Pablo Picasso – Biografie des Meisters der Modernen Kunst

Pablo Picasso ist zweifelsfrei eine der bedeutendsten Persönlichkeiten in der Kunstgeschichte des 20. Jahrhundert. Einige der wichtigsten Vorstöße in der modernen Kunst entstanden als direktes oder indirektes Resultat seines künstlerischen Schaffens.

Sein Werk ist von einer Reihe verschiedener Perioden und Stilrichtungen geprägt. Einen einzigen Stil von Picasso gibt es nicht. Drum lohnt es sich, den Fortschritt seiner Arbeit genau zu verfolgen, um den roten Faden in seinem Werk zu erkennen.

In dieser Pablo Picasso Biografie erwartet dich ein ausführlicher Lebenslauf des Künstlers, samt seinen schöpferischen Phasen.

Anschließend findest du eine Einschätzung seines künstlerischen Einflusses und einen Überblick über einige der bemerkenswertesten Werke von Pablo Picasso.

Pablo Picasso war ein spanischer Maler, Bildhauer, Druckgrafiker, Keramiker und Bühnenbildner, der als einer der größten und einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts gilt.

Picasso und Georges Braque wird die Entstehung des Kubismus zugesprochen.

Pablo Ruiz Picasso wurde am 25. Oktober 1881 in eine kreative Familie hineingeboren. Sein Vater war Maler, und er zeigte früh erste Anzeichen dafür, dass er den gleichen Weg einschlagen würde: Seine Mutter behauptete, sein erstes Wort sei "piz", eine verkürzte Version von Lapiz oder Bleistift, und sein Vater war sein erster Lehrer.

Picasso begann im Alter von 11 Jahren mit dem formalen künstlerischen Studium. Mehrere Gemälde aus seiner Jugendzeit sind noch vorhanden, wie z.B. die Erste Kommunion (1895), die in ihrem konventionellen, wenn auch vollendeten akademischen Stil typisch ist.

Sein Vater machte das junge Wunderkind zu einem großen Künstler, indem er Picasso die beste Ausbildung verschaffte, die sich die Familie leisten konnte. Zusätzlich besuchten sie so oft wie möglich die Museen in Madrid, um Werke von spanischen Altmeistern zu sehen.

Als die Familie nach Barcelona zog, damit sein Vater eine neue Stelle annehmen konnte, setzte Picasso seine künstlerische Ausbildung fort.

Es war in Barcelona, wo Pablo Picasso zum ersten Mal als Künstler zur Geltung kam. Er besuchte das Els Quatre Gats - ein Café, das bei Künstlern, Anarchisten und Modernisten gleichermaßen beliebt war.

Er lernte den Jugendstil und den Symbolismus sowie Künstler wie Edvard Munch und Henri de Toulouse-Lautrec kennen. Dort traf er auch Jaime Sabartes, der in späteren Jahren sein treuer Assistent sein würde.

Dies war seine Einführung in eine kulturelle Avantgarde, in der junge Künstler ermutigt wurden, sich auszudrücken.

Picassos Blaue und Rosa Periode

In den Jahren 1900 bis 1904 reiste Picasso häufig und verbrachte neben seinen Aufenthalten in Barcelona auch Zeit in Madrid und Paris. Obwohl er in dieser Zeit mit der Bildhauerei begann, bezeichnen Kritiker diese Zeit als seine Blaue Periode.

Namensgebend war die blau/graue Farbskala, die seine Gemälde dominierte. Auch die Stimmung des Werkes war sehr melancholisch. Man könnte die Anfänge davon in der Traurigkeit des Künstlers über den Selbstmord von Carlos Casegemas sehen. Picasso hatte ihn in Barcelona kennengelernt, bis er sich wegen Liebeskummer selbst tötete. Ein Großteil der Arbeiten der Blauen Periode zeigt allerdings auch Bettler und Prostituierte, die ihm in den Straßen der Stadt begegneten. Der Alte Gitarrenspieler (1903) ist ein typisches Beispiel für das Thema und den Stil dieser Phase.

Ab 1904 begann Picassos Palette sich zu beleben. Rund ein Jahr lang malte er in einer Phase, die als Rosa Periode bezeichnet wurde. Er konzentrierte sich auf Künstler und Zirkusfiguren und wechselte seine Palette in verschiedene Farbnuancen von erhebenderen Rot- und Rosa-Tönen.

Um 1906, kurz nachdem er den Künstler Georges Braque getroffen hatte, verdunkelte sich seine Palette erneut. Seine Formen wurden schwerer und fester, und er begann, sich dem Kubismus zuzuwenden.

In der Vergangenheit haben Kritiker die Anfänge des Kubismus auf sein frühes Meisterwerk Les Demoiselles d'Avignon (1907) zurückgeführt.

Obwohl dieses Werk heute als Übergangswerk angesehen wird, war es eindeutig entscheidend für seine Entwicklung, da es stark von der afrikanischen Bildhauerei und der alten iberischen Kunst beeinflusst wurde.

Die Erarbeitung des Kubismus und seiner Ausprägungen

Die Arbeit soll Braque inspiriert haben, seine eigene erste Serie kubistischer Gemälde zu malen. In den folgenden Jahren würden die beiden eine der bemerkenswertesten Kooperationen in der modernen Malerei begründen - manchmal eifrig voneinander lernend, manchmal aber auch versuchend, sich in ihrem rasanten Wettlauf um Innovationen gegenseitig zu übertreffen.

In ihrer gemeinsamen Vision werden mehrere Sichtweisen auf ein Objekt gleichzeitig dargestellt, indem sie zerlegt und in zerstückelten Zusammensetzungen neu angeordnet werden. Form und Raum wurden zu den wichtigsten Elementen.

Picasso lehnte die Bezeichnung "Kubismus" ab. Seine Abneigung gegen die Bezeichnung verstärkte sich, als die Kritiker begannen, zwischen den beiden von ihm verfolgten Leitansätzen (analytischer und synthetischer Kubismus) zu unterscheiden. Er sah sein Werk als ein Kontinuum.

Aber es steht außer Zweifel, dass es um 1912 eine Veränderung in seiner künstlerischen Gestaltung gab. Es ging ihm weniger darum, die Platzierung von Objekten im Raum darzustellen, als vielmehr darum, Formen und Motive als Zeichen zu verwenden, um spielerisch auf ihre Anwesenheit hinzuweisen.

Er entwickelte die Technik der Collage, und von Braque erlernte er die zugehörige Technik der Papiercollagen, die neben Fragmenten existierender Materialien auch ausgeschnittene Papierstücke verwendeten. Diese Phase ist inzwischen als "synthetische" Phase des Kubismus bekannt, da sie auf unterschiedliche Annahmen über ein Objekt angewiesen ist, um dessen Beschreibung zu erstellen.

Dieser Ansatz eröffnete die Möglichkeiten dekorativer und spielerischer Kompositionen, und seine Vielseitigkeit ermutigte Picasso, ihn auch in den 1920er Jahren konsequent zu nutzen.

Neugewonnenes Interesse am Ballett und Arbeit als Bühnenbildner

Auch das aufkeimende Interesse des Künstlers am Ballett brachte sein Werk um 1916 in eine neue Richtung. Dies wurde zum Teil durch ein Treffen mit dem Dichter, Künstler und Filmemacher Jean Cocteau ausgelöst. Durch ihn lernte er Sergej Diaghilew kennen und produzierte zahlreiche Bühnenbilder für die Ballets Russes.

Picasso hatte einige Jahre lang gelegentlich mit klassischen Bildern gespielt. Anfang der 1920er Jahre begann er, diesem Gedanken freien Lauf zu lassen. Seine Figuren wurden schwerer und massiver, und er stellte sie sich oft vor dem Hintergrund eines goldenen Zeitalters am Mittelmeer vor.

Die Arbeiten aus dieser Zeit werden seit langem mit den breiteren konservativen Tendenzen der sogenannten Kunstrichtung Retour à l'ordre (Rückkehr zur Ordnung) in Europa in Verbindung gebracht.

Seine Auseinandersetzung mit dem Surrealismus Mitte der 1920er Jahre löste erneut einen Richtungswechsel aus. Sein Werk wurde ausdrucksstärker, oft gewaltsam oder erotisch.

Diese Phase in seiner Arbeit kann auch mit der Zeit in seinem persönlichen Leben in Zusammenhang gebracht werden, als seine Ehe mit der Tänzerin Olga Chochlowa zusammenzubrechen begann und er eine neue Beziehung zu Marie-Therese Walter einleitete. 

Seine Partnerschaft mit Chochlowa überspannte die Jahre seines Interesses am Tanz. Später ist seine Zeit mit Jacqueline Roque mit seiner Phase verbunden, in der er sich neben den Alten Meistern beschäftigte.

Picasso malte häufig die Frauen, in die er verliebt war, und so ist sein turbulentes Privatleben auf der Leinwand gut dargestellt. Es war bekannt, dass er viele Geliebte hatte, allen voran Eva Gouel, Dora Maar und Françoise Gilot.

Er heiratete zweimal und hatte vier Kinder, Claude, Paloma, Maia und Paulo.

Ende der 1920er Jahre begann er eine Zusammenarbeit mit dem Bildhauer Julio González. Dies war seine bedeutendste kreative Partnerschaft, seitdem er mit Braque zusammengearbeitet hatte, und sie gipfelte in geschweißten Metallskulpturen, die später von großer Bedeutung waren.

Im Laufe der 1930er Jahre begannen politische Bedenken die Sichtweise Picassos zu beeinflussen. Seine Abscheu über die Bombardierung von Zivilisten in der baskischen Stadt Guernica während des spanischen Bürgerkriegs veranlasste ihn 1937, das gleichnamige Gemälde zu schaffen.

Während des Zweiten Weltkriegs blieb er in Paris. Die deutschen Autoritäten ließen ihn so weit ungestört, dass er seine Arbeit fortsetzen konnte. Der Krieg hatte jedoch einen großen Einfluss auf Picasso, denn seine Pariser Gemäldesammlung wurde von den Nazis beschlagnahmt und einige seiner engsten jüdischen Freunde getötet.

Picasso schuf Werke, die an sie erinnern - Skulpturen aus harten, kalten Materialien wie Metall und eine besonders heftige Fortsetzung von Guernica. Nach dem Krieg war er auch eng mit der Kommunistischen Partei verbunden, und mehrere große Bilder aus dieser Zeit, wie das Massaker in Korea (1951), verdeutlichen diese neue Gesinnung.

In den 1950er und 1960er Jahren arbeitete Picasso an seinen eigenen Versionen kirchlicher Meisterwerke von Künstlern wie Nicolas Poussin, Diego Velazquez und El Greco.

In den späteren Jahren seines Lebens fand Picasso bei seiner Berühmtheit Zuspruch und heiratete 1961 Jacqueline Rogue. Seine späteren Gemälde waren stark porträtbasiert und ihre Farbigkeit war nahezu grell. Kritiker haben sie im Großen und Ganzen als unterlegen gegenüber seinem früheren Werk angesehen, obwohl sie in den letzten Jahren wieder mit größerer Wertschätzung wahrgenommen wurden.

Er starb am 8. April 1973 an einem Herzinfarkt in Südfrankreich.

Künstlerisches Vermächtnis von Pablo Picasso

Picassos Einfluss war tiefgreifend und einschneidend, und bemerkenswert ist, dass viele Perioden seines Lebens eigenständig von großem Einfluss waren. Seine frühen symbolistischen Arbeiten bleiben legendär, während Innovationen im bahnbrechenden Kubismus eine Reihe von bildnerischen Fragestellungen, Mitteln und Ansätzen etablierten, die bis in die 1950er Jahre hinein von Bedeutung blieben.

Auch nach dem Krieg blieb Picasso eine gigantische Persönlichkeit, die nie ignoriert werden konnte. Obwohl man sagen kann, dass die Abstrakten Expressionisten Aspekte des Kubismus verdrängt haben, wurde das Museum of Modern Art in New York als "das Haus, das Pablo gebaut hat" bezeichnet, weil es das Werk des Künstlers so umfassend präsentiert hat. In der Ausstellungsgeschichte des Hauses war Pablo Picasso in mehr als 230 Ausstellungen vertreten.

Obwohl sein Einfluss in den 1960er Jahren zweifellos nachließ, war er zu diesem Zeitpunkt eine Ikone der Kunstwelt geworden. Noch heute weckt Faszination des breiten Publikums für seine Lebensgeschichte das Interesse an seinem Werk.

Bekannte Kunstwerke von Pablo Picasso

Porträt von Gertrude Stein, 1905

Gertrude Stein war Autorin, enge Freundin und Unterstützerin von Picasso. Kurz gesagt, war sie integraler Bestandteil seines künstlerischen Wachstums. 

Dieses Porträt, auf dem Stein ihren Lieblingsmantel aus braunem Samt trägt, entstand nur ein Jahr vor Les Demoiselles d'Avignon und markiert eine wichtige Stufe in seinem sich entwickelnden Stil. Im Gegensatz zur flachen Erscheinung der Figuren in einigen Werken der Blauen und Rosa Periode wirken die Formen in diesem Porträt fast plastisch. Man spürt fast Picassos zunehmendes Interesse, ein menschliches Gesicht als eine Reihe von ebenen Flächen darzustellen. 

Stein behauptete, dass sie etwa neunzig Mal für den Künstler posierte. Obwohl das höchstwahrscheinlich eine Übertreibung ist, rang Picasso lange und hart mit dem Malen des Kopfes. Nachdem er sich ihm auf verschiedene Weise genähert hatte, jeden Versuch aufgegeben hatte, malte er ihn eines Tages komplett aus, bevor er das Bild unvollendet zurückließ.

Erst einige Zeit später, und ohne das Modell vor ihm, vervollständigte er den Kopf.

Les Demoiselles d'Avignon, 1907

Dieses Gemälde war selbst für Picassos engste Künstlerfreunde ein Schock. Sowohl was den Inhalt als auch die Umsetzung betrifft. 

Picassos Studien über iberische Kunst und Stammeskunst zeigen sich am deutlichsten in den Gesichtern von drei der Frauen, die maskenhaft dargestellt sind, was darauf hindeutet, dass ihre Sexualität nicht nur aggressiv, sondern auch primitiv ist.

Picasso ging mit seinen räumlichen Experimenten auch weiter, indem er die Renaissance-Illusion der Räumlichkeit aufgab und stattdessen eine radikal abgeflachte Bildebene präsentierte, die in geometrische Fragmente zerlegt ist.

So wirkt beispielsweise das Bein der linken Frau wie aus mehreren Blickwinkeln gleichzeitig gemalt. Es ist schwierig, das Bein vom umgebenden Raum zu unterscheiden, so dass es so aussieht, als wären beide Elemente im Vordergrund.

Dieses Gemälde war Picassos Antwort auf die Bombardierung der baskischen Stadt Guernica am 26. April 1937 während des spanischen Bürgerkriegs.

In einem Monat - von Mai bis Juni 1937 - gemalt, wurde es zum Mittelpunkt des spanischen Pavillons auf der Pariser Weltausstellung im Laufe desselben Jahres. Während es auf der Messe eine Sensation war, wurde es daraufhin von der Austellung in Spanien ausgeschlossen, bis der Militärdiktator Francisco Franco 1975 von der Staatsgewalt verdrängt wurde.

Viel Zeit wurde damit verbracht, die Symbolik des Bildes zu entschlüsseln, und einige glauben, dass das sterbende Pferd in der Mitte des Bildes auf das spanische Volk anspielt. Der Minotaurus mag auf den Stierkampf anspielen, eine beliebte Freizeitbeschäftigung in Spanien, hatte aber auch eine komplexe persönliche Bedeutung für den Künstler.

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