Robert Rauschenberg – Biografie, Werke und Einfluss des Pioniers der Pop-Art

Robert Rauschenberg galt vielen als einer der einflussreichsten amerikanischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Aufgrund seiner Zusammenführung von radikalen Materialien und Methoden war er eine entscheidende Figur im Übergang vom Abstrakten Expressionismus zu den späteren Bewegungen der Moderne der Kunst.

Als einer der wichtigsten Künstler des Neo-Dada erweiterte sein experimenteller Ansatz die traditionellen Grenzen der Kunst und eröffnete den zukünftigen Künstlern neue Möglichkeiten in ihrem Ausdruck.

Biografie von Robert Rauschenberg

Kindheit

Robert Rauschenberg wurde am 22. Oktober 1925 als Milton Ernest Rauschenberg in der kleinen Raffineriestadt Port Arthur in Texas geboren. Sein Vater Ernest war ein strenger Mann, der für das Energieunternehmen Gulf State Utilities arbeitete. Seine Mutter, Dora, war eine gläubige Christin und eine bescheidene Frau. Sie schuf die Kleidung der Familie aus alten Stofffetzen selbst. Eine Methode, die ihren Sohn in Verlegenheit brachte, aber möglicherweise sein späteres Werk mit Assemblagen und Collagen beeinflusste. 

Rauschenberg zeichnete häufig und kopierte Bilder von Comics, aber sein Talent als Zeichner blieb weitgehend unbeachtet, außer bei seiner jüngeren Schwester Janet.

Frühe künstlerische Ausbildung

Auf Wunsch seiner Eltern besuchte Rauschenberg die University of Texas in Austin, um Pharmakologie zu studieren, wurde aber in seinem ersten Jahr verwiesen, nachdem er sich geweigert hatte, einen Frosch zu sezieren.

Die Einberufung in die US-Amerikanische Army im Jahr 1943 bewahrte ihn davor, seinen Eltern die Nachricht mitzuteilen. Er weigerte sich, als Soldat auf dem Schlachtfeld zu agieren, wurde daher als medizinischer Techniker im Navy Hospital Corps eingesetzt und in einem Krankenhaus in San Diego stationiert, das sich um Überlebende kümmerte. Dort sah er zum ersten Mal persönlich Ölbilder in der Huntington Art Gallery in Kalifornien.

Nach Kriegsende zog Rauschenberg noch einmal um und erhielt Kunstunterricht an der Kansas State University. Bei seiner Ankunft in Kansas City entschied er, dass er sein neues Leben mit einem neuen Vornamen gestalten würde: Robert. Im folgenden Jahr reiste er als Robert Rauschenberg nach Paris, um an der Academie Julian zu studieren.

In Paris traf Rauschenberg die amerikanische Studienkollegin Susan Weil, und die beiden wurden unzertrennliche Freunde. Er sparte genug Geld und folgte ihr zum Black Mountain College in North Carolina, nachdem er die Lehrmethoden des berühmten Leiters Josef Albers kennengelernt und bewundert hatte. Ironischerweise hat Albers nach dem Eintritt von Rauschenberg in das College seine Arbeit häufig und heftig kritisiert. Albers' Lehrgang über Materialien, in dem die Studenten die Linie, Textur und Farbe alltäglicher Materialien untersuchten, prägte Rauschenbergs spätere Assemblagen maßgeblich.

Rauschenberg und Weil blieben 1948 bis 1949 am Black Mountain College und zogen anschließend nach New York City, das sie als Zentrum der Kunstwelt erachteten. Sie erreichten die Metropole, als die abstrakt expressionistische Tendenz gerade ihre Reife erlangte. Im Juni 1950 heirateten Rauschenberg und Weil, und im August 1951 bekamen sie einen Sohn, Christopher.

In den Jahren 1951 und 1952 verteilte Rauschenberg seine Zeit zwischen der The Art Students League in New York und dem Black Mountain College, wo er den Sommer verbrachte.

Sein Ehrgeiz sicherte ihm eine prestigeträchtige Einzelausstellung in der Betty Parsons Gallery in New York im Jahr 1953, in der eine Reihe von weißen Gemälden mit zerkratzten Zahlen und Symbolen gezeigt wurden. Rauschenberg setzte seine Malerei in der Farbe Weiß am Black Mountain College fort, wo er mit einem Roller weiße Häuserfarbe bearbeitete. Die flachen weißen Leinwände wurden durch ihre Umgebung beeinflusst, die die Schatten der Menschen und die Tageszeit reflektiert.

Während seines Studiums am Black Mountain College traf Rauschenberg auch den minimalistischen Komponisten John Cage und den Choreographen Merce Cunningham, die beide am College lehrten und sich für den Einsatz von zufälligen Methoden, gefundenen Objekten und gemeinsamen, alltäglichen Erlebnissen in der hohen Kunst aussprachen. All diese Ideen erwiesen sich als wesentliche Einflüsse auf den jungen Künstler.

Künstlerische Reife und mittleres Werk

Nach Rauschenbergs Rückkehr nach New York im Herbst 1952 reichte Weil die Scheidung ein und brachte Christopher zu ihren Eltern. Rauschenberg reiste nach Europa und Nordafrika, um mit Cy Twombly zu verreisen - einem Kommilitonen in der Art Students League und später einem wichtigen Konzeptkünstler.

Rauschenberg traf den jungen Maler Jasper Johns im Winter 1953 auf einer Party und nach mehrmonatiger Freundschaft wurden die beiden schließlich ein Paar und auch künstlerische Partner.

1955 zog Rauschenberg in das gleiche Gebäude wie Johns, und die beiden Künstler sahen sich jeden Tag, tauschten Ideen aus und ermutigten einander, gemeinsam die Grenzen der Kunst zu erkunden. Obwohl ihre Stile anfangs zu unterschiedlich waren, um eine wirklich kohärente Bewegung zu bilden, wurde die Intensität ihrer künstlerischen Partnerschaft mit der Partnerschaft zwischen Georges Braque und Pablo Picasso verglichen.

Das Paar entwickelte auch eine enge Freundschaft mit Cage und Cunningham, die damals auch in New York lebten. Die vier Künstler teilten eine ähnliche Philosophie, die von späteren Kunsthistorikern als Neo-Dada-Stil bezeichnet wurde. Sie lehnten die verschlüsselte Psychologie der abstrakt-expressionistischen Malerei ab und begrüßten die ungeplante Schönheit des Alltagslebens.

Rauschenbergs enge Beziehung zu Johns hielt jedoch nicht lange an. Johns wurde 1957 auf dem Titel der Art News erwähnt und das Museum of Modern Art kaufte drei seiner Werke. Diese Bekanntheitsexplosion bewirkte Spannungen zwischen Johns und Rauschenberg, die schließlich 1961 ihre Beziehung beendeten. Trotzdem blieb Rauschenberg ein Freund und Mitarbeiter von Cage und Cunningham.

Die Zusammenarbeit war ein wiederkehrendes Thema in Rauschenbergs Karriere. Sein Interesse am Tanz führte zu einer zehnjährigen Partnerschaft mit der Merce Cunningham Dance Company (1954-64) sowie mit den Choreographen Paul Taylor und Trisha Brown. Er kreierte Kostüme und Bühnenbilder für Cunninghams Tanztruppe, während Cage die Musik komponierte. Außerdem choreographierte und plante er in den 1960er Jahren mit Kollegen eigene "Theaterstücke". 

Rauschenberg suchte auch die Zusammenarbeit in anderen Medien: 1962 begann er mit Tatyana Grosman, der Druckgrafin und Inhaberin der Universal Limited Art Editions, Lithographien zu schaffen.

Später arbeitete er mit anderen Druckereien zusammen, und 1969 kaufte er ein Haus auf Captiva Island, das als Betriebsstätte von Unlimited Press diente, einem Druckstudio, das aufstrebenden und etablierten Künstlern zur Verfügung stand.

Rauschenberg selbst entwickelte sich schnell zu einer festen Größe in der Kunstwelt. Eine frühe Retrospektive wurde ihm im Jahr 1963 im Jüdischen Museum in New York, die von Kritikern und Zuschauern sehr gut angenommen wurde. 

Seiner Popularität in Amerika folgte eine Ausstellung in der Whitechapel Gallery in London und dann eine Ausstellung seiner Werke auf der Biennale in Venedig. Auf dem Höhepunkt seiner Karriere erhielt er 1964 den ersten Preis für Malerei der Biennale.

Spätreifer Zeitraum

Im Einklang mit seinem Interesse an aktuellen Ereignissen und Kulturen begann Rauschenberg in den 1960er Jahren, Bilder der Raumfahrt in seine Arbeit zu integrieren. In der Serie Stoned Moon (1969-70) integrierte Rauschenberg in 33 Lithographien Fotografien aus den Aufzeichnungen der NASA.

Die 1970er Jahre markierten eine Rückkehr zur Assemblage, als Rauschenberg mit den Spreads (1975-82) und Scales-Serien (1977-81) begann. Er verwendete Techniken und Bilder aus seinen frühen Werken, die Siebdrucke, Zeitschriftenbilder und Alltagsgegenstände kombinierten, aber mit mehr Farbe und in größerem Maßstab als früher.

Während mehrere Stücke dieser Serie an Sammler verkauft wurden, waren die Kunstkritiker nicht beeindruckt von dem, was sie als Aufarbeitung alter Methoden empfanden.

1984 verband Rauschenberg sein Interesse am Reisen mit seinem Glauben, dass Kunst die Gesellschaft verändern könnte, und gründete den Rauschenberg Overseas Culture Interchange. Er reiste hauptsächlich in Entwicklungsländer und kommunistische Länder, ungeachtet der damals gültigen amerikanischen Politik des Kalten Krieges, und lernte Handwerkstraditionen von den Künstlern und Handwerkern des Gastlandes.

Während Rauschenberg Verbindungen zu Künstlern im Ausland knüpfte, waren die Kritiker im Inland unbeeindruckt. Roberta Smith, die für die New York Times schrieb, fasste das Projekt als "gleichzeitig selbstlos und selbstverherrlichend, bescheiden und überheblich" zusammen.

Späte Jahre und Tod

1990 widmete das Whitney Museum Robert Rauschenberg eine Retrospektive, begleitet von einer kleineren Ausstellung in der Corcoran Gallery mit seinen früheren Arbeiten aus den 1950er Jahren. Die Ausstellungen festigten seinen Status als einer der Giganten der Kunstwelt und betonten die Bedeutung seines Frühwerks für die Entwicklung der modernen amerikanischen Kunst.

1996 wies der Künstler sich in die Betty-Ford-Klinik ein, um sich von dem Alkoholismus zu erholen, der in seinen späteren Jahren zugenommen hatte. Er beendete sein Rehabilitationsprogramm rechtzeitig, um die Eröffnung seiner Retrospektive mit 467 Werken im Solomon R. Guggenheim Museum zu feiern, eine Ausstellung, deren Vorbereitung ganze sechs Jahre dauerte.

Rauschenberg erlitt ab 2001 eine Reihe von medizinischen Rückschlägen, wobei er sich zunächst die Hüfte brach, was zu einer Darmperforation und 2002 zu einem Schlaganfall führte, der seine rechte Seite lähmte. Mithilfe seines Betreuers und Freundes Darryl Pottorf lernte Rauschenberg, mit der linken Hand zu arbeiten. Er schuf Kunst noch bis zu seinem Tod am 12. Mai 2008 durch Herzversagen.

Das Vermächtnis von Robert Rauschenberg

Rauschenbergs Arbeiten der 1950er und 1960er Jahre beeinflussten die jungen Künstler, die später die Strömungen der Moderne mitentwickelten. Andy Warhol und Roy Lichtenstein gingen ihrer Inspiration für die Pop Art auf Rauschenbergs Collagen von zweckmäßigen Medienbildern und seinen Experimenten im Siebdruck nach.

Die Grundlage für die Konzeptkunst liegt in hohem Maße in Rauschenbergs dadaistischer Überzeugung, dass der Künstler die Autorität hatte, die Definition von Kunst zu bestimmen. Darüber hinaus gehen Happenings und spätere Performances der 1960er Jahre auf Rauschenbergs Zusammenarbeit mit John Cage am Black Mountain College zurück.

Die postmoderne Ästhetik der Aneignung, die Künstler wie Cindy Sherman und Sherrie Levine beeinflusste, ist auch zumindest zum Teil Rauschenbergs Vorliebe für die Übernahme von Bildern aus populären Medien und bildender Kunst zu verdanken. Seine Vorliebe für Bastelei beeinflusste die Materialauswahl vieler späterer Künstler, die unkonventionelle künstlerische Medien in ihre Arbeit einbeziehen wollten.

Kritiker sind sich einig, dass Rauschenbergs spätere Kunstwerke nicht so einflussreich waren wie seine früheren, aber sein anhaltender kommerzieller Erfolg erlaubte es ihm, aufstrebende Künstler zu unterstützen. Er war Mitbegründer der Artists Rights Today, um sich für Künstlerlizenzen beim Weiterverkauf und der Vervielfältigung ihrer Werke einzusetzen, nachdem er die Gewinne früher Sammler mit dem Boom des Kunstmarktes beobachtet hatte. Seine unerschöpfliche Energie war die Grundlage für seinen Erfolg

Bekannte Kunstwerke von Robert Rauschenberg

White Paintings, 1951

Ursprünglich als skandalöser Schwindel betrachtet, waren Rauschenbergs White Paintings eine frühe Verankerung der künstlerischen Ideale, die sein gesamtes Oeuvre dominierten.

Die White Paintings existieren derzeit in fünf verschiedenen Fassungen von mehrteiligen Leinwänden, die Rauschenberg bewusst frei von jeglichen Handschriften des Künstlers ließ. Dadurch konnten und wurden die Werke von seinen Freunden und Assistenten wiederhergestellt, darunter Kollegen von Cy Twombly bis Brice Marden. 

Die Entfernung von künstlerischen Gesten ging sowohl dem mechanischen Erscheinungsbild von Andy Warhols Siebdruckarbeiten voraus, als auch den glatten Oberflächen von Ad Reinhardts Abstrakten Gemälden (1952-67). 

Die scheinbar leeren, gleichmäßig mit weißer Hausfarbe überzogenen Leinwände dienen als Hintergrund, der aktiv wird, wenn sich der Betrachter nähert, mit seinen Schatten lebendig wird und gleichzeitig das Licht und die Geräusche des von ihm besetzten Raumes reflektiert. So ließ Rauschenberg das "Thema" der Weißen Gemälde mit jedem neuen Publikum und jeder neuen Umgebung wechseln.

Er veranschaulichte sein Interesse an zufälligen Prozessen in der Kunst, während er auch die Rolle des Künstlers bei der Bestimmung der Bedeutung oder des Gegenstandes eines Kunstwerks in Frage stellte. 

Die White Paintings wurden erstmals im Sommer 1952 im Speisesaal des Black Mountain College für John Cages erstes Theaterstück ausgestellt. Dabei handelte es sich um eine multimediale Performance, die Poesie, Lesen, Tanzen und Musik, die von zufälligen Prozessen bestimmt wird, kombiniert.

Während der Performance wurden vier Tafeln der White Paintings in Form eines Kreuzes von der Decke gehängt, auf das Filme und Dias projiziert wurden. Während Charles Olsen und M. C. Richards ihre Gedichte lasen, tanzte Merce Cunningham durch das Publikum, David Tudor spielte Cages Musik am Klavier, John Cage hielt Vorträge und Rauschenberg selbst spielte alte Edith Piaf-Platten auf einer alten Edison-Hornflöte.

Erased de Kooning Drawing, 1953

In den frühen 1950er Jahren erforschte Rauschenberg die Grenzen und die Definition von Kunst und knüpfte an die radikalen Vorläufer der Moderne an, die durch Marcel Duchamps frühere dadaistische Readymades geschaffen wurden.

In dieser "Zeichnung" wollte er herausfinden, ob die Ausradierung einer Zeichnung ein Kunstwerk darstellt. Er erkannte, dass er für den Erfolg des Werkes ein bereits bemerkenswertes Kunstwerk benötigte.

Willem de Kooning war ein etablierter, führender Vertreter der New Yorker Kunstszene, als der junge Rauschenberg ihn um eine Zeichnung bat, die er ausradieren konnte.

De Kooning stimmte Rauschenbergs Bitte zu, wenn auch nur zögerlich. Er erschwerte Rauschenbergs Akt der Ausradierung bewusst, indem er eine stark ausgeprägte Zeichnung mit Holzkohle und Bleistift wählte. Rauschenberg brauchte zwei Monate und Dutzende von Radiergummis, um die Zeichnung auszuradieren. Auch nach seiner Fertigstellung waren noch Spuren von De Koonings Werk vorhanden.

Durch die Ausradierung der Zeichnung von De Kooning würdigte Rauschenberg seine Bewunderung für seinen Vorgänger, signalisierte aber auch eine Abkehr vom abstrakten Expressionismus. Er umrahmte die gelöschte Zeichnung in einem einfachen, vergoldeten Rahmen, mit einem Passepartout, das eine von Jasper Johns geprägte Inschrift trägt, die die Bedeutung des scheinbar leeren Papiers aufzeigt. 

Die fehlende Zeichnung wird als Kunstobjekt präsentiert und bezeichnet den Akt der Ausradierung als Teil der bildenden Kunst - ein typisches Neo-Dada-Werk, das die Definition des Kunstobjekts in Frage stellt.