Primitivismus in der Kunst – Prägende Merkmale und bekannte Künstler

Der Primitivismus leitete die Aneignung der Formen der sogenannten "primitiven" Kunst ein und spielte eine große Rolle dabei, die Richtung der europäischen und amerikanischen Malerei ab Ende des 19. Jahrhunderts radikal zu verändern.

Der Primitivismus war nicht nur eine künstlerische Bewegung, sondern eine Tendenz unter den verschiedenen modernen Künstlern in vielen Ländern, die angesichts der zunehmenden Industrialisierung und Urbanisierung auf der Suche nach neuen künstlerischen Inspirationsquellen aus der Vergangenheit und in entfernten Kulturen waren.

Ab Ende des 19. Jahrhunderts bot der Zustrom der Stammeskunst Afrikas, Ozeaniens und der Indianer nach Europa den Künstlern ein neues visuelles Vokabular, das sie erkunden konnten. Der Primitivismus bot Künstlern in vielerlei Hinsicht die Möglichkeit, die stagnierenden Traditionen der europäischen Malerei zu hinterfragen.

Die Verwendung einfacherer Formen und abstrakterer Figuren im Sinne der primitiven Kunst unterschied sich deutlich von den traditionellen europäischen Darstellungsstilen und moderne Künstler wie Gauguin, Picasso und Matisse nutzten sie, um die Malerei und Skulptur zu revolutionieren.

Während der Primitivismus auf den ersten Blick ein Versuch war, den Status der Stammeskünste zu übernehmen und hervorzuheben, war er selbst eine europäische Bewegung, die häufig die Kunst ablehnte, die von externen Einflüssen nach Europa getragen wurde, ohne die heimische Kunst zu erweitern.

Im Laufe des späten 20. Jahrhunderts bis ins 21. Jahrhundert haben Künstler und Wissenschaftler versucht, den Primitivismus historisch zu kontextualisieren und seine Mängel als Rahmen für das Verständnis von Kunst aus außereuropäischen Kulturen herauszustellen.

Grundideen des Primitivismus

Nach dem Verständnis der modernen Künstler bot die primitive Kunst nicht nur neue ästhetische Formen, sondern auch ein tieferes und komplexeres emotionales und spirituelles Modell, mit dem die Künstler die Modernisierung der westlichen Gesellschaft kritisierten. Der von Nostalgie geprägte Primitivismus suchte Verbindungen zu einer vorindustriellen Vergangenheit, in der die Menschen stärker mit der Natur und mit anderen Menschen verbunden waren.

Das dauerhafte Erbe des Primitivismus und die seit langem bestehenden Auffassungen über die minderwertige Qualität der Kunst aus kolonisierten Gebieten haben es schwierig gemacht, afrikanische, indigene und indianische Künstler in kunsthistorische Erzählungen einzubeziehen, aber es gibt Versuche, eine globale Kulturgeschichte zu schaffen.

Zeitgenössische Reaktionen auf den Primitivismus, oft von afroamerikanischen Künstlern, sind ein Versuch, sich nicht nur die Formen der Stammeskunst anzueignen, sondern auch die Fülle des afrikanischen Erbes in der modernen Gesellschaft zu erforschen, zu rekonstruieren und neu zu erfinden.

Wichtige Künstler und Künstler des Primitivismus

Die folgenden Kunstwerke sind einige der wichtigsten, die im Zuge des Primitivismus entstanden sind. Sie geben sowohl einen Überblick über die wichtigsten Ideen der Bewegung als auch über die größten Leistungen jedes Künstlers dieser Bewegung.

Vision nach der Predigt, 1888

Künstler: Paul Gauguin

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Gauguin präsentiert dem Betrachter eine visionäre Szene: Frauen in weißen Hauben und dunklen Kleidern, von denen einige die Augen geschlossen und die Hände in Gebetsgeste gehalten haben, stehen mit dem Rücken zum Betrachter, der eine Szene aus dem Alten Testament sieht.

Im Mittelpunkt der Handlung spielt die Szene, wie Jakob mit einem Engel ringt. Gauguin platziert die spirituelle Vision auf einem nicht-naturalistischen roten Hintergrund, was der seit der Renaissance vorherrschenden Darstellungsweise einer realitätsnahen Abbildung widerspricht. Der flache, beinahe perspektivlose Raum und die vereinfachten Formen sprechen für die neue Bildsprache, die Gauguin und andere Symbolisten damals entwickelten.

Gauguin verband die vereinfachten und abgeflachten Formen seiner Komposition mit dem, was er für die Primitivität des bretonischen Volkes hielt. Solche Abstraktionen entsprachen nicht der beobachtbaren Realität, sondern einer inneren Bedeutung, die Parallelen zu den religiösen Praktiken der Bretonen und der symbolistischen Ästhetik hatte. Gauguin nutzte diese neu gefundenen Formen und Abstraktionen, um ähnliche Aspekte der tahitianischen Kultur darzustellen, denen er später begegnete, und stellte berühmterweise polynesische Mädchen und Frauen in erotischen Posen in abstrahierten Landschaften und Innenräumen dar.

Les Demoiselles d'Avignon, 1907

Künstler: Pablo Picasso

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Les Demoiselles d'Avignon ist eines der bekanntesten Gemälde des 20. Jahrhunderts und zeigt fünf nackte Frauen in verschiedenen Posen. Vier der fünf Frauen blicken auf den Betrachter. Ihre Körper sind kantig und abstrakt, drei von ihnen besitzen maskenartige Gesichter.

Während die Kulisse mit Anklängen an einen Vorhang und ein Stillleben auf einem niedrigen Tisch im Vordergrund stilisiert ist, machen Picassos zahlreiche Studien deutlich, dass sich die Frauen in einem Bordell befinden.

In diesem bahnbrechenden Werk kombiniert Pablo Picasso seine Studien über Primitive Kunst der iberischen und der afrikanischen Skulptur (z.B. Stammesmasken) mit Referenzen an El Greco und Michelangelo zu einer neuen Gesamtlösung, die im Laufe des 20. Jahrhunderts großen Anklang finden würde und einen Wendepunkt auf dem Weg in die Moderne darstellte.

Badende im Raum, 1909, übermalt 1920

Künstler: Ernst Ludwig Kirchner

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: In diesem großformatigen Gemälde überträgt Kirchner den üblichen idyllischen Außenraum traditioneller Badegäste in sein Atelier, hell gefärbt und mit pseudoprimitiven Artefakten und Textilien verziert.

Hohe, dunkle Statuen schmücken die Türverkleidung im Mittelgrund, und ein kräftig gefärbter Vorhang trennt zwei Räume auf der linken Seite.

Kirchner war mit afrikanischen und ozeanischen Skulpturen vertraut, die er im Museum für Völkerkunde in Dresden sah.

Während die Skulpturen und der Vorhang vage und nicht spezifisch sind, hatten die primitiven Objekte zusammen mit den grellen Farben, den Verzerrungen und der Winkelstellung der Figuren einen "authentischen" Ausdruck signalisiert, der dann mit den Primitiven oder unzivilisierten Kulturen verbunden wurde.

La Belle Jardinère (1923)

Künstler: Max Ernst

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Während sich die Surrealisten sicherlich mehr als andere moderne Künstler für die Formen der Primitiven Kunst interessierten, interessierten sie sich zutiefst für die dahinterstehenden Denkweisen, wie sie von Anthropologen in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts untersucht wurden.

So beschrieb der französische Anthropologe Lucien Lévy-Bruhl, dass die Naturvölker die Welt dualistisch, mit physischen und spirituellen Bereichen verstanden, und dass das Geistige das Physische belebte. Darüber hinaus erkannte Lévy-Bruhl Träume als den entscheidenden Ort, an dem sich die beiden Bereiche überschneiden.

Kombiniert mit Freuds Traumdeutung nahmen die Surrealisten diese Vorstellungen von der primitiven Denkweise an, indem sie die Rolle des Künstlers als eine Art Magier oder Schamane beschrieben, der in der Lage war, unbewusste Bereiche zu erschließen.

La Belle Jardinère wurde wahrscheinlich im Nationalsozialismus zerstört, nachdem das Werk 1937 als entartete Kunst erklärt wurde.

In diesem Gemälde steht eine nackte weibliche Figur auf einer winzigen Landschaft. Ihr Oberkörper ähnelt einem anatomischen Modell, das zur Sezierung verwendet werden soll, und ein weißer Vogel schwebt vor ihrer Schamgegend. Zusätzlich steht hinter ihr ein geisterhafter Umriss einer Figur. Ernst basierte diese Figur eindeutig auf einem Bild einer tätowierten Figur von den Marquesas-Inseln.

Ernst schrieb, dass der papuanische Mensch, der für den primitiven Menschen im Allgemeinen stand, "alle Geheimnisse besitzt und das spielerische Vergnügen in seiner Verbindung mit der Natur verwirklicht".