Op Art Titelbild
Kunst

Op Art – Anfänge und Entwicklungen, bekannte Künstler & Werke

Foto: mrnvb / Shutterstock

Künstler sind seit vielen Jahrhunderten von der Natur der Wahrnehmung und von optischen Effekten und Illusionen fasziniert. Sie waren oft ein zentrales Anliegen der Kunst, ebenso wie Themen aus der Geschichte oder Literatur. 

Aber erst in den 1950er Jahren entwickelten sich diese Anliegen, verbunden mit neuen Interessen in Technik und Psychologie, zu einer Bewegung. Op Art, oder Optische Kunst, verwendet typischerweise abstrakte Muster, die mit einem starken Kontrast von Vorder- und Hintergrund komponiert sind - oft in Schwarz-Weiß für maximalen Kontrast - um Effekte zu erzeugen, die das Auge verwirren und anregen. 

Ursprünglich teilte die Op Art dasselbe Umfeld mit Kinetischer Kunst - Op Art Künstler, die sich zur virtuellen Form der Bewegung hingezogen fühlen, Kinetische Künstler, die von der Möglichkeit der realen Bewegung angezogen wurden. Beide Stile wurden 1955 gemeinsam mit Le Mouvement, einer Gruppenausstellung in der Galerie Denise Rene, vorgestellt. 

Es zog eine breite internationale Fangemeinde an, und nachdem man sie 1965 mit einer Umfrageausstellung im Museum of Modern Art in New York feierte, erweckte man die Phantasie der Öffentlichkeit. Diese Begeisterung führte zu einem Trend für Op Art in Mode, Medien und Design. Für viele schien die Op Art der perfekte Stil für ein Zeitalter zu sein, das durch den fortschreitenden Wandel der Wissenschaften, durch Fortschritte in den Bereichen Computer, Luft- und Raumfahrttechnik und die Neuerungen des Fernsehen bestimmt war. 

Aber viele Kunstkritiker haben sie nie stark befürwortet und ihre Wirkung als Spielereien angegriffen, weshalb sie noch heute durch diese Absetzungen beeinträchtigt wird.

Schlüsselideen der Op Art

  • Die "Op Art"-Bewegung wurde von Künstlern getrieben, die sich für die Untersuchung verschiedener wahrnehmungsbezogener Effekte interessierten. Einige taten dies aus reiner Begeisterung der Forschung und des Experimentierens, andere mit der fernen Hoffnung, dass die von ihnen beherrschten Effekte ein breites Publikum finden und damit die moderne Kunst auf neue Weise in die Gesellschaft integrieren können. Ähnlich wie die geometrische Kunst, aus der sie entstanden war, schien die Op Art einen Stil zu liefern, der der modernen Gesellschaft sehr angemessen war.
  • Obwohl Op als Nachfolger der geometrischen Abstraktion angesehen werden kann, deutet sein Schwerpunkt der Illusion und Wahrnehmung darauf hin, dass es auch ältere Ahnen haben könnte. Sie kann sich aus Effekten ableiten, die einst bei alten Meistern beliebt waren, wie z.B. Trompe l'oeil. Oder gar aus der Anamorphose, der Wirkung, durch die Bilder so verzerrt werden, dass Objekte nur bei Schrägblick vollständig erkennbar sind.
  • In den Jahren ihres größten Erfolgs Mitte der 1960er Jahre umfasste die Bewegung manchmal ein breites Spektrum von Künstlern, deren Interesse an der Abstraktion wenig mit der Wahrnehmung zu tun hatte. Künstler wie Joseph Albers, der oft als Op-Art-Künstler bezeichnet wurde, lehnten dies ab. Doch die Tatsache, dass die Bezeichnung für so viele Künstler gelten könnte, zeigt, wie wichtig die Nuancen in der modernen Kunst waren.
  • Lange nach dem Abklingen der Beliebtheit der Op Art steht ihr Ruf immer noch auf dem Spiel. Dennoch argumentierten einige Befürworter der Op Art, dass der Stil eine abstrakte Form der Pop-Art darstellt, die dem Blendwerk der Konsumgesellschaft nacheiferte, sich aber im Gegensatz zu Pop-Künstlern wie Andy Warhol weigerte, ihre Ikonen zu feiern.

Ursprünge der Op Art

Der Begriff "Op Art" wurde vielleicht zum ersten Mal vom Künstler und Schriftsteller Donald Judd in einer Kritik an der Ausstellung "Optical Paintings" von Julian Stanczak verwendet. Aber es wurde durch seine Verwendung in einem Artikel der Time Magazine aus dem Jahr 1964 bekannt gemacht, und seine Wurzeln liegen viele Jahre zurück.

Alternativ könnte man auch die Ursprünge der Op Art in der Kunst und Farbtheorie des 19. Jahrhunderts erkennen. Die Farbschriften von Johann Wolfgang von Goethe und insbesondere der neo-impressionistischen Gemälde von Georges Seurat erkennen.

Der Stil, den wir heute als Op Art kennen, entstand jedoch aus dem Werk von Victor Vasarely, der in einigen Entwürfen aus den 1930er Jahren zunächst ungewöhnliche Wahrnehmungseffekte untersuchte. Einen weiteren Schub erhielt sie 1955 durch die Gruppenausstellung Le Mouvement in der Galerie Denise Rene in Paris und später durch eine Reihe von internationalen Ausstellungen, die sich mit der so genannten Nouvelle Tendance beschäftigten.

Vasarelys Werk zog bald Anhänger auf der ganzen Welt an: Bridget Riley, die wie Vasarely in der Werbung gearbeitet hatte, nahm den Stil auf und viele südamerikanische Künstler, die hauptsächlich in Paris lebten, arbeiteten auch im Stile der Op Art.

Der Höhepunkt des Bewegung war das Jahr 1965, als das Museum of Modern Art den Stil mit der Ausstellung The Responsive Eye würdigte, die 123 Gemälde und Skulpturen von Künstlern wie Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Carlos Cruz-Diez, Jesus Rafael Soto und Josef Albers zeigte. Viele Museumsbesucher waren von der Kollision von Kunst und Wissenschaft fasziniert, aber Kritiker wie Clement Greenberg waren entschieden gegen die Bewegung.

Auch die Ausstellungsbreite von The Responsive Eye weckte Zweifel an der Bewegung, denn durch die Einbeziehung von Künstlern wie Frank Stella, deren Interessen so unterschiedlich zu denen von Vasarely waren, erschien die Bezeichnung fast zu umfassend, um nützlich oder plausibel zu sein.


Op Art: Konzepte, Stile und Trends

Julian Stanczak

Die Op Artists beschäftigten sich typischerweise mit dem Sehvermögen des Auges, und sie entwickelten abstrakte Kompositionen, um eine Vielzahl optischer Phänomene zu erforschen. Moiré-Effekte, Blendung und alle möglichen anderen Effekte, die sich aus dem Versuch des Auges, ein Bild zu lesen, ergeben, waren für sie von Interesse. Die Bewegung brachte nie ein kohärentes Gedankengut hervor und die Bandbreite und der Umfang der Künstlerinteressen ließen die Bezeichnung Op Art äußerst wandlungsfähig erscheinen. Doch die Tatsache, dass die Bezeichnung sie umfassen konnte, macht deutlich, wie wichtig die Sichtweise und ihre Auswirkungen in der modernen Kunst waren.

Typischerweise verwendeten die Künstler der Op Art nur Schwarz und Weiß, um den größten Kontrast in ihren Entwürfen zu erzeugen, da dieser Kontrast die höchste Irritation beim Betrachter hervorruft, der versucht zu erkennen, welches Element der Komposition im Vordergrund und welches im Hintergrund steht.

Aber auch Farbe stand zeitweise im Fokus, wie in Vasarelys Plastic Alphabet-Serie zu sehen ist. Die Art und Weise, wie Farbe den Raum beeinflusst und wie Farben einander kontrastieren, erwies sich als produktives Feld für Experimente.


Einflüsse der Op Art auf die Kunst

Obwohl die höchst komplexen Wahrnehmungseffekte der Op Artist von der breiten Öffentlichkeit angenommen wurden, betrachteten viele Kunstkritiker die Phänomene als einen flüchtigen und etwas unbeholfenen Trend. Der kommerzielle Erfolg mag zu einem Rückgang der Bewegung geführt haben, insbesondere nachdem einige Künstler entdeckt hatten, dass ihre Entwürfe von amerikanischen Bekleidungsherstellern übernommen wurden. 

Op Art-Elemente wurden auch in Poster, T-Shirts und Buchillustrationen umgesetzt. Das Publikum, das die Bewegung anfangs unterstützte, verurteilte sie später als nichts anderes als Streiche der Wahrnehmung. Obwohl die Bewegung 1968 an Popularität verlor, werden die systematischen optischen Effekte in der bildenden Kunst und Architektur weiter erforscht.


Kunstwerke der Op Art

Blaze

Künstler: Bridget Riley

Blaze

Die im Zickzack verlaufenden schwarzen und weißen Linien in Blaze erzeugen die Wahrnehmung eines kreisförmigen Abstiegs. Während das Gehirn das Bild auswertet, scheint sich das wechselnde Muster hin und her zu bewegen. Die ineinandergreifenden Linien verleihen der Form Tiefe, da sie sich rhythmisch um die Mitte der Seite krümmt.

Der Kurator Joe Houston hat argumentiert, dass Werke wie Blaze "beim Betrachter eine Erfahrung auslösen, die einer atmosphärischen elektrischen Ladung entspricht."

Riley selbst sagte: "Meine Arbeit hat sich auf der Grundlage empirischer Analysen und Synthesen herausgebildet und ich habe immer geglaubt, dass Wahrnehmung das Medium ist, durch das Seinszustände direkt erlebt werden“.

Duo- 2 (1967)

Künstler: Victor Vasarely

Die kontrastierenden warmen und kühlen Farbtöne erzeugen hier die mehrdeutige Illusion von dreidimensionalen Strukturen. Sind sie konkav oder konvex? Die Illusion ist so effektiv, dass wir fast vergessen, dass es sich um ein gemaltes Bild handelt und dass wir denken, es sei eine dreidimensionale Konstruktion.

Das wissenschaftliche Studium der Farbe war für den Unterricht am Bauhaus von zentraler Bedeutung und Vasarely profitierte sicherlich von seiner Ausbildung am "Budapester Bauhaus". Dozenten wie Joseph Albers ermutigten die Schüler, nicht an die Assoziationen oder die Symbolik der Farben zu denken, die in der Kunst so wichtig waren, sondern an die Auswirkungen auf die Wahrnehmung.

4 Self-Distorting Grids (1965)

Künstler: François Morellet

Die 4 Self-Distorting Grids veranschaulichen den Einfluss der kinetischen Kunst auf die Op Art. Bewegung war entscheidend für die Op Art, und während Op Art-Künstler sich im Allgemeinen auf die Illusion der Bewegung verließen, verwendeten einige Künstler reale Bewegung, um Effekte zu erzeugen.

In diesem Stück experimentierte Morellet mit Rasterformen. Er mochte die Art und Weise, wie ihr ursprünglicher Charakter und ihr gesunder Menschenverstand es ihm ermöglichte, den traditionellen Ansätzen der Komposition zu entkommen, bei denen ein Teil eines Entwurfs gegen ein anderes Teil abgewogen wird. Diese Arbeit zeigt, wie gerne er sie auch in paradoxer Weise einsetzte, um die Effekte von Kurven zu erzeugen. Er begann damit, mehrere sich überschneidende Linien zu zeichnen, um einen Bogeneffekt zu erzeugen.

Hier setzt er die Idee um, an einer motorisierten Skulptur zu arbeiten. Die vier Gitter verschieben sich um eine Achse, um eine abstrakte Welle von sich überschneidenden Quadraten zu erzeugen.