Logo Daskreativeuniversum

Inspiration für Kreative und Kreatives

Kunst

Alles über die Kunstrichtung des Orphismus

Merkmale und bekannte Werke der Kunstrichtung des frühen 20. Jhdts.

Orphismus HeroRobert Delaunay, Les fenêtres simultanées sur la ville, 1912

Der Orphismus, der sich vom Kubismus löste, um brillante Farben und Darstellungen von Zeit und Erfahrung zu erfassen, führte die gegenstandslose Malerei dem französischen Publikum vor. Als einer der ersten Stile, der sich der völligen Abstraktion näherte, brachte der Orphismus zeitgenössische Theorien von Philosophie und Farbe zusammen, um Werke zu schaffen, die den Betrachter in dynamische Weiten rhythmischer Form und farbenfrohen Elementen einweihten. Anstelle einer langfristigen, zusammenhängenden Bewegung war der Orphismus eine lose verbundene Gruppe von Künstlern mit dem gemeinsamen Ziel, über die konkrete Realität hinauszugehen und eine fließende Vision von Gleichzeitigkeit und Wandel zu präsentieren. In den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg blühte der Orphismus kurz auf, bevor er 1914 mit dem Ausbruch des Krieges nachließ.

Wichtige Ideen

Von Anfang an war der Orphismus interdisziplinär und integrierte Henri Bergsons philosophische Theorien über Zeit und Erfahrung mit poetischen Experimenten des Symbolismus und der Abstraktion. Der Dichter Guillaume Apollinaire prägte den Begriff nach dem griechischen Gott Orpheus, der für seine musikalischen Talente bekannt war. Tatsächlich strebten die Künstler des Orphismus nach den in der Musik möglichen Abstraktionsebenen, wo Klänge Emotionen und Erfahrungen hervorrufen konnten, obwohl sie von der realen Welt separiert waren. Die Orphisten arrangierten Farbharmonien nach dem Vorbild von musikalischen Skalen und Akkorden.

Der Orphismus basierte auf dem Kubismus, aber mit einer neuen Betonung der Farbe, beeinflusst von den Neoimpressionisten und den Symbolisten. Im Gegensatz zu den einfarbigen Leinwänden von Pablo Picasso und Georges Braque verwendeten die Orphisten prismatische Farben, um Bewegung und Energie anzuregen. Indem sie das Sinnliche und Intuitive betonten, boten sie radikal neue Möglichkeiten für die Abstraktion kubistischer Ideen und schufen einen weiteren Weg zum Fortschritt der Moderne.

Prägende Künstler der Bewegung

Obwohl niemand sicher ist, wer das erste gegenstandslose Gemälde geschaffen hat, haben die Orphisten einen Anspruch auf diese Unterscheidung. Zwischen 1910 und 1912 malten mehrere Künstler abstrakte Leinwände, darunter der Expressionist Wassily Kandinsky und die amerikanische Arthur Dove, obwohl František Kupka, Sonia Delaunay und Robert Delaunay alle Werke schufen, die potenzielle Konkurrenten sind.

Der Wettbewerb ist kompliziert: Sonia Delaunays abstraktes Deckenmuster, das sie und ihren Mann dazu inspirierte, abstrakte Kompositionen zu malen, galt zunächst nicht einmal als Kunstwerk. Sowohl Robert Delaunay als auch Kupka malten ihre Motive nach bestimmten Themen, sodass ihre Arbeiten häufig als nicht-gegenständlich eingeordnet werden. Dennoch zeugt ihre Zugehörigkeit zu der Gruppierung des Orphismus von der Bedeutung ihrer avantgardistischen Experimente.

In der Überzeugung, dass die Farbharmonien und die ausstrahlenden Formen des Orphismus universelle Energien darstellten, gingen die Künstler über die Ölmalerei hinaus und experimentierten mit populäreren Möglichkeiten. Von der Poesie bis zum Design waren einige der sichtbarsten Produkte der Bewegung Sonia Delaunays Streifzüge durch Mode und Dekoration. Das früheste und gewagteste abstrakte Werk der Bewegung war ein von Sonia geschaffenes Textil, das im Anschluss die malerische Abstraktion ihres Mannes inspirierte. Ihre weit gefasste Definition der künstlerischen Produktion trug dazu bei, die Idee der Kunst als Gesamtumfeld zu fördern und die Zusammenarbeit zwischen Künstlern und Industrie weiter zu fördern.

Wichtige Werke des Orphismus

La Ville de Paris (1910-12)

Künstler: Robert Delaunay

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Delaunay betrachtete dieses monumentale Gemälde (406 x 267 cm) als einen Wendepunkt in seinem Werk und schlug ein größeres, metaphysisches Kontinuum von Zeit und Erfahrung vor. Er sollte ein visuelles Manifest sein und Elemente der modernen Fragmentierung einbeziehen, indem er sie mit klassischer Anspielung und historischem Maßstab konfrontiert. Das Werk kombiniert bruchstückhafte Ansichten von Paris mit Elementen seiner Geschichte, beginnend auf der linken Seite mit dem Quai du Louvre, der das antike Paris repräsentiert, und endend auf der rechten Seite mit dem Eiffelturm, der die Modernität der Stadt symbolisiert.

Das Werk spiegelt die Betonung des Orphismus wider, die gleichzeitigen Seinszustände der Moderne darzustellen, und vermittelt die flüchtigen Empfindungen des modernen Lebens in Paris. Er hatte die Bilder des Eiffelturms 1909 zum ersten Mal erforscht, und er sollte zu einem zentralen Symbol in seinem Werk werden. Delaunay fügte auch die symbolische Ebene der drei Frauen hinzu; ihre fragmentierten Figuren stellen das Paris der Vergangenheit, der Gegenwart und der Zukunft dar und beziehen sich auf den Mythos des Pariser Gerichts. Die Frauen ließen sich teilweise von einem Wandbild der drei Grazien aus dem alten Pompeji inspirieren.

Der große Maßstab und die Verwendung allegorischer Figuren zeigen, dass Delaunay das Werk als eine Art Tour de Force beabsichtigte und seinen Abschied vom Kubismus mit seiner Ausstellung im Salon des Indépendants 1912 verkündete. Die brillante orphistische Farbskala, die auf kontrastierenden Primär- und Sekundärtönen basiert, erzeugt ein Gefühl von lebendiger Bewegung und gleichzeitiger Wahrnehmung. Delaunay glaubte, dass dies eine weitere Ebene der Bedeutung bietet, die über die konkrete Realität hinausgeht. Wie Apollinaire schrieb, “Es ist mehr als eine künstlerische Manifestation. Dieses Bild markiert den Beginn eines Kunstbegriffs, der vielleicht seit den großen italienischen Malern verloren gegangen ist…. es fasst ohne jeglichen wissenschaftlichen Prunk den gesamten Ansatz der modernen Malerei zusammen.”

Couverture de Berceau (1911)

Künstlerin: Sonia Delaunay

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Die Patchworkdecke aus 70 dreieckigen und rechteckigen Stoffstücken ist in kontrastreichen Mustern entlang eines grob gestalteten Rasters angeordnet und erzeugt eine weiche und harmonische, aber dennoch dynamische Wirkung. Den dominanten horizontalen und vertikalen Linien stehen dreieckige Flecken gegenüber, die subtile Diagonalen einführen, um ein Gefühl der lebendigen Bewegung zu vermitteln. Die Anordnung von schwarzen Rechtecken, grünen Dreiecken und kleinen vertikalen gelben Rechtecken im Zentrum der Arbeit erzeugt ein Gefühl der Tiefe, als ob man in einen tiefen Raum blicken würde. Dennoch existiert das Textil eine betont flache Oberfläche, die eine visuelle Spannung zwischen Illusion und Realität erzeugt.

Obwohl dieses Werk als Grundlage für den Orphismus dienen sollte, waren seine Ursprünge recht mäßig. Sonia Delaunay erklärte: “Um 1911 hatte ich die Idee, für meinen Sohn, der gerade geboren worden war, eine Decke aus Stoffstücken herzustellen, wie ich sie in den Häusern russischer Bauern gesehen hatte. Als es fertig war, schien mir die Anordnung der Materialstücke an kubistische Vorstellungen zu erinnern, und wir versuchten dann, den gleichen Prozess auf andere Objekte und Bilder anzuwenden.” Der Status des Quilts als häusliches Objekt und nicht als Kunstwerk machte es möglich, mit der reinen Abstraktion zu experimentieren. Die Einsatzmöglichkeiten waren geringer und es war akzeptabel, Muster und Farben rein dekorativ zu verfolgen.

Diese frühe Arbeit des Orphismus prägte die Theorie und Praxis der Bewegung, da sie die Serie der simultanen Fenster ihres Mannes inspirierte. In Wahrheit ist Sonias Arbeit umso fortschrittlicher: Roberts Serie behielt einige gegenständliche Elemente bei, während die. Nachdem der Sohn des Paares aus dem Quitt herausgewachsen war, rahmte Sonia Delaunay ihr Werk ein und stellte ihn aus.

Der Rhythmus (Adam und Eva) (1910-1913)

Künstler: Vladimir Baranoff-Rossiné

Daniel Vladimir Baranoff-Rossine - The Rhythm (Adam and Eve) 1910 (oil pencil and crayon on can - (MeisterDrucke-234582)

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Dieses Werk, das Adam und Eva im Paradies darstellt, markiert das Debüt des jungen Baranoff-Rossiné als Modernist und zeigt seine frühe Umsetzung orphistischer Ideen. Wie Delaunay wollte er mit dem Gemälde eine umfangreiche Demonstration des bedeutungsvollen Potenzials der Nutzung von Farbe und Form für die Bedeutungsgebung darstellen; er integrierte die traditionelle Symbolik, indem er Werke des Alten Meisters zitierte, um ihre Abstammung zu unterstreichen. Tatsächlich bezieht sich Adams Haltung und Profil auf Albrecht Dürers Werk von Adam und Eva, aber im Gegensatz zu Dürer porträtiert der Künstler Eva als ein liegendes und verführerisches Wesen, das von einer Katze begleitet wird. Die Katze symbolisiert die Sexualität, die sich an der Ikone der Femme Fatale orientiert, während Adam von einem treuen Hund begleitet wird.

Eine Sonnenscheibe wirbelt in der Mitte des Motivs, und sechs Ringe strahlen um sie herum, die die biblischen Tage der Schöpfung repräsentieren. Die Vegetation, die aus dem dritten Ring herauswächst, erzeugt ein lebendiges Wachstum, in dem fragmentierte und formlose Tiere zu sehen sind.

Baranoff-Rossinés Verwendung des Allegorischen und Kosmologischen wurde von Delaunays allegorischen Figuren in “La Ville de Paris” beeinflusst, da seine Sonnenscheibe auf das Emblem seines Mentors anspielt. Dennoch verwendet der Künstler das Allegorische mit einer anderen Absicht und schafft nicht die Empfindung der modernen Realität, sondern ein symbolisches Paradies – eine aus dem Rhythmus des Lichts neu erzeugte Welt, in der die dynamische Sonnenscheibe das Auge Gottes darstellt.

1910 zog der junge ukrainische Künstler nach Paris, wo er die Delaunays traf, die in dem Moment seine Mentoren wurden, als sie die Theorie und Praxis des Orphismus entwickelten. Dieses Gemälde, das sein Interesse an der Farb- und Strukturgebung des Orphismus zeigte, debütierte 1913 im Salon des Indépendants zum Höhepunkt der Bewegung.

Schreibe einen Kommentar