Das gebräuchliche Sprichwort "auf die Straße gehen" wird seit Jahren verwendet, um Proteste, Aufstände oder Rebellionen darzustellen. Frühe Graffitikünstler der 1960er und 70er Jahre verkörperten diese Philosophie, als sie begannen, ihre Namen in den urbanen Landschaften von New York City, Los Angeles und Philadelphia zu taggen.
Als die Graffitis in den USA an die Öffentlichkeit gelangten, entwickelte sich die Street Art zu einer Art visueller Kunst (meist nicht genehmigt), die an öffentlichen Orten geschaffen wurde.
Der zugrundeliegende Impuls hinter der Street Art entstand aus dem Glauben, dass Kunst im Gegensatz und manchmal sogar außerhalb des herrschenden Systems von Gesetzen, Besitz und Eigentum funktionieren sollte.
Die Kunst sollte zugänglich sein, anstatt sich in Galerien, Museen und Privatsammlungen zu verstecken. Sie sollte demokratisch und ermächtigend sein, da alle Menschen in der Lage sein sollten, Kunst zu schaffen und sie von anderen wahrgenommen werden zu lassen.
Obwohl einige Straßenkünstler Installationen oder Skulpturen entwerfen, sind sie bekannter für den Einsatz unkonventioneller Kunstmedien wie Sprühfarbe, Schablonen und Aufkleber. Street Art wurde auch als unabhängige öffentliche Kunst und Guerilla-Kunst bezeichnet.
Wichtige Ideen der Street Art
Ursprünge und zeitliche Entwicklung
Vorläufer zeitgenössischer Graffiti und Street Art
Das Graffiti geht auf prähistorische und antike Zeiten zurück, wie die Höhlenmalerei in den Chauvet-Höhlen in Frankreich und andere historische Funde auf der ganzen Welt belegen. Wissenschaftler glauben, dass die Bilder von Jagdszenen, die an diesen Orten gefunden wurden, entweder zum Gedenken an frühere Jagdsiege gedacht waren oder als Teil von Ritualen verwendet wurden, die den Erfolg der Jäger verbessern sollten.
Man sagt, dass das beliebte Tagging von einem Inspektor stammt, der die Orte, die er zuvor besucht hatte, markieren wollte. Es entwickelte sich zu einer beliebten Kennzeichnungsform und änderte damit seine ursprüngliche Absicht.
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Während des Zweiten Weltkriegs wurde das Tag bei US-Soldaten populär der Satz "Kilroy was here" beliebt, den sie zusammen mit einer einfachen Skizze einer kahlen Gestalt mit großer Nase, die über einen Felsvorsprung auf Flächen entlang ihrer Route schaut, malten. Die Motivation hinter des einfachen frühen Graffito war es, ein Motiv der Verbundenheit für die Soldaten in diesen schwierigen Zeiten zu schaffen, ihre einzigartige Bruderschaft im fremden Land zu festigen und sich sichtbar zu machen.
Dies war eng mit der Motivation hinter zeitgenössischen Graffitis verbunden, wobei die Urheber bestrebt waren, ihre Existenz zu behaupten und ihre Handschrift an möglichst vielen Stellen zu hinterlassen.
Anfänge der zeitgenössischen Graffiti in den Vereinigten Staaten
Zeitgenössische (oder "Hip-Hop") Graffiti stammen aus den späten 1960er Jahren, die meist in den Black- und Latino-Vierteln von New York City entstanden sein sollen und durch die Erfindung der Aerosol-Spraydose angeregt wurden. Frühe Graffiti-Künstler wurden gemeinhin als "Tagger" bezeichnet, mit dem Ziel, möglichst viele Orte mit ihrem Markenzeichen zu versehen.
Tatsächlich war das Grundprinzip der Graffiti die Intention, die eigene Arbeit möglichst vielen Menschen zugänglich zu machen, an so vielen Orten wie möglich.
Die genaue geografische Lage des ersten "Taggers" ist schwer zu bestimmen. Einige Quellen identifizieren New York, andere wiederum nennen Philadelphia als Ursprungsort. Doch es ist mehr oder weniger unbestritten, dass New York der Ort ist, an dem die Graffiti-Kultur aufblühte, reifte und sich von allen bisherigen Graffiti-Formen am deutlichsten unterschied.
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Bald nachdem Graffiti auf Stadtflächen auftauchten, wurden U-Bahnwagen und Züge zu wichtigen Anziehungspunkten für die frühen Tagger von New York City. Solche Fahrzeuge legten große Entfernungen zurück, so dass der Name des Urhebers von einem breiteren Publikum gesehen werden konnte. Die U-Bahn wurde schnell zum beliebtesten Ort zum Anbringen von Graffiti, wobei viele Künstler auf diejenigen herabblickten, die an Wände malten. Viele der besten Graffitis sollten in Bewegung geschätzt werden, wenn sie durch dunkle Stationen oder auf erhöhten Schienen an den Bewohnern der Metropole vorbeifuhren.
Graffiti in U-Bahn-Wagen begannen als simple Tags. Aber als diese Ausdrucksform immer beliebter wurde, mussten sich die Künstler neue Wege suchen, um ihre Namen von der Masse abzugrenzen. In den nächsten Jahren wurden neue kalligraphische Stile entwickelt und Tags in große, farbenfrohe, aufwendige Stücke verwandelt. Es dauerte nicht lange, bis die einst so ungeschliffenen Tags an Größe gewannen und sich zu künstlerischen, bunten Objekten entwickelten, die die Länge ganzer U-Bahn-Wagen einnahmen.
New York City's Graffiti "Problem"
In den 1980er Jahren sah die Stadt New York den ihm innewohnenden Vandalismus des Graffiti als großes Problem an, und umfangreiche Ressourcen wurde zur Behebung dieses Problems eingesetzt.
Für den Bürgermeister von New York City, Ed Koch, war Graffiti ein Beweis für einen Mangel an autoritärer Ordnung. Als solches hätte die Präsenz von Graffiti eine psychologische Wirkung, die alle Bürger durch eine Störung der visuellen Ordnung zu ihrem Opfer machte und so ein Gefühl der Verwirrung und Angst unter den Menschen förderte.
Die Metropolitan Transit Authority (MTA) erhielt 1982 eine deutliche Aufstockung ihres Budgets, was es ihnen ermöglichte, anspruchsvollere Zäune zu errichten und die Zugbahnhöfe besser zu schützen. Die frühen Verfechter der Street Art sahen diese Maßnahmen jedoch als bloße Herausforderung und bemühten sich noch intensiver, ihre Ziele zu erreichen, während sie gleichzeitig zunehmend aggressiv gegenüber anderen Künstlern wurden.
1984 startete die MTA ihr Clean Car Program, das einen Fünfjahresplan zur vollständigen Beseitigung von Graffitis in U-Bahnen vorsah, nach dem Prinzip, dass ein mit Graffiti beschichteter U-Bahn-Wagen erst dann in Betrieb genommen werden durfte, wenn alle auf ihm angebrachten Werke entfernt worden waren. Dieses Programm drängte die Künstler allmählich außerhalb der New Yorker Stadtgrenzen.
Doch Graffiti war damit alles andere als ausgestorben. In den letzten Jahrzehnten hat sich diese Praxis weltweit verbreitet und oft Elemente des frühen amerikanischen Stils beibehalten, wie ineinander greifende Buchstabenformen und kräftige Farben.
Von Graffiti bis Street Art: Größere Variation in Stilrichtungen, Techniken und Materialien
Es ist wichtig zu beachten, dass sich das zeitgenössische Graffiti vollkommen unabhängig von traditionellen, institutionalisierten Kunstformen entwickelt hat.
Wir haben uns daran gewöhnt, die Kunstgeschichte als eine Abfolge von Epochen zu verstehen. Aber es gab es immer eine Kunst abseits der offiziellen Kunstgeschichte. Eine ungezähmte Kunst, die nicht in der regulierten Umgebung von Kirchen, Museen oder Galerien, sondern auf der Straße stattfand.
Das moderne Graffiti begann gar nicht erst als Kunstform, sondern als eine Form der textbasierten urbanen Kommunikation, die eigene Netzstrukturen entwickelte.
Anstatt sich den Kriterien der institutionalisierten Kunstwelt zu unterwerfen, entwickelten die frühen Graffiti-Künstler eine völlig neue und eigenständige Kunstwelt, die auf ihrem eigenen Stilkonzept und den innerhalb der Gemeinschaft entwickelten besonderen ästhetischen Standards für die Beurteilung von Inhalt und Technik basiert.
In den späten 1970er und frühen 1980er Jahren begannen viele Graffiti-Künstler, sich von textbasierten Arbeiten zu lösen und Bilder in ihre Motive zu integrieren. Zu den wichtigsten Künstlern, die an dieser Veränderung beteiligt waren, gehörten Jean-Michel Basquiat (damalas noch unter dem Pseudonym SAMO) und Keith Haring, die beide in New York City aktiv waren. Zur gleichen Zeit begannen viele Künstler auch mit verschiedenen Techniken und Materialien zu experimentieren, wobei die beliebteste Technik die Schablonierung (Stencil-Technik) war.
Konzepte und Techniken der Street Art
Graffiti
Seit der Jahrtausendwende setzt sich diese Entwicklung fort, indem Künstler alle möglichen Materialien verwenden, um illegale Werke in öffentlichen Räumen zu realisieren.
Die unzähligen Ansätze haben sich unter dem Begriff der Street Art etabliert, der seine Reichweite über das Graffiti hinaus auf diese anderen Techniken und Stile ausgedehnt hat.
Wortherkunft: Der Begriff "Graffiti" kommt aus dem Griechischen "graphein", was "kratzen, zeichnen oder schreiben" bedeutet, und so eine weit gefasste Auslegung des Begriffs aller Formen von Inschriften an Wänden beinhaltet.v
Das moderne Graffiti ist mit einer bestimmten Ästhetik verbunden, die am häufigsten bunte Schriftarten verwendet, mit stark stilisierten und abstrakten Buchstaben, die als "Wildstyle" bekannt sind, und/oder mit cartoonartigen Zeichen.
Stencil-Graffiti
Stencils sind Schablonen-Graffiti, die meist vorher aus Papier oder Karton vorbereitet werden und dann am Bestimmungsort befestigt und dann bemalt oder besprüht werden. Anschließend wird die Schablone entfernt und das Bild bleibt zurück. Viele Straßenkünstler bevorzugen die Verwendung von Schablonen gegenüber Freihand-Graffiti, da sie es möglich machen, ein Bild oder einen Text sehr einfach in Sekundenschnelle aufzubringen.
Schablonen sind ebenfalls vorzuziehen, da sie wiederverwendbar sind. Manchmal verwenden Künstler mehrere Ebenen von Schablonen auf demselben Bild, um Farben, Details und die Illusion von Tiefe zu erreichen.
Einer der ersten bekannten Straßenkünstler, der Schablonen benutzte, war John Fekner, der 1968 begann, mit dieser Technik Botschaften auf Wände zu bringen. Weitere bekannte Stencil-Street-Artists sind die französischen Künstler Ernest Pignon-Ernest und Blek le Rat, die britischen Künstler Nick Walker und Banksy sowie die amerikanischen Künstler Shepard Fairey und Above.
Skulpturale Street Art Interventionen
Einige Straßenkünstler entwickeln dreidimensionale plastische Inszenierungen, die heimlich im öffentlichen Raum installiert werden.
Diese Art von Arbeit unterscheidet sich von der allgemeinen öffentlichen Kunst dadurch, dass sie aufsässig ist und illegal ausgeführt wird, während die öffentliche Kunst von offizieller Seite aus in Auftrag gegeben wird. Nicht genehmigte Street Art Arbeiten zielen in der Regel darauf ab, den Betrachter zu schockieren.
Andere Medien
Foto: Lorie Shaull / Flickr
Es gibt Straßenkünstler, die mit anderen Medien experimentieren, wie z.B. Invader (Paris), der Keramikfliesen auf Wände und Fußböden klebt und Bilder aus dem Space Invaders Videospiel von 1978 nachbildet. Invader sagt, dass Fliesen das perfekte Material sei, weil es dauerhaft sei. Selbst nach Jahren verblassen die Farben nicht.
Viele andere Künstler verwenden einfache Aufkleber, die sie auf Flächen in der Stadt aufkleben. Oft werden diese Aufkleber mit dem Künstler-Tag oder einer einfachen Grafik bedruckt.
Entwicklungen nach der Street Art
Mainstream-Akzeptanz
Street Art ist nach wie vor eine beliebte Kunstrichtung auf der ganzen Welt, wobei viele ihrer Praktizierenden zu Ruhm und Mainstream-Erfolg avancierten. Straßenkünstler, die kommerziellen Erfolg haben, werden von ihren Kollegen oft kritisiert, dass sie ihre eigenen Prinzipien für den kommerziellen Erfolg über Bord geworfen hätten. Dass sie Teil des Systems geworden sind, gegen das sie früher rebellierten, indem sie illegale öffentliche Arbeiten geschaffen haben.
Diese Tendenz von der Straße in die Kunstgalerie zeigt auch eine wachsende Akzeptanz von Graffiti und Street Art innerhalb der Mainstream-Kunstwelt. Einige wenden das Label "Postgraffiti" auf die Arbeiten von Straßenkünstlern an, die auch am Geschehen des Kunstbetriebs teilhaben, obwohl viele dieser Künstler weiterhin illegale öffentliche Aktionen durchführen.
Dieses Phänomen bereitet auch den Kunsthistorikern Schwierigkeiten, da die schiere Zahl der Straßenkünstler sowie ihre Tendenz zur Wahrung der Anonymität es erschweren, mit einzelnen Künstlern in irgendeiner Weise in Kontakt zu treten.
Darüber hinaus ist es schwierig, Street Art in den kunsthistorischen Kanon einzubauen, da sie sich nicht aus dem Fortschreiten künstlerischer Bewegungen entwickelt hat, sondern unabhängig davon begann.
Ist Street Art legal?
Der Status der Street Art als Vandalismus verdrängt oft ihren Status als Kunst. In jüngster Zeit finden viele Künstler mehr Möglichkeiten, Kunstwerke in dafür vorgesehenen Umgebungen zu schaffen, indem sie in Galerien und Museen ausstellen oder mit Organisationen zusammenarbeiten, die öffentliche Freiräume anbieten, in denen Straßenkünstler Werke ausführen dürfen.
Viele andere konzentrieren sich jedoch weiterhin auf nicht zugelassene illegale Werke. Ein Teil der Anziehungskraft der illegalen Arbeit hat mit dem Adrenalinschub zu tun, den Künstler dadurch erhalten, dass sie ein Stück mit Erfolg ausführen, ohne von den Behörden geschnappt zu werden.
Wichtige Kunstwerke der Street Art
Die folgenden Kunstwerke stellen einige der Wichtigsten der Street Art dar.
TAKI 183: Untitled (Tag), 1973
Foto: Nicolas "SKGZ" GAUDIN / Flickr
Diese Arbeit dient als frühes Beispiel für das Tagging. Ein Künstler-Tag ist ein Pseudonym, das sowohl die Identität als auch die Anonymität des Einzelnen schützt und dem Urheber gleichzeitig die Möglichkeit bietet, eine neue Identität oder Persona zu entwickeln.
TAKI 183 wird oft als der erste Tagger angesehen. Obwohl Tagging eher als Vandalismus als als Kunst betrachtet wird, verbreitete sich die Idee, dass man bekannt werden könnte, indem man seine Präsenz im öffentlichen Raum demonstriert, und lieferte so die Grundlage für die Entwicklung von Künstlern aus dem Inneren heraus.
Keith Haring: Tuttomondo, 1989
Dieses Wandbild in Pisa in der Toskana ist gefüllt mit den charakteristischen Motiven des Graffitikünstlers Keith Haring, darunter seine üblichen Figuren und viele andere Formen.
Die Arbeit ist ein gutes Beispiel dafür, wie einige berühmte Straßenkünstler von ihren nicht genehmigten städtischen Gemälden in die elitäre Kunstwelt aufgestiegen sind.
Harings Bekanntheitsgrad katapultierte ihn zu der Art von Ruhm, die eine Stadt dazu veranlasste, seinen einzigartigen Stil für ihr öffentliches Gebäude zu nutzen.
Shepard Fairey: Obey Giant, 1998
Foto: Eva Rinaldi / Flickr
1998 kreierte der amerikanische Straßenkünstler Shepard Fairey eine Sticker-Kampagne, die von der Wrestlig-Legende Andre the Giant inspiriert wurde. Die Aufkleber, die mit dem Schriftzug Obey Giant geschrieben wurden, tauchten überall in den städtischen Landschaften auf, in denen Fairey lebte und reiste, und wurden zum visuellen, öffentlichen Experiment des Künstlers.
Fairey versuchte den Betrachter Dinge sehen zu lassen, die so selbstverständlich erscheinen, dass sie durch abstrakte Beobachtung gedrosselt werden.
So wurde das Gesicht des berühmten Wrestlers zu einem bekannten Motiv auf den Straßen, dessen Wiederholung Aufmerksamkeit erregte, aber bedeutungslos blieb, bis es schließlich nur noch ein weiteres bekanntes Stück der Stadtlandschaft wurde, das nicht hinterfragt oder analysiert wurde.
Banksy: Hip Hop Rat, ca. 2008
Foto: Tim Fuller / Flickr
Dieses Graffiti zeigt eine Ratte, die Banksy mit einer Schablone aufgesprüht hat. Banksy verwendet das Bild der Ratte oft als personalisiertes Symbol, das sich selbst darstellt, da er, wie sein Graffiti-Kollege Blek le Rat, eine Affinität zu diesem nachtaktiven Stadtbewohner empfand, die der Angst und Ausrottung entgehen will.
Der größte Teil von Banksys Arbeit zielt darauf ab, politische und soziale Kritik zu äußern. Soldaten und Polizisten sowie Ikonen der Massenmedien tauchen in vielen seiner Stücke auf.
Weitere Ressourcen
Street Art Bücher
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