Pop Art – Ursprünge, Entwicklungen, bekannte Künstler & Werke

Die Pop Art ist eine Kunstrichtung, die sich in der Nachkriegszeit in Großbritannien und den USA entwickelt hat. Die Kunstrichtung, die sich vor allem durch ihr Interesse an der Populärkultur und die fantasievolle Interpretation kommerzieller Produkte auszeichnete, führte zu einem neuen und leicht zugänglichen Kunstverständnis. Von skurril bis kritisch, die Werke der Pop-Künstler der 1950er und 1960er Jahre interpretierten das zeitgenössische Leben.

Neben der einzigartigen Bildsprache selbst trug auch die Art und Weise, wie die Künstler das behandelte Thema aufgriffen, dazu bei, die Kunstrichtung zu definieren. Die Pop Art ist bekannt für ihre einprägsamen Bilder, ihre leuchtenden Farben und ihre sich wiederholende, von der Massenherstellung inspirierte Kunstproduktion.

Ursprünge und Entstehung der Kunstrichtung

Pop Art entstand Mitte des 20. Jahrhunderts parallel in Großbritannien und den Vereinigten Staaten und spiegelte eine gemeinsame kulturelle Reaktion auf die sich verändernde Landschaft der Nachkriegsgesellschaft wider.

Großbritannien: Die unabhängige Gruppe

Im Jahr 1952 begann eine Gruppe von Künstlern in London, die sich Independent Group nannte, sich regelmäßig zu treffen, um Themen wie den Platz der Massenkultur in der bildenden Kunst, das Objet trouvé sowie Wissenschaft und Technologie zu diskutieren.

Zu den Teilnehmern gehörten Edouardo Paolozzi, Richard Hamilton, die Architekten Alison und Peter Smithson sowie die Kritiker Lawrence Alloway und Reyner Banham. Das Großbritannien der frühen 1950er Jahre war noch von der Härte der Nachkriegszeit geprägt, und seine Bürger standen der amerikanischen Populärkultur gespalten gegenüber.

ie Gruppe war misstrauisch gegenüber dem kommerziellen Charakter, aber begeistert von der Vielfalt der weltweiten Popkultur, die für die Zukunft vielversprechend schien.

Sie diskutierten ausführlich über westliche Filme, Science Fiction, Comics, Plakate, Automobildesign und Rockmusik.

New York City: Die Entstehung von Neo-Dada

Mitte der 1950er Jahre erlebten die in New York arbeitenden Künstler einen entscheidenden Umbruch in der modernen Kunst: Entweder folgten sie den Abstrakten Expressionisten oder sie wandten sich gegen den strengen Formalismus der meisten Strömungen der Moderne.

Zu dieser Zeit störte Jasper Johns bereits die Konventionen mit abstrakten Gemälden, die Verweise auf sie beinhalteten: "Dinge, die der Verstand bereits weiß" - Fahnen, Handabdrücke, Buchstaben und Zahlen.

In Robert Rauschenbergs sogenannten Combines wurden gefundene Objekte und Bilder mit traditionelleren Materialien wie Ölfarbe kombiniert.

Ebenso entschieden sich Allan Kaprows Happenings und die Fluxus-Bewegung, Aspekte aus der Umwelt in ihre Kunst zu integrieren.

Diese Künstler, zusammen mit anderen, wurden später in der unter der Bezeichnung Neo-Dada zusammengefasst. 

Die heute klassische New Yorker Pop Art um Künstler wie Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist und Andy Warhol entstand 1960 in der Nachfolge der Neo-Dadaisten

Konzepte und Stile der Pop Art

Obwohl die Künstler der Independent Group in London den Anfang machten, folgten amerikanische Künstler bald ihrem Beispiel und integrierten ebenfalls Elemente der Populärkultur in ihre Kunst.

Auch wenn sich die einzelnen Stile stark voneinander unterscheiden, ist allen Künstlern gemeinsam, dass sie Bilder aus der Populärkultur als grundlegendes Thema wählen.

Kurz nachdem die amerikanische Pop Art die Kunstwelt erreicht hatte, entwickelten sich schließlich auch in Deutschland und Frankreich kontinentaleuropäische Varianten.

Hier sind einige der wichtigsten Pop Art Künstler mit Beispielen ihrer Werke:

Richard Hamilton und Edouardo Paolozzi 

Die Pop Art Collagen von Paolozzi und Hamilton vermitteln die gemischten Gefühle der Europäer gegenüber der amerikanischen Popkultur, die sowohl die massenproduzierten Objekte und Bilder hervorheben, als auch den Exzess bemängeln.

Die Mitglieder der Independent Group waren die ersten Künstler, die Bilder aus den Massenmedien präsentierten und damit die Herausforderungen an die traditionellen Kunstgattungen in Amerika und Großbritannien nach 1945 einführten.

Roy Lichtenstein und die Populärkultur

Lichtenstein bewies, dass er die Anforderungen an eine bedeutende Komposition erfüllen konnte, obwohl seine Themen und Motive aus Comics stammten. Neben der Verwendung von Bildern aus diesen massenhaft produzierten Bilderbüchern wandte Lichtenstein auch Techniken an, mit denen die Bilder in den Comics geschaffen wurden, um seine Gemälde zu gestalten.

Er übernahm nicht nur die gleichen leuchtenden Farben und klaren Umrisse aus den Comics, sondern auch die Verwendung von Benday-Dots: kleine Druckpunkte, mit denen in massengefertigten Comics Farbe dargestellt wurde.

Lichtensteins Gemälde, die sich auf ein einzelnes Feld innerhalb eines Comics konzentrieren, sind keine exakten Reproduktionen, sondern vielmehr die kreative Rekonstruktion der Komposition durch den Künstler, der Elemente hinzufügt oder weglässt, den Maßstab verschiebt und den Text verändert.

Indem Lichtenstein die meist maschinell hergestellten Drucke von Hand übermalt und Comicszenen nachzeichnet, verwischt er die Grenze zwischen Massenreproduktion und hoher Kunst.

James Rosenquist und seine monumentalen Werke

Auch James Rosenquist griff in seinen Bildern direkt auf Werke der Populärkultur zurück.

Anstatt jedoch Kopien anzufertigen, übte Rosenquist eine kreative Kontrolle aus, indem er Produkte und Berühmtheiten surreal nebeneinander stellte und häufig politische Botschaften einfließen ließ.

Teil seiner Methode war es, Ausschnitte aus Zeitschriftenanzeigen und Fotoserien zu collagieren und die Ergebnisse als Studien für das endgültige Gemälde zu verwenden.

Rosenquists Ausbildung als Plakatmaler floss nahtlos in die realistische Darstellung dieser Collagen ein, die er zu monumentalen Größen ausweitete. Mit Werken, die oft weit über fünf Meter hoch und breit waren, verlieh Rosenquist dem Alltäglichen den Status, der bis dahin nur hohen Kunstobjekten vorbehalten war.

Andy Warhol und Kunst der Wiederholung

Andy Warhol ist vor allem für seine lebendigen Porträts von Prominenten bekannt, aber seine Themen haben sich im Laufe seiner Karriere stark verändert.

Das gemeinsame Leitmotiv der verschiedenen Themen ist die Inspiration durch die Konsumkultur.

Seine frühen Arbeiten zeigen Gegenstände wie Coca-Cola-Flaschen und Campbell-Suppendosen, die immer wieder reproduziert werden, als wäre die Wand der Galerie ein Supermarktregal.

Warhol wechselte von der Handmalerei zum Siebdruck, um die großformatige Reproduktion von Pop-Bildern noch einfacher zu machen.

Warhols Beharren auf der maschinellen Reproduktion lehnte Vorstellungen von künstlerischer Authentizität und Genialität ab.

Stattdessen erkannte er die Kommerzialisierung der Kunst an und bewies, dass sich Gemälde nicht von Campbell's Suppendosen unterscheiden; beide haben einen materiellen Wert und können wie Konsumgüter gekauft und verkauft werden.

In Porträts wie dem Marilyn Diptych (1962) setzte er den massenhaft gefertigten Status von Konsumgütern mit dem von Prominenten gleich.

Claes Oldenburg und die Pop-Skulptur

Bekannt für seine monumentalen öffentlichen Skulpturen von Alltagsgegenständen, begann Claes Oldenburg seine künstlerische Laufbahn in viel kleinerem Maßstab.

1961 mietete er für einen Monat eine Schaufensterfront in New York City, wo er seine Draht- und Gipsskulpturen alltäglicher Objekte, die vom Gebäck bis zur Unterwäsche für Männer und Frauen reichten, in einer Installation mit dem Titel The Store aufbaute und verkaufte. Oldenburg erhob für jedes Stück eine Pauschalgebühr, was seinen Kommentar zur Rolle der Kunst als Ware unterstrich.

Er begann seine Weichplastiken kurz nach The Store und konstruierte große Alltagsgegenstände, wie ein Stück Kuchen, einen Eisbecher oder einen Mixer, oft aus Stoff, so dass das Endergebnis in sich zusammenfällt wie ein kollabierender Ballon.

Unabhängig von der Größe pflegt Oldenburgs Werk immer eine spielerische Auseinandersetzung damit, alltägliche Dinge auf unkonventionelle Weise neu zu erschaffen, um die Erwartungen des Betrachters zu wecken.

Pop Art in Los Angeles

Im Gegensatz zu New York City war die Kunstwelt von Los Angeles viel flexibler ohne die etablierten Galerien, Kritiker und Hierarchien der Ostküste. 

Diese Offenheit spiegelt sich in den Stilen der Künstler wider, die dort lebten und arbeiteten.

Die erste museale Bestandsaufnahme der Pop Art - New Painting of Common Objects - fand 1962 im Pasadena Art Museum statt und zeigte Warhol und Lichtenstein sowie viele in Los Angeles lebende Künstler wie Ed Ruscha, Joe Goode, Phillip Hefferton, Wayne Thiebaud und Robert Dowd.

Indem sie sich von bestimmten Konsumgütern abwandten, ermöglichten es diese Künstler der Pop Art, über die bloße Reproduktion hinauszugehen, um Erfahrungen zu integrieren und ein bestimmtes Gefühl, eine Haltung oder eine Idee zu evozieren, während sie gleichzeitig die Grenzen zwischen hoher Kunst und Populärkultur verschoben.

Ed Ruscha und seine Beschilderungen

Ed Ruscha war einer der wichtigsten Künstler der Pop Art in Los Angeles, der in einer Vielzahl von Medien arbeitete, von denen die meisten typischerweise gedruckt oder gemalt waren.

Ruscha betonte die Allgegenwart der Lichtwerbung in Los Angeles und verwendete Wörter und Phrasen als Sujets in seinen frühesten Pop Art-Gemälden. 

Seine erste Referenz an die Populärkultur war das Gemälde Large Trademark with Eight Spotlights (1962). In diesem Werk stellt er das Logo von 20th Century Fox in einer vereinfachten Komposition mit den harten Kanten eines Cartoons dar.

Ruschas Erforschung einer Vielzahl von alltäglichen Bildern und Themen ging über die bloße Reproduktion hinaus, sondern untersuchte die Austauschbarkeit von Bild, Text, Ort und Erfahrung.

Kapitalistischer Realismus in Deutschland

In Deutschland war der Kapitalistische Realismus das Gegenstück zur amerikanischen Pop Art.

Die Gruppe wurde 1963 von Sigmar Polke begründet und umfasste unter anderem Gerhard Richter und Konrad Lueg als zentrale Mitglieder. 

Die kapitalistischen Realisten versuchten, den Konsumismus und die Oberflächlichkeit der zeitgenössischen Gesellschaft aufzudecken, indem sie die Bilder und Ästhetik der populären Kunst und Werbung in ihrem Werk nutzten.

Polke erforschte die kreativen Möglichkeiten der mechanischen Reproduktion und Lueg untersuchte Bilder der Popkultur, Richter beschäftigte sich in dieser Zeit vor allem mit der Fotografie.

Nouveau Réalisme in Frankreich

In Frankreich waren Aspekte der Pop Art im Nouveau Réalisme präsent, einer Bewegung, die 1960 vom Kritiker Pierre Restany ins Leben gerufen wurde. Die Erklärung wurde in Yves Kleins Werkstatt von neun Künstlern unterzeichnet, die sich in ihrer direkten Aneignung der Massenkultur einig waren.

Dieses Prinzip zeigt sich in den Arbeiten von Villeglé, dessen Technik der "Décollage" darin bestand, Schichten von Postern durchzuschneiden, um ein neues Bild zu schaffen. Während die Bewegung die Anliegen der amerikanischen Pop-Künstler zur kommerziellen Kultur aufgreift, beschäftigten sich viele von ihnen mehr mit Objekten als mit der Malerei.

Wichtige Vertreter der Bewegung waren Yves Klein, Jean Tinguely, François Dufrêne, Raymond Hains, Niki de Saint Phalle und Christo.

Wichtige Kunstwerke der Pop Art

Richard Hamilton: Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? (1956)

Diese 1956 entstandene Collage gilt als Katalysator für die Verbreitung der Pop Art in Großbritannien. Der britische Künstler Richard Hamilton hat die Arbeit für This is Tomorrow entworfen, eine Sonderausstellung in der Londoner Whitechapel Art Gallery, die die Interpretationen der Moderne und ihre Zukunftsprognosen zeitgenössischer Künstler präsentierte. 

Die Arbeit beinhaltet mehrere kommunikationsbezogene Themen, die von Hamilton vorbeugend ausgearbeitet wurden. Mit Ausschnitten aus amerikanischen Zeitschriften schuf er eine Szene, die auf den Motiven basiert, indem er aus Werken der Populärkultur ein Kunstwerk herstellte und die verschiedenen Einflüsse, die das Nachkriegsbritannien zu prägen begannen kommentierte.

Andy Warhol, 32 Soup Cans (1962)

1962 setzte sich der amerikanische Künstler Andy Warhol erstmals mit seinem bekannten Motiv der Suppendose auseinander. Die Arbeit besteht aus 32 handbemalten und handgestempelten Leinwänden, die jeweils eine andere Geschmacksrichtung von Campbell's Suppe darstellen.

Warhol, ein wegweisender Popkünstler, entschied sich für dieses Thema, weil es den Fokus der Pop Art auf die Massenproduktion und sein eigenes künstlerisches Interesse an der Wiederholung einbezog.

Bald nach der Maldung dieser Gemäldesammlung experimentierte Warhol weiter mit dem Motiv der Suppendose und mit der Idee der Vervielfältigungen. Mit diesen späteren Arbeiten verlagerte er jedoch seinen Prozess von der Malerei auf den Siebdruck, eine Methode der Druckgrafik, die bei der kommerziellen Herstellung von Werbung zum Einsatz kommt.

Roy Lichtenstein, WHAAM! (1963)

Der Künstler Roy Lichtenstein, der für seine farbenfrohen, von Comics inspirierten Gemälde bekannt ist, hat der Pop Art einen animierten und energischen Touch gegeben.

Eine seiner bekanntesten Arbeiten ist Whaam!, das eine Szene aus All American Men of War aufgreift, einer beliebten Serie, die von 1956 bis 1966 von DC Comics veröffentlicht wurde.

Whaam! ähnelt einem aufgeschlagenen Comicbuch und wird auf 2 Tafeln dargestellt. Auf der linken Seite des Diptychons schießt ein Flugzeug auf ein anderes Flugzeug, das - zusammen mit dem Ausruf "WHAAM!" - die gesamte rechte Seite des Stückes einnimmt.

Während die Komposition der ursprünglichen Darstellung auffallend ähnlich ist, änderte Lichtenstein mehrere Details: Er änderte die Designs der Flugzeuge, ließ eine Sprechblase weg und änderte das Farbschema.

Diese kleinen Änderungen sprechen für Lichtensteins größeres Ziel, nämlich die Personalisierung dieser massenproduzierten Kunstwerke. "Ich zeichne kein Bild, um es zu reproduzieren - ich mache es, um es neu zu komponieren", erklärte er.

Robert Rauschenberg, Retroactive II (1964)

Robert Rauschenberg, der für seinen einzigartigen Umgang mit Materialien bekannt ist, trug mit seinen Kombinationen und Collagen zur Pop Art bei. Ein besonders einprägsames, durch die Popkultur inspiriertes Stück ist Retroactive II, ein Siebdruck aus dem Jahr 1964.

Retroactive II erinnert an eine Collage und zeigt wichtige Bilder aus dieser Zeit, darunter ein Porträt von John F. Kennedy und einem NASA-Astronauten. Zusätzlich zu dieser von aktuellen Ereignissen inspirierten Bildsprache fügen sich die geschäftige Komposition, die fotografische Inspiration und die künstliche Farbpalette des Stückes perfekt in die Pop Art-Ästhetik ein.

David Hockney, A bigger splash (1967)

In der zweiten Hälfte der 1960er Jahre widmete sich der britische Künstler David Hockney in seinen von der Populärkultur inspirierten Bildern einem einzigartigen Thema: dem Swimmingpool.

Inspiriert von einer Reise nach Kalifornien, genoss er die klaren Linien, die moderne Ästhetik und die Beliebtheit der Leuchten in den dortigen Vororten.

Im Frühjahr 1967 vollendete er sein bekanntestes Poolbild: A bigger splash. Mit nur einem modernen Haus, einem Klappstuhl und zwei Palmen im Hintergrund steht der Pool im Mittelpunkt des Stückes. Ein simples Sprungbrett schwebt über der glatten Oberfläche des Wassers, die durch einen Spritzer verdeckt wird.

Claes Oldenburg und Coosje van Bruggen, Spoonbridge and Cherry (1985-1988)

Das Pop Art Paar Claes Oldenburg und Coosje van Bruggen werden für ihre überdimensionalen Außenskulpturen gefeiert. Zu ihren berühmtesten Werken gehören Spoonbridge and Cherry, eine überlebensgroße Darstellung einer glänzenden roten Kirsche, die auf der Schale eines stilisierten Löffels balanciert.

Durch das Spiel mit den Maßstäben und die Wahl so einfacher Themen verwandeln Oldenburg und van Bruggen massenproduzierte Objekte in ein eigenwilliges Kunstwerk.

Keith Haring, Ignorance = Fear (1989)

Keith Haring war ein amerikanischer Künstler und Sozialaktivist, der für seine vielschichtigen Beiträge zur Straßenkultur der 80er Jahre in New York City bekannt ist. Er kombinierte die Pop Art mit Graffiti und machte sie noch besser zugänglich - und für die Öffentlichkeit unausweichlich.

Ein Stück, das seinen von Aktivisten inspirierten Zugang zur Kunst einfängt, ist Ignorance = Fear, das 1989 herausgegeben wurde. Haring entwarf und gestaltete dieses Poster für die AIDS Coalition to Unleash Power, eine Organisation mit Sitz in New York.

Durch die Modernisierung des uralten Mantra der drei Affen "nichts sehen, nichts hören, nichts sagen", kommentiert Haring die Gefahren der Stille in der Zeit der AIDS-Epidemie. Obwohl es inhaltlich ernst ist, wird das Poster in kräftigen Tönen und einer grafischen Gestaltung wiedergegeben, was die Anpassungsfähigkeit und die endlosen Möglichkeiten der Pop Art beweist.

Auswirkungen auf die Kunstwelt

Die Pop Art beeinflusste die Künstler auch in den folgenden Jahrzehnten (und bis heute), wobei Künstler wie Warhol in der New Yorker Kunstwelt bis in die 1980er Jahre hinein eine starke Präsenz behielten.

In den 1970er Jahren geriet die Pop Art etwas in Vergessenheit, als sich die Kunstwelt auf Installationen, Performances und andere weniger greifbare Kunstformen zu konzentrieren begann. 

Mit der Revitalisierung der Malerei in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren rückte jedoch das Kunstobjekt wieder in den Vordergrund, und die Populärkultur bot Themen, die für den Betrachter leicht erkennbar und verständlich waren.

Einer der wichtigsten Künstler der Neo-Pop-Bewegung ist Jeff Koons, dessen Einbeziehung von Popkultur-Ikonen wie Michael Jackson und massenproduzierten Objekten wie Staubsaugern die Grenzen der hohen Kunst weiter ausdehnt.

In Japan wurde die Arbeit von Takashi Murakami als jüngstes Beispiel für Neo-Pop genannt, was auf seine Verwendung populärer Anime-Aufnahmen in seinem Superflat-Stil und seine erfolgreiche Zusammenarbeit mit Modelabels wie Louis Vuitton zurückzuführen ist.

Solche Künstler überwinden weiterhin die Grenze zwischen hohen und niedrigen Kunstformen und bewerten die Rolle der Kunst als Ware an sich neu.

Häufig gestellte Fragen

Was sind die Merkmale der Pop Art?

Hier sind 5 wesentliche Merkmale der Pop Art zusammengefasst:

Was ist das Ziel der Pop Art?

Das Ziel der Pop Art war es, die traditionellen Vorstellungen von Kunst in Frage zu stellen, indem sie die Populärkultur aufgriff und alltägliche Gegenstände und Bilder in den künstlerischen Schaffensprozess einbezog.

Pop Art versucht, die Grenzen zwischen Hoch- und Populärkultur zu verwischen, indem sie die Kunst zugänglicher macht und häufig einen kritischen Kommentar zum Konsumverhalten und zu den Auswirkungen der Massenmedien abgibt.

Ziel dieser künstlerischen Strömung war es, die Kunst zu demokratisieren, das Alltägliche zu feiern und die dynamische, sich schnell verändernde Kulturlandschaft der Mitte des 20. Jahrhundert zu veranschaulichen.

Wie erklärt man die Pop Art Kindern am besten?

Die Pop-Art-Bewegung wurde von Konsumgütern, Berühmtheiten und Comics inspiriert. Sie begann in den 1950er Jahren in Großbritannien und den USA und dauerte bis in die 1960er Jahre.

Der Begriff Pop Art geht auf Lawrence Alloway und das Wort "populär" zurück und wurde verwendet, um das damalige Zeitgefühl in der Kunst zu beschreiben. Sie nutzte kräftige Farben und einfache Bilder, um eine gestalterische Botschaft über die Kaufgewohnheiten und -interessen der Verbraucher und den technologischen Fortschritt in der Welt nach dem Zweiten Weltkrieg zu vermitteln.

Zu den bekanntesten Künstlern der Pop-Art-Bewegung gehören Andy Warhol, Roy Lichtenstein und Jasper Johns. Diese Künstler verwendeten Techniken wie die Punktiermethode und den Schablonenstil, um Pop-Art-Gemälde zu schaffen.