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Pop Art – Ursprünge, Entwicklungen, bekannte Künstler & Werke

Pop-Art WarholFoto: Luke W. Choi / Shutterstock

Pop Art ist ein charakteristisches Kunstgenre, das erstmals in der Nachkriegszeit in Großbritannien und Amerika "auftauchte". Die Bewegung, die in erster Linie durch das Interesse an der Populärkultur und die phantasievolle Interpretation kommerzieller Produkte gekennzeichnet ist, führte zu einem neuen und leicht zugänglichen Ansatz zur Kunst. Von skurril bis kritisch, haben die Stücke der Pop-Künstler der 1950er und 1960er Jahre das zeitgenössische Leben und die Ereignisse interpretiert.

Neben der einzigartigen Bildsprache selbst trägt die Behandlung des Themas durch die Künstler dazu bei, die Gattung zu definieren. Die Bewegung ist bekannt für seine markanten Bilder, seine strahlende Farbpalette und seinen sich wiederholenden, von der Massenproduktion inspirierten Charakter. Die Bewegung ist bekannt für ihren einzigartigen und unverwechselbaren Stil.

Kernideen der Pop Art

  • Durch die Schaffung von Gemälden oder Skulpturen von Objekten der Massenkultur und Medienstars zielte die Pop Art Bewegung darauf ab, die Grenzen zwischen "hoher" Kunst und "niedriger" Kultur zu lockern. Das Konzept, dass es keine Hierarchie der Kultur gibt und dass Kunst von jeder Quelle ausgehen kann, war eines der einflussreichsten Merkmale der Pop Art.
  • Es könnte argumentiert werden, dass die Abstrakten Expressionisten nach Traumata in der Seele suchten, während die Pop-Künstler nach Spuren desselben Traumas in der vermittelten Welt der Werbung, Cartoons und den populären Bilder im Allgemeinen suchten. Aber es ist vielleicht noch präziser anzumerken, dass Pop-Künstler die ersten waren, die erkannten, dass es keinen unmittelbaren Zugang zu irgendetwas gibt, sei es zur Seele, zur Natur oder zur städtischen Umwelt. Pop-Künstler glaubten, dass alles miteinander verbunden ist, und versuchten daher, diese Verbindungen in ihrem Kunstwerk zu verdeutlichen.
  • Obwohl die Pop Art eine große Bandbreite an Arbeiten mit sehr unterschiedlichen Einstellungen und Positionen umfasst, ist vieles davon emotional etwas entrückt. Im Gegensatz zum scharfen Ausdruck der ihr vorausgehenden gestischen Abstraktion ist die Pop Art in der Regel mehrdeutig. Ob dies eine Anerkennung der Populärkultur oder einen schockierenden Rückgang nahelegt, war Gegenstand vieler Diskussionen.
  • Pop-Künstler begrüßten offenbar den Produktions- und Medienboom nach dem Zweiten Weltkrieg. Einige Kritiker haben die Pop Art-Bildgebung als begeisterte Unterstützung des Kapitalmarktes und der von ihm umgesetzten Güter bezeichnet, während andere ein Element der Kulturkritik an der hohen Kunst festgestellt haben: die Kopplung des Gebrauchsstatus der dargestellten Güter an den Status des Kunstobjekts selbst, wobei sie den Stellenwert der Kunst selbst als Ware betonen.
  • Die Mehrheit der Pop Art Künstler begann ihre Karriere in der kommerziellen Kunst: Andy Warhol war ein sehr erfolgreicher Zeitschriften-Illustrator und Werbegrafiker, Ed Ruscha war auch Grafik-Designer, und James Rosenquist begann seine Karriere als Plakatmaler. Ihr Hintergrund in der Welt der kommerziellen Kunst schulte sie im visuellen Vokabular der Massenkultur sowie in den Techniken, um die Bereiche der hohen Kunst und der Populärkultur nahtlos zu verschmelzen.

Ursprünge der Pop Art und Entstehung

Großbritannien: Die unabhängige Gruppe

Pop Art

Foto: Sarah Jackson, This is Tomorrow exhibition, London, 1956 | Foto: Zelechin / Wikipedia / CC BY-SA 3.0

1952 begann ein Zusammenschluss von Künstlern in London, die sich die Independent Group nannten, sich regelmäßig zu treffen, um Themen wie den Platz der Massenkultur in der bildenden Kunst, das Objet trouvé sowie Wissenschaft und Technologie zu diskutieren.

Zu den Teilnehmern gehörten Edouardo Paolozzi, Richard Hamilton, die Architekten Alison und Peter Smithson sowie die Kritiker Lawrence Alloway und Reyner Banham. Großbritannien in den frühen 1950er Jahren zeichnete sich noch durch die Härte der Nachkriegsjahre aus, und seine Bürger waren gegenüber der amerikanischen Populärkultur uneins.

Während die Gruppe misstrauisch gegenüber ihrem kommerziellen Charakter war, waren sie begeistert von der vielfältigen Popkultur der Welt, die für die Zukunft vielversprechend schien. Zu den Bildern, die sie ausführlich diskutierten, gehörten unter anderem westliche Filme, Science Fiction, Comics, Plakate, Automobil-Design und Rock-Musik.

Der eigentliche Begriff "Pop Art" hat mehrere denkbare Ursprünge: Die erste schriftliche Verwendung des Begriffs wurde sowohl Lawrence Alloway als auch Alison und Peter Smithson zugeschrieben, alternativ Richard Hamilton, der den Begriff Pop in einem Brief integrierte, während das erste Kunstwerk mit dem Wort "Pop" von Paolozzi produziert wurde. Seine Collage I Was a Rich Man's Plaything (1947) enthielt zerstückelte Bilder eines Pinup-Mädchens, Coca-Cola-Logo, Kirschkuchen, Bomber aus dem Zweiten Weltkrieg und eine Männerhand mit einer Pistole, aus der das Wort "POP!" in einer aufgedunsenen weißen Wolke explodierte.

New York City: Die Entstehung von Neo-Dada

Mitte der 1950er Jahre erlebten die in New York City arbeitenden Künstler einen entscheidenden Umbruch in der modernen Kunst: den Abstrakten Expressionisten folgen oder sich gegen den strengen Formalismus der meisten Richtungen der Moderne aussprechen.

Zu dieser Zeit störte Jasper Johns bereits die Konventionen mit abstrakten Gemälden, die Verweise auf sie beinhalteten: "Dinge, die der Verstand bereits weiß" - Ziele, Fahnen, Handabdrücke, Buchstaben und Zahlen. In Robert Rauschenbergs sogenannten Combines wurden gefundene Objekte und Bilder mit traditionelleren Materialien wie Ölfarbe kombiniert.

Ebenso entschieden sich Allan Kaprows "Happenings" und die Fluxus-Bewegung, Aspekte aus der Umwelt in ihre Kunst zu integrieren. Diese Künstler, zusammen mit anderen, wurden später in der unter der Bezeichnung Neo-Dada zusammengefasst. 

Die heute klassische New Yorker Pop Art von Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist und Andy Warhol entstand 1960 in den Fußstapfen der Neo-Dadaisten.


Konzepte und Stile der Pop Art

Nachdem der Übergang von den Fundobjekten der Neo-Dada-Künstler zur Pop-Bewegung vollzogen war, war das Interesse der Künstler an der Einbeziehung der Popkultur in ihr Werk groß. Obwohl die Künstler der Independent Group in London diesen Einsatz initiierten, folgten amerikanische Künstler bald dem Beispiel und integrierten auch die Populärkultur in ihre Kunst.

Obwohl die einzelnen Stile sehr unterschiedlich sind, pflegen alle Künstler eine Gemeinsamkeit in der Wahl der Bilder der Populärkultur als grundlegendes Thema. Kurz nachdem die amerikanische Pop Art in der Kunstwelt angekommen war, entwickelten sich kontinentaleuropäische Varianten in Deutschland und in Frankreich.

Richard Hamilton und Edouardo Paolozzi 

Die Pop Art Collagen von Paolozzi und Hamilton vermitteln die gemischten Gefühle der Europäer gegenüber der amerikanischen Popkultur, die sowohl die massenproduzierten Objekte und Bilder hervorheben als auch den Exzess bemängeln.

Die Mitglieder der Independent Group waren die ersten Künstler, die Bilder aus den Massenmedien präsentierten und damit die Herausforderungen an die traditionellen Kunstgattungen in Amerika und Großbritannien nach 1945 einführten.

Roy Lichtenstein und die Populärkultur

Roy Lichtenstein Nudes

Lichtenstein bewies, dass er die Anforderungen an eine "große" Komposition erfüllen konnte, obwohl seine Themen aus Comics stammten. Neben der Verwendung der Bilder aus diesen massenproduzierten Bilderbüchern wandte Lichtenstein auch Techniken an, mit denen die Bilder in Comics erstellt wurden, um seine Gemälde zu gestalten.

Er übernahm nicht nur die gleichen leuchtenden Farben und klaren Umrisse wie die Populärkunst, sein innovativster Beitrag war die Verwendung von Benday-Dots: kleine Punkte, mit denen in massengefertigten Comics Farbe dargestellt wurde.

Lichtensteins Gemälde, die sich auf ein einzelnes Feld innerhalb eines Comics konzentrieren, sind kein exaktes Abbild, sondern vielmehr die kreative Nachbildung der Komposition durch den Künstler, in der Elemente hinzugefügt oder ausgeschlossen werden, sich der Maßstab verschieben und Text verändert werden kann.

Durch das manuelle Malen der meist maschinell produzierten Tupfer und die Nachbildung von Comicszenen verwischte Lichtenstein die Unterscheidung zwischen massenhafter Vervielfältigung und hoher Kunst.

James Rosenquist und seine monumentalen Werke

House of Fire

Rosenquist hat sich für seine Bilder auch direkt Werke aus der Populärkultur zu eigen gemacht.

Anstatt allerdings Kopien herzustellen, übte Rosenquist durch seine surrealistischen Nebeneinanderstellungen von Produkten und Prominenten eine schöpferische Kontrolle aus und setzte oft politische Botschaften ein. Als Teil seiner Methode hat Rosenquist Magazinausschnitte aus Anzeigen und Fotostrecken als Collage zusammengefügt und die Ergebnisse dann als Studien für seine endgültige Malerei verwendet.

Rosenquists Ausbildung in der Plakatmalerei ging nahtlos in seine realistische Darstellung dieser Collagen über, die auf einen monumentalen Maßstab erweitert wurden. Mit Werken, die oft viel größer und breiter als 5 Meter waren, verlieh Rosenquist dem Alltäglichen den gleichen Status, der zuvor hohen, zum Teil königlichen, Kunstgegenständen vorbehalten war.

Andy Warhol und Kunst der Wiederholung

Andy Warhols Marilyn Monroe

Foto: Chris Beckett / Flickr / CC BY-NC-ND 2.0

Andy Warhol ist vor allem für seine lebendigen Porträts von Prominenten bekannt, aber seine Themen haben sich im Laufe seiner Karriere stark verändert. Das gemeinsame Leitmotiv inmitten der verschiedenen Themen ist die Inspiration in der Konsumkultur.

Seine frühesten Arbeiten zeigen Objekte wie Coca-Cola-Flaschen und Campbell-Suppendosen, die vielfach reproduziert wurden, als ob die Galeriewand ein Regal in einem Supermarkt wäre. Warhol wechselte von der Handmalerei zum Siebdruck, um die großformatige Replikation von Popbildern noch weiter zu erleichtern. Warhols Beharrlichkeit auf mechanischer Vervielfältigung lehnte Vorstellungen von künstlerischer Authentizität und Genialität ab. Stattdessen erkannte er die Kommerzialisierung der Kunst an und bewies, dass sich Gemälde nicht von Campbell's Suppendosen unterschieden; beide haben einen materiellen Wert und könnten wie Konsumgüter gekauft und verkauft werden.

In Porträts wie dem Marilyn Diptych (1962) setzte er den massenhaft gefertigten Status von Konsumgütern mit dem von Prominenten gleich.

Claes Oldenburg und Pop-Skulptur

Spoonbridge & Cherry

Bekannt für seine monumentalen öffentlichen Skulpturen von Alltagsgegenständen, begann Claes Oldenburg seine künstlerische Laufbahn in viel kleinerem Maßstab. 1961 mietete er für einen Monat eine Schaufensterfront in New York City, wo er seine Draht- und Gipsskulpturen alltäglicher Objekte, die vom Gebäck bis zur Unterwäsche für Männer und Frauen reichten, in einer Installation mit dem Titel The Store aufbaute und verkaufte. Oldenburg erhob für jedes Stück eine Pauschalgebühr, was seinen Kommentar zur Rolle der Kunst als Ware unterstrich.

Er begann seine Weichplastiken kurz nach The Store und konstruierte große Alltagsgegenstände, wie ein Stück Kuchen, einen Eisbecher oder einen Mixer, oft aus Stoff, so dass das Endergebnis in sich zusammenfällt wie ein kollabierender Ballon.

Unabhängig von der Größe pflegt Oldenburgs Werk immer eine spielerische Auseinandersetzung damit, alltägliche Dinge auf unkonventionelle Weise neu zu erschaffen, um die Erwartungen des Betrachters zu wecken.

Pop Art in Los Angeles

Ed Ruscha

Im Gegensatz zu New York City war die Kunstwelt von Los Angeles viel unflexibler ohne die etablierten Galerien, Kritiker und Hierarchien der Ostküste. Diese Offenheit spiegelt sich in den Stilen der Künstler wider, die dort lebten und arbeiteten.

Die erste museale Bestandsaufnahme der Pop Art, New Painting of Common Objects, fand 1962 im Pasadena Art Museum statt und zeigte Warhol und Lichtenstein sowie viele in Los Angeles lebende Künstler wie Ed Ruscha, Joe Goode, Phillip Hefferton, Wayne Thiebaud und Robert Dowd.

Indem sie den Fokus weg von bestimmten Konsumgütern verlagerten, erlaubten diese Künstler der Pop Art, sich über die Nachbildung hinaus zu bewegen, um Erfahrung einzubinden und ein bestimmtes Gefühl, eine bestimmte Einstellung oder Idee hervorzurufen, während sie gleichzeitig die Grenzen zwischen hoher Kunst und Populärkultur verschoben.

Ed Ruscha und Beschilderung

Ed Ruscha war einer der wichtigsten Künstler der Pop Art in Los Angeles, der in einer Vielzahl von Medien arbeitet, von denen die meisten typischerweise gedruckt oder gemalt wurden. Ruscha betonte die Allgegenwart der Lichtwerbung in Los Angeles und verwendete Wörter und Phrasen als Sujets in seinen frühesten Pop Art-Gemälden. 

Ed Ruscha: 20th Century Fox

Seine erste Referenz an die Populärkultur war das Gemälde Large Trademark with Eight Spotlights (1962). In diesem Werk stellt er das Logo von 20th Century Fox in einer vereinfachten Komposition mit den harten Kanten eines Cartoons dar. Ruschas Erforschung einer Vielzahl von alltäglichen Bildern und Themen ging über die bloße Reproduktion hinaus, sondern untersuchte die Austauschbarkeit von Bild, Text, Ort und Erfahrung.

Kapitalistischer Realismus in Deutschland

In Deutschland war der Kapitalistische Realismus das Gegenstück zur amerikanischen Pop Art. Die Gruppe wurde 1963 von Sigmar Polke gegründet und umfasste die Künstler Gerhard Richter und Konrad Lueg als zentrale Mitglieder. 

Die kapitalistischen Realisten versuchten, den Konsumismus und die Oberflächlichkeit der zeitgenössischen Gesellschaft aufzudecken, indem sie die Bilder und Ästhetik der populären Kunst und Werbung in ihrem Werk nutzten. Polke erforschte die kreativen Möglichkeiten der mechanischen Reproduktion und Lueg untersuchte Bilder der Popkultur, Richter beschäftigte sich in dieser Zeit vor allem mit der Fotografie.

Nouveau Réalisme in Frankreich

In Frankreich waren Aspekte der Pop Art im Nouveau Réalisme präsent, einer Bewegung, die 1960 vom Kritiker Pierre Restany ins Leben gerufen wurde. Die Erklärung wurde in Yves Kleins Werkstatt von neun Künstlern unterzeichnet, die sich in ihrer direkten Aneignung der Massenkultur einig waren.

Dieses Prinzip zeigt sich in den Arbeiten von Villeglé, dessen Technik der "Décollage" darin bestand, Schichten von Postern durchzuschneiden, um ein neues Bild zu schaffen. Während die Bewegung die Anliegen der amerikanischen Pop-Künstler zur kommerziellen Kultur aufgreift, beschäftigten sich viele von ihnen mehr mit Objekten als mit der Malerei.

Wichtige Vertreter der Bewegung waren Yves Klein, Jean Tinguely, François Dufrêne, Raymond Hains, Niki de Saint Phalle und Christo.


Entwicklungen nach der Pop Art

Die Pop Art beeinflusst auch in den folgenden Jahrzehnten die Künstler (auch heute noch), wobei Künstler wie Warhol bis in die 1980er Jahre eine unheimliche Präsenz in der New Yorker Kunstwelt aufrechterhielten. In den 1970er Jahren geriet die Pop Art ein wenig in Ungnade, als sich die Kunstwelt auf Installationen, Performances und andere weniger greifbare Kunstformen zu konzentrieren begann. 

Mit der Wiederbelebung der Malerei Ende der 1970er und Anfang der 1980er Jahre kam das Kunstobjekt jedoch wieder in den Vordergrund, und die Populärkultur bot Themen, die für den Betrachter leicht zu erkennen und zu verstehen waren. Eine der wichtigsten Künstler der Neo-Pop-Bewegung ist Jeff Koons, dessen Einbeziehung von Popkultur-Ikonen wie Michael Jackson und massenproduzierten Objekten wie Staubsaugern die Grenzen der hohen Kunst weiter ausdehnt.

In Japan wurde die Arbeit von Takashi Murakami als jüngstes Beispiel für Neo-Pop genannt, was auf seine Verwendung populärer Anime-Aufnahmen in seinem Superflat-Stil und seine erfolgreiche Zusammenarbeit mit Modelabels wie Louis Vuitton zurückzuführen ist.

Solche Künstler überwinden weiterhin die Grenze zwischen hohen und niedrigen Kunstformen und bewerten die Rolle der Kunst als Ware an sich neu.


Wichtige Kunstwerke der Pop Art

Richard Hamilton: Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? (1956)

Richard Hamilton (10)

Diese 1956 entstandene Collage gilt als Katalysator für die Verbreitung der Pop Art in Großbritannien. Der britische Künstler Richard Hamilton hat die Arbeit für This is Tomorrow entworfen, eine Sonderausstellung in der Londoner Whitechapel Art Gallery, die die Interpretationen der Moderne und ihre Zukunftsprognosen zeitgenössischer Künstler präsentierte. 

Die Arbeit beinhaltet mehrere kommunikationsbezogene Themen, die von Hamilton vorbeugend ausgearbeitet wurden. Mit Ausschnitten aus amerikanischen Zeitschriften schuf er eine Szene, die auf den Motiven basiert, indem er aus Werken der Populärkultur ein Kunstwerk herstellte und die verschiedenen Einflüsse, die das Nachkriegsbritannien zu prägen begannen kommentierte.

Andy Warhol, 32 Soup Cans (1962)

32 Campbell's Soup Cans

1962 setzte sich der amerikanische Künstler Andy Warhol erstmals mit seinem bekannten Motiv der Suppendose auseinander. Die Arbeit besteht aus 32 handbemalten und handgestempelten Leinwänden, die jeweils eine andere Geschmacksrichtung von Campbell's Suppe darstellen. Warhol, ein wegweisender Popkünstler, entschied sich für dieses Thema, weil es den Fokus der Pop Art auf die Massenproduktion und sein eigenes künstlerisches Interesse an der Wiederholung einbezog.

Bald nach der Maldung dieser Gemäldesammlung experimentierte Warhol weiter mit dem Motiv der Suppendose und mit der Idee der Vervielfältigungen. Mit diesen späteren Arbeiten verlagerte er jedoch seinen Prozess von der Malerei auf den Siebdruck, eine Methode der Druckgrafik, die bei der kommerziellen Herstellung von Werbung zum Einsatz kommt.

Roy Lichtenstein, WHAAM! (1963)

Whaam!

Der Künstler Roy Lichtenstein, der für seine farbenfrohen, von Comics inspirierten Gemälde bekannt ist, hat der Pop Art einen animierten und energischen Touch gegeben. Eine seiner bekanntesten Arbeiten ist Whaam!, das eine Szene aus All American Men of War aufgreift, einer beliebten Serie, die von 1956 bis 1966 von DC Comics veröffentlicht wurde.

Whaam! ähnelt einem aufgeschlagenen Comicbuch und wird auf 2 Tafeln dargestellt. Auf der linken Seite des Diptychons schießt ein Flugzeug auf ein anderes Flugzeug, das - zusammen mit dem Ausruf "WHAAM!" - die gesamte rechte Seite des Stückes einnimmt.

Während die Komposition der ursprünglichen Darstellung auffallend ähnlich ist, änderte Lichtenstein mehrere Details: Er änderte die Designs der Flugzeuge, ließ eine Sprechblase weg und änderte das Farbschema.

Diese kleinen Änderungen sprechen für Lichtensteins größeres Ziel, nämlich die Personalisierung dieser massenproduzierten Kunstwerke. "Ich zeichne kein Bild, um es zu reproduzieren - ich mache es, um es neu zu komponieren", erklärte er.

Robert Rauschenberg, Retroactive II (1964)

Robert Rauschenberg, der für seinen einzigartigen Umgang mit Materialien bekannt ist, trug mit seinen Kombinationen und Collagen zur Pop Art bei. Ein besonders einprägsames, durch die Popkultur inspiriertes Stück ist Retroactive II, ein Siebdruck aus dem Jahr 1964.

Retroactive II erinnert an eine Collage und zeigt wichtige Bilder aus dieser Zeit, darunter ein Porträt von John F. Kennedy und einem NASA-Astronauten. Zusätzlich zu dieser von aktuellen Ereignissen inspirierten Bildsprache fügen sich die geschäftige Komposition, die fotografische Inspiration und die künstliche Farbpalette des Stückes perfekt in die Pop Art-Ästhetik ein.

David Hockney, A bigger splash (1967)

David Hockney's A Bigger Splash at Tate Britain

In der zweiten Hälfte der 1960er Jahre widmete sich der britische Künstler David Hockney in seinen von der Populärkultur inspirierten Bildern einem einzigartigen Thema: dem Swimmingpool. Inspiriert von einer Reise nach Kalifornien, genoss er die klaren Linien, die moderne Ästhetik und die Beliebtheit der Leuchten in den dortigen Vororten.

Im Frühjahr 1967 vollendete er sein bekanntestes Poolbild: A bigger splash. Mit nur einem modernen Haus, einem Klappstuhl und zwei Palmen im Hintergrund, steht der Pool im Mittelpunkt des Stückes. Ein simples Sprungbrett schwebt über der glatten Oberfläche des Wassers, die durch einen Spritzer verdeckt wird. Dieses Thema, zusammen mit der Farbpalette und der grafischen Ästhetik der Komposition, weckt das Interesse von Hockney und anderen Pop Art Künstlern in dieser Zeit.

Claes Oldenburg und Coosje van Bruggen, Spoonbridge and Cherry (1985-1988)

Spoonbridge & Cherry

Das Pop Art Paar Claes Oldenburg und Coosje van Bruggen werden für ihre überdimensionalen Außenskulpturen gefeiert. Zu ihren berühmtesten Werken gehören Spoonbridge und Cherry, eine überlebensgroße Darstellung einer glänzenden roten Kirsche, die auf der Schale eines stilisierten Löffels balanciert.

Durch das Spiel mit den Maßstäben und die Wahl so einfacher Themen verwandeln Oldenburg und van Bruggen massenproduzierte Objekte in ein eigenwilliges Kunstwerk.

Keith Haring, Ignorance = Fear (1989)

Keith Haring war ein amerikanischer Künstler und Sozialaktivist, der für seine vielschichtigen Beiträge zur Straßenkultur der 80er Jahre in New York City bekannt ist. Er kombinierte die Pop Art mit Graffiti und machte sie noch besser zugänglich - und für die Öffentlichkeit unausweichlich.

Ein Stück, das seinen von Aktivisten inspirierten Zugang zur Kunst einfängt, ist Ignorance = Fear, das 1989 herausgegeben wurde. Haring entwarf und gestaltete dieses Poster für die AIDS Coalition to Unleash Power, eine Organisation mit Sitz in New York.

Durch die Modernisierung des uralten Mantra der drei Affen "nichts sehen, nichts hören, nichts sagen", kommentiert Haring die Gefahren der Stille in der Zeit der AIDS-Epidemie. Obwohl es inhaltlich ernst ist, wird das Poster in kräftigen Tönen und einer grafischen Gestaltung wiedergegeben, was die Anpassungsfähigkeit und die endlosen Möglichkeiten der Pop Art beweist.

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