingesetzt wurden.

Anstatt ein abstraktes Werk wie die Actionpainter vor ihm zu schaffen, vertraute Johns auf die Bilder und Zeichen der amerikanischen Kultur. Er verlagerte den Fokus von der Handschrift des Künstlers auf das Zusammenspiel von Symbolen, Sprache und Medien durch die Verwendung von gefundenen Objekten, die in die gehärteten wachsartigen Striche eingebettet sind, die das größere Bild der amerikanischen Flagge bilden. 

Bed (1959)

Künstler: Robert Rauschenberg

Beschreibung des Kunstwerks: In dieser Arbeit nahm Rauschenberg ein abgenutztes Kissen, Laken und eine Steppdecke, schmierte sie mit Bleistift an, trug Schicht für Schicht Ölfarbe, Zahnpasta und Nagellack auf, nutzte Jackson Pollocks Drip Technique bei der Anwendung jedes Stückes und rahmte schließlich all diese Elemente in einer Holzunterkonstruktion ein.

Obwohl es sich bei diesem Werk weder ausdrücklich um ein "Readymade" noch notwendigerweise um ein Action Painting handelt, bezieht sich Rauschenberg bei der Verwendung der objet trouvé sowie bei der Anwendung der Farbe auf diese Objekte auf den Dada- und Abstrakten Expressionismus. Rauschenberg brach die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur effektiv auf und forderte den Betrachter auf, die moderne Kunst auf eine völlig neue Art und Weise zu betrachten.

Durch seine revolutionäre Kombination von unterschiedlichen Elementen zu einem neuen Medium, das sein Thema aus der Welt um sich herum hervorholte, half Rauschenberg, die Neo-Dada-Ästhetik zu stabilisieren.

18 Happenings in Six Parts (1959)

Künstler: Allan Kaprow

Beschreibung des Kunstwerks: In diesem Stück teilte Kaprow die Galerie in drei miteinander verbundene Räume auf. Im Verlauf von neunzig Minuten inszenierten Kaprow und die anderen Darsteller einfache Bewegungen wie das Bücken, das Prellen eines Balls und das Abspielen von Schallplatten, während Lichter und Dias in vorgegebenen Sequenzen ein- und ausblitzten.

Das Publikum wurde beauftragt, sich in Abständen während der gesamten Arbeit von Raum zu Raum zu bewegen - nicht mehr getrennt von den Darstellern - sie erlebten die gleichen Sichtweisen und Geräusche wie die Darsteller. Als erstes offizielles Happening in einer Galerie trägt 18 Happenings die vielfältigen Einflüsse des Neo-Dada. 

Durch die Betonung der Bewegung als Performance verwiesen die Happenings auf das Action Painting von Künstlern wie Jackson Pollock, aber in diesem Fall wurde die Bewegung selbst zum Kunstwerk. Und indem er zuließ, dass das Happening in einer weitgehend improvisierten Weise abläuft, nahm Kaprow Cages Vorstellung an, dem Zufall zu erlauben, die Komposition eines Kunstwerks zu bestimmen.

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