Kunst

Post-Impressionismus – Bekannte Künstler, Werke und wichtige Strömungen

Wie sich die Sammelbezeichnung des "Post-Impressionismus" zusammensetzt

Paul-Cézanne-Die-BadendenPaul Cézanne, Die Badenden, 1898 - 1905
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Der Post-Impressionismus umfasst eine breite Palette unterschiedlicher Kunststile, die alle die gemeinsame Motivation haben, auf die Ästhetik des Impressionismus zu reagieren. Die stilistischen Variationen, die unter dem allgemeinen Banner des Post-Impressionismus versammelt sind, reichen vom wissenschaftlich orientierten Neo-Impressionismus von Georges Seurat bis zum üppigen Symbolismus von Paul Gauguin, konzentrierten sich aber alle auf die subjektive Sichtweise der Kunstschaffenden.

Die Bewegung leitete eine Zeit ein, in der die Malerei ihre traditionelle Rolle als Fenster zur Welt überschritt und stattdessen zu einem Fenster in den Geist und die Seele des Künstlers wurde. Die weitreichende ästhetische Wirkung der Post-Impressionisten beeinflusste Gruppen, die um die 19. Jahrhundertwende entstanden sind, wie die Expressionisten, aber auch zeitgenössischere Bewegungen, wie die identitätsbezogene Feministische Kunst.

Wichtige Ideen des Post-Impressionismus

  • Symbolische und sehr persönliche Bedeutungen waren besonders wichtig für Post-Impressionisten wie Paul Gauguin und Vincent van Gogh. Sie lehnten das Interesse an der Darstellung der betrachteten Welt ab und blickten stattdessen auf ihre eigenen Erinnerungen und Emotionen, um sich mit dem Betrachter auf einer tieferen Ebene zu verbinden.
  • Struktur, Ordnung und die optischen Effekte der Farbe dominierten die ästhetische Vision von Post-Impressionisten wie Paul Cézanne, Georges Seurat und Paul Signac. Anstatt nur ihre Umgebung darzustellen, vertrauten sie auf die Wechselbeziehungen von Form und Farbe, um die Welt um sie herum zu beschreiben.
  • Trotz der verschiedenen individuellen Stile konzentrierten sich die meisten Post-Impressionisten auf abstrakte Formen und Muster beim Auftragen der Farbe. Ihre frühe Tendenz zur Abstraktion ebnete den Weg für die radikale modernistische Erforschung der Abstraktion, die im frühen 20. Jahrhundert stattfand.
  • Die Kritiker gruppierten die verschiedenen Stile des Post-Impressionismus in zwei allgemeine, gegensätzliche Stilrichtungen – auf der einen Seite war der strukturierte oder geometrische Stil, der der Vorläufer des Kubismus war, während auf der anderen Seite die expressive oder nicht-geometrische Kunst existierte, die zum Abstrakten Expressionismus führte.

Impressionismus und der Aufstieg des Post-Impressionismus

Impressionismus Hero Monet
Monet, Impression, Sonnenaufgang, 1872

1872 veränderte Claude Monet den Weg der Malerei radikal und führte zu einem revolutionären visuellen Ausdruck, bei dem die Künstler auf ihre gegenwärtige Umgebung reagierten. Erreicht wurde dies im Gemälde Impression, Sonnenaufgang (1872), in dem Monet mit jedem sichtbaren Pinselstrich genau festhielt, wie das Licht der Sonne auf die Dampfschiffe und das darunterliegende Wasser fiel. Der Kritiker Louis Leroy nannte seinen Malstil wegen der sichtbaren Pinselstriche spöttisch “impressionistisch” und gab der Gruppe unbewusst ihre kollektive Identität. Obwohl die Kernmitgliedschaft aus Claude Monet, Berthe Morisot, Auguste Renoir und Edgar Degas bestand, waren viele andere Künstler mit der Gruppe verbunden. Unter ihnen war Paul Cézanne, der mit den Impressionisten in den 1870er und frühen 1880er Jahren ausstellte.

Bei der letzten impressionistischen Ausstellung 1886 forderten jüngere Künstler und Kritiker eine Verschiebung des Fokus der darstellenden Kunst. Sie waren der Meinung, dass die Impressionisten ihre Beschäftigung mit der Technik und der Wirkung des natürlichen Lichts die Bedeutung der Materie überschatten ließen. Schließlich wurden diese gegensätzlichen Künstler als Post-Impressionisten bekannt, ein Begriff, der die unterschiedlichsten individuellen Kunststile zusammenfasst. Tatsächlich waren viele der wichtigsten Figuren der Bewegung Rivalen bezüglich ihrer Methoden und ihres Ansatzes. Gauguin und Seurat verabscheuten sich gegenseitig und teilten eine ablehnende Meinung über den Stil des anderen, und während van Gogh das Werk des Impressionisten Edgar Degas und seines postimpressionistischen Kollegen Henri Rousseau verehrte, war er skeptisch gegenüber Cézannes geordnetem Stil.

Während Paris zweifellos die Quelle des Post-Impressionismus war, führte die Betonung symbolischer und expressiver Inhalte dazu, dass das Leben in der Stadt nicht mehr das dominierende Thema für Künstler war. In der Folge entwickelten viele Maler ihren eigenen ästhetischen Stil außerhalb von Paris. Cézanne verbrachte den größten Teil seiner Karriere in der Provence; Van Gogh kam zu seinem ausgereiften Stil in Arles in Südfrankreich; und in einer bekannten Abkehr von Paris wanderte Gauguin nach Tahiti aus.

Der früheste Vorbote des neuen Trends, der mit dem Impressionismus brach, war Georges Seurat. Er entwickelte den Malstil des Pointillismus, der sich auf die Verwendung eines Punktes als Grundlage für die Konstruktion eines Bildes bezieht. Die größere Stilrichtung von Seurats Anhängern ist als Neoimpressionismus bekannt, aber die Bewegung wird auch als Chromoluminarismus oder Divisionismus bezeichnet. Seurat erforschte einen neuen, wissenschaftlichen Ansatz zur Darstellung von Farbe und erweiterte das Interesse der Impressionisten an der Optik. Die Markierungen, aus denen das Gemälde bestand, wurden jeweils in einer einzigen Farbe ausgearbeitet. Diese einzelnen Markierungen und Farben vermischten sich dann visuell im Auge des Betrachters, wie es die vorherrschenden Lehren der damals aktuellen Farbtheorie vorschreiben.

Seurat verwendet die Farbe in vielen Werken in dichten Feldern mit winzigen Punkten, um das lebhafte und vibrierende Erscheinungsbild des natürlichen Lichts nachzuahmen, das auch das Ergebnis der Vermischung der verschiedenen Farben des Spektrums ist. Paul Signac trat bei diesen Erkundungen in Seurats Fußstapfen.

Verschiedene Strömungen des Post-Impressionismus

Der Post-Impressionismus lässt sich schwierig unter einen Hut bringen. Die Unterschiede der einzelnen Strömungen sind so signifikant, dass sie teils lediglich gemein haben, als Reaktion auf den Impressionismus zu existieren. Die wichtigsten Strömungen und deren Leitfiguren lassen sich jedoch in einigen Absätzen zusammenfassen.

Van Gogh und Japonismus

Die große Welle vor Kanagawa
Katsushika Hokusai: Sechsunddreißig Ansichten des Fuji – Die Große Welle vor der Küste von Kanagawa (1906) wurde von europäischen Modernisten wie Van Gogh und Toulouse-Lautrec genauestens studiert

Vincent van Gogh vertraute auf satte Farben und breite Pinselstriche, um die innere Unruhe des Künstlers hervorzurufen. Zusammen mit Gauguin experimentierte er mit neuen Ansätzen der Malerei und lehnte akademische Repräsentation, Feinbearbeitung und die Fixierung der Impressionisten auf Optik ab. Er wurde von einer Vielzahl von Quellen beeinflusst, nicht zuletzt von seiner Liebe zu den stilisierten Darstellungen japanischer Ukiyo-e Grafiken.

Ende des 19. Jahrhunderts löste ein Zustrom japanischer Waren und Kunst auf den europäischen Markt den Japonismus aus – die europäische Interpretation japanischer Kunststile in westlichen Kunstobjekten. Ähnliche Einflüsse zeigen sich auch in den Arbeiten von Henri de Toulouse-Lautrec. Toulouse-Lautrec war ein Beobachter der Kabarettwelt mit einer einzigartigen Perspektive; er wurde in den französischen Adel hineingeboren, war aber körperlich behindert und verkörpert damit die Perspektive eines Außenseiters im gehobenen Zirkel. Sein einzigartiger Blick auf das Pariser Nachtleben führte zu Gemälden und Lithographien von Tanzlokalen und Kabaretts, die sich auf die starken Konturen und flachen Farbflächen der Ukiyo-e stützten.

Gauguin und Synthetismus

Tahitische Berge
Paul Gauguins “Tahitische Berge” (1897) drückt die Vision des Künstlers mit leuchtenden Farben aus

Im Herbst 1888 teilten sich Van Gogh und Gauguin eine kleine Wohnung und ein Atelier in Arles, im Süden Frankreichs. In diesen Monaten schmiedeten die beiden Künstler eine schroffe, aber für beide Seiten nützliche Beziehung.

Während sie beide ein gemeinsames Interesse an symbolischen Inhalten und Bildern hatten, die von ihrer natürlichen Erscheinung abstrahiert wurden, entwickelte Gauguin diese Ideen in seiner Theorie des “Synthetismus” weiter. Nach seinen Grundsätzen wird die endgültige, visuelle Form durch eine Synthese aus dem äußeren Erscheinungsbild der natürlichen Form, den Gefühlen des Künstlers und den ästhetischen Überlegungen zu Farbe, Linie und Form bestimmt. In seiner Arbeit verzichtete Gauguin häufig auf Schattierung, Modellierung und Einpunktperspektive und verwendete stattdessen reine Farbe, starke Linien und flache Zweidimensionalität, um eine viszerale emotionale Wirkung hervorzurufen. Diese Werke wurden auch oft “de tête” – aus der Erinnerung oder Phantasie – abgeleitet und zeigten eine starke Verbindung zu dem Thema, das die Arbeit inspiriert hat, sei es aus der Religion, Literatur oder Mythologie.

Cézanne und die Struktur der Bildform

Montagne Sainte-Victoire
Cézannes Serie “Montagne Sainte-Victoire” hat die Struktur eines Bildes in geometrische Formen zerlegt

Paul Cézanne konzentrierte sich in seiner Malerei auf die Erforschung der zugrunde liegenden formalen Struktur von Stillleben, Porträts und Landschaften. Anstatt den Gesamteindruck einer Szene zu beschreiben, versuchte Cézanne, ihre zugrunde liegende Organisation zu artikulieren und schlug vor, die Landschaft aus den einfachsten geometrischen Komponenten zusammenzusetzen. Wie er einst in einem Brief an den symbolistischen Maler Emile Bernard schrieb: “Behandle die Natur in Hinblick auf den Zylinder, die Kugel, den Kegel”. Durch die Verwendung von Farbflächen zur Erzeugung dieser Formen verschmolz er Teile von Figuren im Vordergrund mit Elementen des Hintergrunds, die Oberfläche und Tiefe verbanden.

Cézanne, der vielleicht einflussreichste der Post-Impressionisten, schuf eine Verbindung zwischen Impressionismus und Kubismus. Seine Innovationen waren für die Meister der Moderne, wie Henri Matisse und Pablo Picasso von enormer Bedeutung. Picasso ging sogar so weit, Cézanne “den Vater von uns allen” zu nennen.

Rousseau und Primitivismus

Der Traum Henri Rousseau
Henri Rousseau, Der Traum, 1910

Rousseaus autodidaktischer, simplistischer Stil bot den Modernisten neue Darstellungsrichtungen.

Viele Postimpressionisten fühlten sich vom Primitivismus angezogen, als sie nach lebendigeren Stilen und symbolischen Inhalten suchten. Der Primitivismus bezieht sich in diesem Fall auf den “naiven”, autodidaktischen Stil von Henri Rousseau, der als Pionier gepriesen wurde, aber der Begriff kann sich auch auf die Aufnahme nicht-westlicher Kunstformen durch Künstler wie Picasso oder Gauguin beziehen.

Rousseau kam umständlich durch das Skizzieren zur Kunst, um sich bei seinem Job des Pariser Mautdienstes zu beschäftigen, während er die Tore zur Stadt betrieb. Bis 1884 kopierte er eifrig die Werke aus der Sammlung des Louvre und gelang zu einem Stil, der sein gesamtes Werk dominierte. Während Rousseaus Gemälde auf den ersten Blick konventionelle Motive zu zeigen scheinen, stammen die vereinfachten, abstrahierten Formen und Oberflächenmuster, die in den gemalten Bildern verschmelzen, ausschließlich aus seiner Phantasie.

Obwohl ihm jegliche akademische Ausbildung fehlte, vertrauten seine stimmungsvollen Landschaften und Dschungelszenen wie Der schlafende Zigeuner (1897) und Der Traum (1910) auf seine Interpretationen seines Unterbewusstseins und nicht die Eindrücke seiner Umwelt. Seine Darstellung des Reiches der Träume in einem einzigartigen, intuitiven Stil erwies sich als sehr einflussreich für die Fauves, Kubisten und Surrealisten.

Les Nabis

Le Talisman
Paul Sérusier: The Bois d’Amour à Pont-Aven: The Talisman (Le Talisman), 1888

Beeinflusst vom Japonismus, symbolistischer Malerei und den englischen Prä-Raphaeliten, hielt die Künstlergruppe Les Nabis an der Idee fest, dass der Künstler Natur und persönlichen Ausdruck innerhalb des Kunstwerks synthetisieren muss. Der Name “Les Nabis”, abgeleitet vom hebräischen Wort für “Prophet”, läutete die Kernideologie der Gruppe ein – eine Mischung aus Mystik und der inneren Spiritualität des Künstlers.

Paul Sérusier gründete diese Gruppe des Post-Impressionismus und verfeinerte den Stil, der ihre Produktion dominierte. Unter dem Einfluss von Gauguin verwendeten sie Farbe direkt aus der Tube in breiten, unmodulierten Farbflächen, mit gemusterten Designs und stilisierten Konturen, die die subjektive Sicht des Künstlers widerspiegeln. Der Maler und Theoretiker Maurice Denis veröffentlichte 1890 den Essay “Definition of Neo-Traditionism”, in dem er erklärte: “Denken Sie daran, dass ein Bild – bevor es ein Kriegspferd oder eine Akt- oder Genreszene ist – in erster Linie eine ebene Fläche ist, die mit Farben bedeckt ist, die in einer bestimmten Reihenfolge angeordnet sind”.

Les Nabis stellte von 1892 bis 1899 gemeinsam aus und umfasste eine Vielzahl von Medien wie Malerei, Drucke, Glasmalerei und Bühnenbilder. Die Kernmitglieder der Gruppe waren Paul Sérusier und Maurice Denis sowie Pierre Bonnard und Édouard Vuillard. Mehrere andere Künstler stellten aus und arbeiteten zu unterschiedlichen Zeiten mit der Gruppe zusammen, darunter Aristide Maillol und Henri de Toulouse-Lautrec.

Postimpressionistische Bewegungen außerhalb Frankreichs

Obwohl sich der Post-Impressionismus in Frankreich konzentrierte, verbreiteten sich die aus der Bewegung hervorgegangenen künstlerischen Stile und Theorien schnell auf andere Länder.

Der norwegische Maler Edvard Munch erweiterte die Ideen des Symbolismus und kreierte seinen eigenen persönlichen und sehr ausdrucksstarken Kunststil. Durch abstrahierte Darstellungen und die Verwendung von kräftigen Farben und sehnigen Linien versuchte er, den inneren Konflikt des Künstlers ebenso wie die aufkeimende Angst des modernen Menschen zu konnotieren.

Andere, wie der belgische Maler und Druckgrafiker James Ensor, implementierten lebendige Farbtöne und verflachte die Perspektive anti-realistisch, um die weit verbreitete Spannung und Angst des Geistes der “fin de siècle” zu vermitteln. Ensors Thematik leitete sich oft aus den Annalen von Legende ab, doch oft porträtierte er das Groteske als Rebellion gegen die klassisch schönen Themen der akademischen Kunst.

Spätere Entwicklungen und neue Leitbewegungen

Obwohl der Name der post-impressionistischen Bewegung heute weit verbreitet ist, prägte der englische Künstler und Kritiker Roger Fry den Begriff erst 1910 für eine Ausstellung, die er in den Londoner Grafton Galleries, Manet und den Post-Impressionisten organisierte. Im Katalog räumte er ein, dass die Ungenauigkeit des Begriffs “Post-Impressionismus” die Unterschiede in den verschiedenen Stilen und Interessen der darin vertretenen Künstler nicht verdeutlichte. Trotz der Variationen der Stile trieb der gesamte Leitgedanke die Richtung vom Impressionismus weg. Fry fühlte, dass dies mit Manet begann, aber die Ausstellung konzentrierte sich auf die Arbeiten von Cézanne, Van Gogh und Gauguin.

Bereits 1910 dominierten Bewegungen wie Fauvismus, Expressionismus und Kubismus die europäische Avantgarde. Jede neue Entwicklung in diesen großen Bewegungen basierte auf der Symbolik und Struktur der verschiedenen postimpressionistischen Stile.

Wichtige Werke des Post-Impressionismus

Georges Seurat, Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte (1884-86)

Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte "Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte" wurde in den 1880er Jahren von Georges Seurat, einem Pionier des Pointillismus, gemalt. Um das großformatige Stück zu schaffen, hat Seurat Millionen von handgemalten Punkten auf die 207.6 cm × 308 cm große Leinwand aufgetragen. Neben dem monumentalen Abschlussstück kreierte Seurat kleinere Studien zu dem Motiv

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: “Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte” ist vielleicht das berühmteste Beispiel für die als Pointillismus bekannte Maltechnik. Obwohl das Bild die impressionistischen Elemente von Licht und Schatten enthält und die Freizeitaktivitäten der Pariser Bourgeoisie darstellt, ist es ein frühes Beispiel für die künstlerische Reaktion auf die impressionistische Bewegung.

Seurat setzte die gesamte Szene aus einer Reihe von kleinen, präzisen Farbpunkten zusammen. Bei genauerer Betrachtung wird das Gemälde zu nichts anderem als einer quasi-abstrakten Farbauswahl, ähnlich einer Nadelspitze. In angemessener Entfernung betrachtet, rückt jedoch das eigentliche Motiv in den Fokus. Seurat hat jeden Punkt sorgfältig in Bezug zu den Punkten um ihn herum gesetzt, um den gewünschten optischen Effekt zu erzielen.

Paul Gauguin, Vision nach der Predigt (1888)

Vision nach der Predigt

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Gauguin studierte in der Bretagne im Norden Frankreichs, wo die einzigartige Geschichte und die regionalen Bräuche ein gewisses Maß an geistiger Freiheit und primitiver Offenheit für Gauguin darstellten. Dort malte er die Vision nach der Predigt.

Das Gemälde, das eine offenbarte Vision von Jakob im Kampf mit einem Engel darstellt, stellt Realität und spirituelle Manifestation durch ästhetische Form klar dar. Während die Menge der Kirchgänger, die die Vision erleben, im Vordergrund steht, erscheint der biblische Kampf im Hintergrund, umgeben von einer zweidimensionalen und lebendig farbigen Ebene. Gauguin verließ sich auf die Abstraktion des roten Bodens, um den Raum der Vision sowie die erhöhten Emotionen einer religiösen Offenbarung zu kommunizieren.

Wie dieses Werk zeigt, lehnte Gauguin die Konventionen der industrialisierten modernen Gesellschaft sowohl in seiner Kunst als auch in seinem Leben ab, und zwar durch romantisierte Beschwörungen des Primitiven, des Körperlosen und des Mystischen. Dabei half er mit, die individualisierte expressionistische Ader der Avantgardekunst zu initiieren, die Generationen von Künstlern im Laufe des 20. Jahrhunderts beeinflusste.

Vincent van Gogh, Porträt des Dr. Gachet (1890)

Porträt des Dr. Gachet

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Van Gogh war einer der begabtesten und emotional am meisten belasteten Künstler der Neuzeit. Obwohl Van Gogh zu Lebzeiten stark unterschätzt wurde, war er ein impulsiver und oft spontaner Maler, der viele der Ideale der postimpressionistischen Bewegung verkörperte. In Portrait of Doctor Gachet versuchte Van Gogh, eine komplexe Mischung von Emotionen beim Betrachter hervorzurufen, anstatt eine naturalistische Darstellung des Sitzenden wiederzugeben.

Van Gogh schuf malerische Rhythmen und wirbelnde Formen innerhalb der Anordnung der Figur, um Elemente von Kraft, Intelligenz und Melancholie zu vermitteln. Durch solche intimen und personalisierten Interpretationen verkörperte Van Gogh die Ablehnung der impressionistischen optischen Beobachtung zugunsten einer emotionalen Darstellung, die das Herz des Betrachters und nicht seinen Geist ansprach.

Edvard Munch, Der Schrei (1893)

Edvard Munch Der Schrei

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Durch seine satten Farbtöne und ausdrucksstarken Inhalte artikuliert Munchs berühmtestes Gemälde “Der Schrei” die zentralen Lehren seines ästhetischen Auftritts. Während viele Kritiker das Werk als Ausdruck des modernen Zustands interpretieren, nannte Munch es selbst ein Studium der Seele, also das Studium seiner selbst.

Durch das alptraumhafte Bild des verzweifelten Menschen und die abstrakte Wiedergabe der Form schuf der Maler dieses höchst provokante und persönliche Bild. Im Gegensatz zu den idyllischen Bildern der Impressionisten von ländlichen Szenen bietet Munch einen alternativen Blick auf das Verhältnis des Menschen zur Natur. Hier spiegeln sich die Emotionen des Protagonisten in der umgebenden Landschaft wider, die eine symbolische Ebene für den Ausdruck des inneren Wesens bilden.

Henri Rousseau, Der Traum (1910)

Der Traum, 1910, Museum of Modern Art, New York

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: In “Der Traum”, seinem letzten und großartigsten Gemälde, präsentierte Rousseau eine einzigartige Interpretation des traditionellen Themas des liegenden Aktes. Die Abgebildete ruht auf ihrer Seite, umgeben von der tropischen Flora und Fauna der geheimnisvollen Tiefen eines Dschungels. Merkwürdigerweise liegt die Frau auf einer Couch, nicht auf einer Wiese und beobachtet ihre exotische Umgebung mit großem Abstand.

Rousseau erklärte, dass er die Frau darstellte, als sie in ihrer Pariser Wohnung auf ihrem Sofa saß und von dem tropischen Dschungel träumte, der sie umgab. Der Mangel an perspektivischer Tiefe, die Verwendung heller Farben und verzerrter Darstellungen betonen die traumhafte Qualität des Bildes. Obwohl Rousseau immer wieder Bilder von Dschungeln malte, verließ er Paris kein einziges mal.