Kunst

Die Bedeutung der Postmoderne in Kunst und Architektur

Postmoderne TitelbildDas Edificio Mirador in Madrid, Beispiel postmoderne Architektur | Foto: Vivvi Smack / Shutterstock

Der Begriff "Postmoderne Kunst" bezieht sich auf eine breite Spanne zeitgenössischer Kunt, die ab etwa 1970 entstanden ist. Das einende Merkmal der postmodernen Kunst ist die Ablehnung der Ästhetik der modernen Kunst von 1870-1970.

Einer dieser abgelehnten Werte ist die Vorstellung, dass Kunst etwas Besonderes ist, das über den allgemeinen Geschmack erhoben werden sollte.

Parallel zu einer Vielzahl neuer technologischer Entwicklungen hat die Postmoderne in fast fünf Jahrzehnten zu künstlerischen Experimenten mit neuen Medien und neuen Kunstformen geführt, darunter konzeptionelle Kunst, verschiedene Arten der Performance- und Installationskunst sowie computerbasierte Strömungen wie Dekonstruktivismus und Projektionstechnik.

Zeitliche Einordnung der Postmoderne

Der erste bedeutende Kunststil nach der Renaissance war die akademische Kunst, die von Professoren an den Akademien unterrichtet wurde. Unter der akademischen Kunst versammeln sich viele Stile und Strömungen wie der Klassizismus und die Romantik.

Ab 1870 entstand mit dem Aufkommen des Impressionismus die moderne Kunst. 

Um 1970 entstanden die ersten Züge, die wir heute als "postmoderne Kunst" zusammenfassen. 

Anhand dieses Zeitverlaufs der Kunstgeschichte kann auch die Einstellung gegenüber der Kunst seitens der Künstler und des Publikums vollzogen werden. Die Künstler und Betrachter der Gegenwart werden nicht von den einstigen Vorstellungen der Lehrinstitutionen und Stifter hinsichtlich dessen bestimmt, was denn überhaupt Kunst ist und was Kunst sein kann. Die Möglichkeiten und Anwendungen der Kunst sind vielfältiger geworden, ohne sich in ein vorgegebenes Korsett zwingen zu müssen.


Definition der postmodernen Kunst

Wenn du wirklich eine Definition der postmodernen Kunst in einem Satz benötigst, dann ist sie hier:

Ein Kunststil nach den 1960er Jahren, der die traditionellen Werte und politisch konservativen Prämissen seiner Vorläufer zugunsten eines breiteren, unterhaltsameren Kunstbegriffs ablehnte, der neue künstlerische Ausdrucksformen verwendet, die durch Video- und computergestützte Technologien erweitert wurden.

Unterschiede zwischen postmoderner und zeitgenössischer Kunst 

Worin besteht der Unterschied zwischen postmoderner Kunst und zeitgenössischer Kunst?

In der Regel werden diese beiden Begriffe mehr oder weniger synonym verwendet. Technisch gesehen bedeutet "postmoderne Kunst" jedoch "nach der Moderne" und bezieht sich auf einen festen Zeitraum, der um 1970 beginnt, während sich "zeitgenössische Kunst" meist auf den sich verschiebenden Zeitraum von rund 50 Jahren unmittelbar vor der Gegenwart bezieht.

Im Moment stimmen diese beiden Perioden überein. Aber im Jahr 2050 könnte die "postmoderne Kunst" (z.B. von 1970-2020) durch eine andere Epoche abgelöst worden sein, während die "zeitgenössische Kunst" nun den Zeitraum 2000-2050 umfasst. 

Wie sie sich von der Spätmoderne unterscheidet

In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff der Spätmoderne auf Bewegungen oder Trends, die einen Aspekt der modernen Kunst ablehnen, aber ansonsten in der Tradition der Moderne bleiben.

Stile wie der Abstrakte Expressionismus (1948-65) wurden von einer Reihe radikaler moderner Künstler praktiziert, darunter Jackson Pollock und Willem De Kooning, die beide viele der formalen Konventionen der Ölmalerei ablehnten.

Und doch hätten weder Pollock noch de Kooning so etwas wie Rauschenbergs Erased de Kooning Drawing vorweisen können, da beide stark an die Konzepte von Authentizität und Bedeutung glaubten. 

Ebenso gehörten zu den Anhängern postmoderner Bewegungen wie dem Zeitgenössischen Realismus (ab 1970) und dem Neoexpressionismus (ab 1980) auch zahlreiche Maler, die eher modern als postmodern arbeiteten.


Hintergrund

Moderne Kunst wird meist mit dem Jahrhundert 1870-1970 in Verbindung gebracht - etwa vom Impressionismus bis zur Pop-Art.

Trotz mehrerer weltweiter Katastrophen - Erster Weltkrieg, Grippewelle, Wall Street Crash und Weltwirtschaftskrise - die viele der moralischen Sicherheiten der damaligen Zeit aushöhlten, behielten moderne Künstler im Allgemeinen den Glauben an die grundlegenden wissenschaftlichen Gesetze der Vernunft und des rationalen Denkens bei.

Im Großen und Ganzen, wie die meisten westlichen Menschen der Zeit, glaubten sie, dass das Leben einen Sinn hatte. Dass der wissenschaftliche Fortschritt automatisch positiv war, dass der christliche Westen dem Rest der Welt überlegen war, dass Männer Frauen übergeordnet waren. Die Moderne glaubte auch an die Sinnhaftigkeit, Relevanz und den Fortschritt der Kunst, insbesondere der bildenden Kunst und der Architektur.

Auf den Spuren von Leonardo und Michelangelo glaubten sie an die "hohe Kunst" - eine Kunst, die den kultivierten Zuschauer hebt und inspiriert - und nicht an die "niedrige Kunst", die die Massen nur unterhält. Sie verfolgten einen zukunftsorientierten Ansatz und sahen Kunst als etwas, das sich ständig weiterentwickeln sollte, angeführt von einer führenden Gruppe von avantgardistischen Künstlern.

Der Zweite Weltkrieg und der Holocaust stellten alles auf den Kopf. Paris wurde abrupt durch New York als Hauptstadt der Kunstwelt ersetzt. Im Zuge der Grausamkeiten des Krieges erschien plötzlich jede gegenständliche Kunst irrelevant, so dass sich die modernen Maler stattdessen der abstrakten Kunst zuwandten, um sich auszudrücken. Erstaunlicherweise hat die New York School - mit Jackson Pollocks Gemälden sowie der ruhigeren Farbfeldmalerei von Mark Rothko - in den 1950er Jahren eine temporäre Erholung der Kunst auf beiden Seiten des Atlantiks vorangetrieben. Den avantgardistischen Malern gelang es, die Grenzen der abstrakten Malerei neu zu definieren, aber sie blieben innerhalb der Grenzen der Moderne. Sie glaubten daran, authentische, fertige Kunstwerke mit wichtigen Inhalten zu schaffen.

Aber die Moderne neigte sich unweigerlich dem Ende entgegen. Die sich ausweitenden Enthüllungen der Shoah, die Erprobung von Atombomben, die Kubakrise und der Vietnamkrieg ließen die Menschen immer mehr über das Leben (und die Kunst) enttäuscht werden.

Bereits Mitte der 50er Jahre hatten Jasper Johns und Robert Rauschenberg die ersten postmodernen Werke des Neo-Dada und Pop Art produziert. Bald würde die Mainstream-Pop-Art die Postmoderne selbst einleiten, da sich die amerikanischen Fernsehsender auf die Tet-Offensive von 1968 und die chaotische Democratic National Convention 1968 konzentrierten.

Hinweis. Die Architektur der Moderne wurde von dem Wunsch beeinflusst, einen völlig neuen Stil für den modernen Menschen zu schaffen. Die Architekten wollten alle historischen Bezüge beseitigen und etwas ganz Neues schaffen. Dies führte zum Internationalen Stil (ca. 1920 - 1970) einem minimalistischen Design der Regelmäßigkeit. 

Gott sei Dank begannen postmoderne Architekten ab etwa 1970, die Architektur des 20. Jahrhunderts neu zu beleben, indem sie Strukturen mit interessanten Merkmalen entwarfen, die aus der Populärkultur und aus eher traditionellen Baustilen stammen. Auch Strukturen, die die Schwerkraft auszutricksen scheinen, sind durch neue computergesteuerte Möglichkeiten im Rahmen des Dekonstruktivsmus möglich geworden.


Merkmale der Postmoderne

Die Postmoderne ist keine Bewegung, sondern eine allgemeine Denkweise. Es gibt also keine einheitliche Liste von Merkmalen, die "postmoderne Kunst" definieren. Aber irgendwo muss man schließlich anfangen. Drum findest du hier einige Hinweise, die dir eine Vorstellung geben sollen.

Allgemeine Merkmale

Die Postmoderne ist Ausdruck einer weit verbreiteten Ernüchterung über das Leben sowie der Macht der bestehenden Wertesysteme und/oder Technologien, positive Veränderungen zu bewirken. Infolgedessen sind Autorität, Fachwissen, Wissen und Leistungsbereitschaft in Verruf geraten.

Künstler sind jetzt viel skeptischer gegenüber "großen Ideen" (z.B. dass jeder Fortschritt gut ist).

Am wichtigsten war, dass die Moderne Kunst nicht nur als elitär, sondern auch als weiß (im Sinne der Hautfarbe), männlich dominiert und uninteressiert an Minderheiten angesehen wurde. Deshalb setzt sich die Postmoderne für Kunst von Künstlern der Dritten Welt, Feministen und Minderheiten ein.

Kritiker behaupten jedoch, dass die postmoderne Bewegung - trotz ihrer vermeintlichen Zurückweisung großer Ideen - viele eigene große Ideen zu haben scheint.

Beispiele sind unter anderem:

  • "Alle Arten von Kunst sind gleichwertig"
  • "Kunst kann aus allem gemacht werden""Kunst kann aus allem gemacht werden"
  • " Die Demokratisierung der Kunst ist eine gute Sache."

Um Andy Warhol zu zitieren:

"Jeder kann 15 Minuten lang berühmt sein". 

Diese Idee fasst das postmoderne Zeitalter perfekt zusammen.

Angesichts dieser neuen unsinnigen Welt ist die postmoderne Reaktion eine Akzeptanz dessen geworden:

Wir spielen mit dem Unsinn und akzeptieren, dass Leben und Kunst keine offensichtliche innere Bedeutung mehr haben, aber na und? Lasst uns experimentieren, die Kunst interessanter machen und sehen, wohin sie führt. Vielleicht können auch wir für 15 Minuten berühmt werden!

Kunstausbildung

Die Postmoderne veränderte die Bildungsprioritäten an zahlreichen Kunsthochschulen. In den 1970er Jahren galt die Kunst der Malerei (und in geringerem Maße der Skulptur) als verbraucht.

Außerdem wurde die Idee, vier Jahre lang zu arbeiten, um die notwendigen Fähigkeiten dieser traditionellen bildenden Künste zu beherrschen, als rückschrittlich angesehen. Kunst, so glaubte man, sollte von der Elite befreit und für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden, so dass Kunstschulen begannen, eine neue Art Akademiker hervorzubringen. Jemand, der mit sofortigen postmodernen Formen und grundlegenden Produktionstechniken vertraut ist.

Kurz gesagt, die individuelle Kreativität wurde als wichtiger angesehen als das Anhäufen von handwerklichen Fähigkeiten.

Einsatz von Technologie

Die Ära der postmodernen Kunst fiel mit der Einführung mehrerer neuer bildlicher Technologien (z.B. Fernsehen, Video, Siebdruck, Computer, Internet) zusammen und hat von ihnen enorm profitiert. Die neue Bandbreite an Video- und Fotoformaten hat die Bedeutung der Zeichenkunst reduziert, und durch die Manipulation der neuen Technologien konnten Künstler die traditionellen Prozesse des Kunstschaffens verkürzen, aber dennoch etwas Neues schaffen. 

Dies wird durch die dokumentarische Fotografie von Diane Arbus, die sich auf Mitglieder von Minderheiten in New York City konzentriert, und die Videokunst des koreanisch-amerikanischen Namens June Paik (1932-2006) veranschaulicht.

Mehr. Bekannte Kunstfotografen im Überblick

Mischung von Genres und Stilen

Seit dem Neo-Dadaismus vermischen Postmodernisten gerne Dinge - oder bringen neue Elemente in traditionelle Formen ein - um neue Kombinationen zu schaffen. Fernando Botero malt primitive Gemälde von beleibten Figuren, Georg Baselitz malt auf den Kopf gestellte Figuren.

Gerhard Richter kombinierte in seinen Fotomalereien der 1970er Jahre Kamerakunst und Malerei, während Jeff Koons konsumorientierte Bilder mit hoch entwickelten Techniken der Bildhauerei kombinierte, um seine Edelstahlkulpturen zu schaffen. Andreas Gursky kombiniert Fotografie mit computergenerierter Bildsprache zu Werken wie Rhein II, während Jeff Wall in seinen postmodernen Bildkreationen digital bearbeitete Fotomontage verwendet.

Postmoderner Fokus auf Populär-/Niedrigkultur

Der Begriff "Hochkultur" wird von Kunstkritikern oft verwendet, wenn es darum geht, die "Hochkultur" der Malerei und Skulptur (und anderer bildender Künste) von der "niedrigen" Populärkultur von Zeitschriften, Fernsehen und anderen massengefertigten Gütern zu unterscheiden.

Die Moderne und ihre einflussreichen Anhänger wie Clement Greenberg (1909-94) betrachteten diese Kulturformen als unterlegen gegenüber der Hochkultur. Im Gegensatz dazu sehen Postmodernisten - die eine "demokratischere" Kunstauffassung bevorzugen - die "Hochkultur" als elitärer.

So machte die Pop-Art - die erste postmoderne Bewegung - aus gewöhnlichen Konsumgütern Kunst. Pop-Art-Künstler und andere gingen bei ihren Versuchen, die Kunst zu demokratisieren, noch weiter, indem sie ihre "Kunst" auf Tassen, Papiertüten und T-Shirts druckten: eine Methode, die übrigens den postmodernen Wunsch veranschaulicht, die Originalität und Authentizität der Kunst zu untergraben.

Postmoderne Mehrdeutigkeit

Postmoderne Künstler haben die Vorstellung aufgegeben, dass ein Kunstwerk nur eine inhärente Bedeutung hat. Stattdessen glauben sie, dass der Betrachter ein ebenso wichtiger Sinnstifter ist. Cindy Shermans surrealistische Fotografie zum Beispiel unterstreicht die Idee, dass ein Kunstwerk auf vielfältige Weise interpretiert werden kann.

Tatsächlich erlauben einige Künstler - wie die Performancekünstlerin Marina Abramovic - den Zuschauern sogar die Teilnahme an ihrer Kunst oder erfordern sogar eine Intervention der Zuschauer, um ihr Werk zu vollenden.

Fokus auf Spektakel

In Ermangelung eines wahren Lebenssinns - vor allem, wenn wir Tag und Nacht von Radio- und Fernsehwerbung bombardiert werden - haben es die Künstler der Postmoderne vorgezogen, uns auf Stil und Spektakel zu konzentrieren, oft mit Werbemitteln und Techniken für maximale Wirkung. Dieser Ansatz wird durch die kommerziellen Druckverfahren, die Bilder im Plakat-Stil von Pop-Künstlern wie Roy Lichtenstein und James Rosenquist veranschaulicht. Die Fokussierung auf die Oberfläche ist ein wiederkehrendes Merkmal der postmodernen Kunst und geht manchmal mit melodramatischen, schillernden, ja schockierenden Bildern an die Spitze. Seit 1980 hat der Einsatz von Computern und anderen Technologien die Multimedia-Kunst (z.B. Animation) revolutioniert und spezifische Möglichkeiten in Bereichen wie der Architektur geschaffen.

Wie wichtig es der Postmoderne ist, die Aufmerksamkeit des Publikums zu erregen, zeigt die Schocktaktik einer Gruppe von Studenten des Goldsmiths College - bekannt als die Young British Artists - in London Ende der 80er und 90er Jahre. Bekannt geworden durch drei Ausstellungen, wurden die YBAs wegen ihres schockierenden schlechten Geschmacks verprügelt, und doch wurden mehrere von ihnen Turner-Preisträger, während ander ebenfalls erhebliche Bekanntheit und Reichtum erzielten.

Erfüllung der Verbraucherbedürfnisse

Der Anstieg des Konsumverhaltens und die unmittelbare Genusskultur in den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts haben auch die bildende Kunst stark beeinflusst. Die Verbraucher wollen jetzt Innovation. Sie wollen auch Unterhaltung und Spektakel. Viele postmoderne Künstler, Kuratoren und andere Fachleute haben daraufhin die Gelegenheit genutzt, Kunst zu einem Unterhaltungsprodukt zu entwickeln.

Die Einführung neuer Kunstformen wie Performance, Happenings und Installationen sowie neuer Themen - darunter tote Haie, riesige Eisskulpturen, Menschenmassen nackter Körper, Gebäude, die in Bewegung zu sein scheinen, eine Sammlung von 35.000 Terrakotta-Figuren, bemalte Körper, gruselige Projektionen auf öffentlichen Gebäuden (und viele mehr) - haben den Zuschauern eine Reihe neuer, manchmal schockierender Erfahrungen ermöglicht.

Ob diese neuartigen sogenannten Kunstformen tatsächlich "Kunst" sind, bleibt eine umstrittene Frage. Die postmodernen Konzeptualisten sagen "Ja", die Traditionalisten antworten mit "Nein".


Drei Prinzipien der Postmodernen Kunst

1. Sofortige Bedeutung

Keine ausgebleichten Ölgemälde mehr, die unheimliche Ereignisse aus der griechischen Mythologie darstellen, um den kultivierten Betrachtern ein wissendes Lächeln zu entlocken. Seit ihren Anfängen in der Pop-Art-Bewegung war die postmoderne Malerei und Skulptur gewagt, hell und sofort erkennbar.

Die Themen und Bilder wurden hauptsächlich von hochkarätigen Konsumgütern, Zeitschriften, Werbegrafiken, TV, Film, Cartoons und Comics übernommen. Zum ersten Mal verstand jeder die gezeigte Kunst. Obwohl sich die Postmoderne seit der Pop-Art weiterentwickelt hat, bleibt ein Hauptziel die unmittelbare Erkennbarkeit der Bedeutung.

2. Kunst kann aus allem gemacht werden

In Anlehnung an die Traditionen von Marcel Duchamp - dessen Urinal mit dem Titel Fountain (1917) das erste berühmte Beispiel dafür war, dass ein gewöhnlicher Gegenstand zu einem Kunstwerk verarbeitet wurde (siehe auch: Die Geschichte des Readymades) - haben es sich die Künstler der Postmoderne zur Aufgabe gemacht, Kunst aus den ungewöhnlichsten Materialien und Abfällen zu erschaffen.

Die Idee dahinter ist es, Kunst zu demokratisieren und sie zugänglicher zu machen.

3. Die Idee ist wichtiger als das Kunstwerk selbst

Generell glaubten Künstler bis in die 1960er Jahre, dass es ohne ein fertiges Produkt nichts gäbe. So wurde der Qualität des fertigen Kunstwerks und der dafür erforderlichen Handwerkskunst große Aufmerksamkeit geschenkt. Heute sind die Dinge anders. Postmodernisten glauben typischerweise stärker an das Konzept hinter dem Endprodukt als an das Produkt selbst. Deshalb wird viel "postmoderne Kunst" als "Konzeptkunst" oder "Konzeptualismus" bezeichnet.

Andere Formen des Konzeptualismus sind Installationen, Performancekunst, Happenings, Projektionskunst und einige andere.

Postmoderne Kunstbewegungen

Bislang gab es in der Postmoderne keine großen internationalen Kunstströmungen. Stattdessen hat die Ära das Auftauchen einer Reihe von engen, örtlich begrenzten Strömungen sowie mehrerer völlig neuer Kunstformen wie Video- und Wortmalerei erlebt. Darüber hinaus gab es Dutzende von künstlerischen Splittergruppen sowie eine oder zwei antipostmoderne Zentren, deren Mitglieder sich bemüht haben, die Art von Kunst zu produzieren, auf die Michelangelo oder Picasso stolz gewesen wäre.

Hier ist eine kurze Liste der wichtigsten postmodernen Bewegungen und Stile, einschließlich der gängigsten neuen Kunstformen.

- Pop Art (ab 1960er Jahre)

Unter der Führung von Andy Warhol (1928-87), der aus banalen, massenproduzierten Bildern bildende Kunst schuf. Mehr zur Pop-Art findest du in diesem Artikel. 

- Word Art (Textbasierte Malerei) (ab 1960er Jahre) 

Eine Form der Konzeptmalerei oder -skulptur, die wort- oder textbasierte Bilder verwendet. Ein gutes Beispiel für den postmodernen Gebrauch neuer Elemente in alten Medien.

- Konzeptuelle Kunst (ab 1960er Jahre)

Vergiss das fertige Produkt, es ist die zugrunde liegende Idee, die zählt. Der erste und (wohl) größte Konzeptkünstler war Yves Klein (1928-62), Begründer des französischen Nouveau Realisme. 

- Performance Art and Happenings (ab 1960er Jahre)

Pionierarbeit wurden von Künstlern wie John Cage und Allan Kaprow geleistet, die dieses Genre zu einer neuen Art machten, Kunst den Massen zu präsentieren. 

- Installationskunst (ab 1960er Jahre)

Eine neue Art, Zuschauer in das Kunstwerk oder die Assemblage zu ziehen. Ein führender Verfechter der Installationskunst ist der deutsche Künstler Joseph Beuys.

- Fluxus (1960er Jahre)

Eine Anti-Kunst-Bewegung im Dada-Stil, begonnen von George Maciunas. Zuerst in Deutschland erschienen, bevor es sich nach New York ausbreitete. Starker Gebrauch und Verflechtung von und mit Happenings.

- Videokunst (ab 1960er Jahre)

Video ist eines der vielseitigsten verfügbaren Medien. Ein Videofilm kann (1) das Kunstwerk selbst sein; und/oder (2) eine Aufzeichnung darüber, wie das Kunstwerk hergestellt wurde; und/oder (3) ein Element in einer Installation; und/oder (4) Teil einer Mehrfach-Videoanordnung. Video macht die Kunst dynamischer und lebendiger. Seit Ende der 80er Jahre sind sowohl Video als auch Animation abhängig von der Verwendung von Computersoftware zur Bearbeitung von Bildern.

- Minimalismus (ab 1960er Jahre)

Ein Zufluchtsort für intellektuelle Maler und Bildhauer, die sich um "Reinheit" in der Kunst sorgen. Minimalisten versuchten, Kunst ohne alle äußeren Bezüge zu schaffen und ließen nur die Form zurück.

- Fotorealismus (1960er, 1970er Jahre)

Eine hyperrealistische Form der Malerei, die typischerweise auf Fotos als Grundlage basiert. Führende Fotorealisten sind Chuck Close (geb. 1940) und Richard Estes (geb. 1936).

- Fotografie (ab 1960er Jahre)

Die YBA waren nur eine von mehreren postmodernen Gruppen, die sich für den Einsatz der Kamerakunst einsetzten. Vier der einflussreichsten postmodernen Fotografen sind Helmut Newton, Robert Mapplethorpe, Cindy Sherman und Nan Goldin.

- Arte Povera (1966-71)

Selbst ernannte "arme Kunst", die von einer antikommerziellen Avantgarde-Kunstgruppe in Italien geschaffen wurde. Führende Mitglieder waren Piero Manzoni, Michelangelo Pistoletto und Giuseppe Penone. Stark konzentriert auf die physikalischen Eigenschaften der verwendeten Materialien.

- Post-Minimalismus (1970er Jahre)

In der postminimalistischen Kunst - ein Begriff, der erstmals vom Kunstkritiker Robert Pincus-Witten geprägt wurde - verlagert sich der Schwerpunkt von der Reinheit der Idee zu ihrer Vermittlung. Siehe Werke der Deutsch-Amerikanerin Eva Hesse.

- Feministische Kunst (1970er Jahre)

Eine Kunstbewegung, die sich mit spezifisch weiblichen Themen wie dr Geburt, Gewalt gegenüber Frauen, Arbeitsbedingungen für Frauen, uvm. beschäftigt. Zu den beteiligten Künstlerinnen gehören Louise Bourgeois und die in Japan geborene Performancekünstlerin Yoko Ono.

- Graffiti-Kunst (ab 1970er Jahre)

Ultimativ postmoderne Bewegung: Sofortige Malerei, sofortiger Ruhm. Die beiden erfolgreichsten Street Artists, die den Sprung in die "hohe Kunst" schafften, waren Jean-Michel Basquiat und Keith Haring.

- Postmoderne Skulptur (ab 1970er Jahre)

Wichtige Beiträge zur postmodernen Bildhauerei sind: Salvador Dalì, Jean Tinguely, Donald Judd, Sol LeWitt, Richard Serra, Anish Kapoor und Bruce Naumann.

- Neoexpressionismus (ab 1980er Jahre)

Charakterisiert durch großformatige Gemälde mit intensiven, kraftvollen Motiven, die mit hoher Geschwindigkeit gemalt werden. Manchmal wurden Materialien in die Oberfläche des Bildes eingebettet. Führende Neoexpressionisten waren Georg Baselitz, Gerhard Richter, Anselm Kiefer und Julian Schnabel.

- Dekonstruktivismus (1980-2000)

Postmoderner Baustil, exemplarisch am Werk des Los Angeleser Architekten Frank O. Gehry zu sehen. Die dekonstruktivistische Architektur beinhaltet oft computergestützte Designarbeit mit High-Tech-Software, um Bauwerke zu erschaffen, die die Regeln der Physik neu zu formulieren scheinen.

- Neo-Pop Art (ab Ende der 1980er Jahre)

Riesige Plastikskulpturen von Spielzeug und anderen Gegenständen der Populärkultur und vielem mehr in gleicher Weise, wie die Werke von Jeff Koons zeigen.

- Body Art (1990er Jahre)

Ein Kunststil, der den Körper als Leinwand benutzt. Die beliebteste Form sind Tattoos, gefolgt von Gesichtsbemalungen verschiedener Art. Nailart ist ein weiteres Medium.

- Zynischer Realismus (1990er Jahre)

Zeitgenössische chinesische Kunstbewegung, die nach der Niederwerfung des Tiananmen-Platzes (1989) entstand. Zynische Realisten benutzten einen Stil der figurativen Malerei mit einer spöttischen Erzählung. Wiederkehrende Motive sind Figuren, glatzköpfige Männer und fotografische Porträts. Der Stil verspottete den politischen und sozialen Staat China und wurde, da dies für chinesische Künstler ein neuer Aufbruch war, von westlichen Kunstsammlern gut angenommen.

- Projektionskunst (21. Jahrhundert)

Eine der neuesten Formen der Postmoderne, die Projektionskunst, ist die computergestützte Abbildung von Videobildern auf Gebäude oder andere große Flächen.

- Computerkunst (21. Jahrhundert)

Auch Digital- oder Internetkunst genannt, ist dies eine allgemeingültige Kategorie, die eine Vielzahl von computerbezogenen Kunstformen umfasst.

- Postmoderne Malerei

Wichtige Mitwirkende an den oben nicht gelisteten postmodernen Malstilen sind: der unverwechselbare Francis Bacon, der zeitgenössische Realist Lucian Freud und die figurative Malerin Jenny Saville.

- Young British Artists (Britart) (1980er/1990er Jahre)

Eine Kombination aus rasantem geschäftstüchtigem Opportunismus und schockierenden Ideen. Das bekannteste Mitglied der YBA ist Damien Hirst, während der Hauptsponsor der Gruppe der Kunstsammler Charles Saatchi war.