Surrealismus in der Kunst – Merkmale, Künstler und Werke
Die wichtigsten Eigenschaften des Surrealismus im Überblick
André Breton definierte den Surrealismus als "psychischen Automatismus in seinem reinen Zustand, mit dem man versucht auszudrücken, wie das Denken tatsächlich funktioniert - mündlich, durch das geschriebene Wort oder auf andere Weise".
Breton schlug vor, dass Künstler die Vernunft und Rationalität umgehen, indem sie auf ihr Unterbewusstsein zugreifen. In der Praxis wurden diese Techniken als Automatismus bekannt. So sollte es Künstlern möglich werden, auf bewusstes Denken zu verzichten und sich den Zufall bei der Schaffung ihrer Kunst zu Nutze zu machen.
Entstehung des Surrealismus
Die surrealistische Bewegung begann als eine mit Dada stark verbündete literarische Gruppe, die nach dem Zusammenbruch von Dada in Paris entstand. Als André Bretons Eifer mit Tristan Tzaras antiautoritärem Verhalten kollidierte, brach die Dada-Bewegung auseinander.
Breton, der gelegentlich als "Papst" des Surrealismus bezeichnet wird, initiierte die Bewegung 1924 offiziell, als er "Das surrealistische Manifest" veröffentlichte.
Der Begriff "Surrealismus" wurde jedoch schon 1917 von Guillaume Apollinaire geprägt, als er ihn in Programmnotizen für die Ballettparade von Pablo Picasso, Leonide Massine, Jean Cocteau und Erik Satie verwendete.
Links: Salvador Dalí, Rechts: Man Ray
Etwa zur gleichen Zeit, als Breton sein Manifest veröffentlichte, begann die Gruppe mit der Herausgabe der Zeitschrift "La Révolution surréaliste", die sich hauptsächlich auf das Schreiben konzentrierte, aber auch Kunstreproduktionen von Künstlern wie de Chirico, Ernst, André Masson und Man Ray umfasste. Die Veröffentlichung hielt bis 1929 an.
Das Centrale Surréaliste wurde ebenfalls 1924 in Paris gegründet. Dies war eine lose zusammenhängende Gruppe von Schriftstellern und Künstlern, die sich trafen und Interviews führten, um "alle möglichen Informationen über Formen zu sammeln, die die unbewusste Aktivität des Geistes ausdrücken könnten".
Unter der Leitung von Breton schuf das Büro ein doppeltes Archiv: eines, das Traumbilder sammelte und eines, das Material über das gesellschaftliche Leben sammelte. Mindestens zwei Personen besetzten das Büro jeden Tag - eine zur Begrüßung der Besucher und die andere zur Aufzeichnung der Beobachtungen und Kommentare der Besucher, die dann Teil des Archivs wurden.
Im Januar 1925 veröffentlichte das Bureau offiziell seine revolutionäre Absichten, die von 27 Personen unterzeichnet wurden, darunter Breton, Ernst und Masson.
Merkmale und Ausprägungen des Surrealismus
Der Surrealismus teilte einen Großteil des Anti-Rationalismus des Dadaismus, aus dessen Bewegung er entstand. Die ursprünglichen Pariser Surrealisten benutzten die Kunst als Erlösung von den politischen Situationen der Gegenwart.
Durch den Einsatz von Fantasie- und Traumbildern schufen Künstler kreative Werke in einer Vielzahl von Medien, die ihren inneren Geist auf exzentrische, symbolische Weise enthüllten und Ängste aufdeckten.
Surrealistische Malerei
Es gab zwei Stile oder Methoden, die die surrealistische Malerei unterschieden. Künstler wie Yves Tanguy und René Magritte malten in einem hyperrealistischen Stil, in dem Objekte detailgetreu und mit der Illusion der Dreidimensionalität dargestellt wurden und betonten ihre traumhafte Qualität.
Die Farbe in diesen Werken war oft gesättigt oder vollständig einfarbig. Beides Optionen, die einen Traumzustand andeuten.
Einige Surrealisten setzten auch stark auf Automatismen, um das Unterbewusstsein zu erschließen.
Künstler wie Salvador Dalí, Joan Miró und Max Ernst verwendeten verschiedene Techniken, um ungewöhnliche und oft seltsame Bilder zu schaffen, darunter Collage, Frottage und Abziehbilder. Künstler wie Hans Arp schufen auch Collagen als Einzelwerke.
Hinweis: Hyperrealismus und Automatismus schlossen sich nicht aus. Miro zum Beispiel verwendete oft beide Methoden in einem Werk.
Surrealistische Objekte und Skulpturen
Breton fühlte, dass sich Gebilde seit Anfang des 19. Jahrhunderts in einer Phase des Stillstands befanden. Er vermutete, dass diese Sackgasse überwunden werden könnte, wenn Strukturen in ihrer ganzen Seltsamkeit erfasst werden können, als würde man sie zum ersten mal sehen.
Die Strategie bestand nicht darin, surreale Objekte zu erschaffen, um die Mittelschicht a la Dada zu schockieren, sondern Objekte durch das, was er "Dépaysement" oder Entfremdung nannte, "surreal" zu machen.
Das Ziel war die Verschiebung des Objekts, die Entfernung aus dem erwarteten Kontext, die Verfremdung des Objekts. Sobald das Objekt aus seinen normalen Umständen entfernt wurde, konnte es ohne die Maske seines kulturellen Kontextes gesehen werden.
Eine begrenzte Anzahl von Surrealisten ist bekannt für ihre dreidimensionale Arbeit. Arp, der als Teil der Dada-Bewegung begann, war bekannt für seine biomorphen Objekte.
Skulpturen von Hans Arp | Foto: Jean-Pierre Dalbéra / Flickr / CC BY 2.0
Oppenheims Stücke waren bizarre Kombinationen, die vertraute Objekte aus ihrem Alltagskontext entfernten, während Giacomettis eher traditionelle skulpturale Formen waren, von denen viele Hybridfiguren mit menschlichen Insekten waren.
Dalí, weniger bekannt für seine skulpturellen Arbeiten, produzierte einige interessante Installationen, insbesondere Regentaxi (1938), ein Automobil mit Schaufensterpuppen und einer Reihe von Rohren, die im Innenraum des Autos "Regen" erzeugten.
Surrealistische Fotografie
Eugène Atget inspirierte die Surrealisten, rätselhafte Momente in der Fotografie und darüber hinaus zu suchen. Die Fotografie nahm wegen der Leichtigkeit, mit der sie es Künstlern ermöglichte, unheimliche Bilder zu produzieren, eine zentrale Rolle im Surrealismus ein.
Künstler wie Man Ray und Maurice Tabard nutzten das Medium, um Techniken und Prinzipien wie Doppelbelichtung, Bildmontage und Sonneneinstrahlung zu erforschen. Andere Fotografen verwendeten Rotationen oder Verzerrungen, um bizarre Bilder zu erzeugen.
Die Surrealisten schätzten auch die Aufnahmen, die aus ihrem alltäglichen Kontext herausgelöst und durch die Linse der surrealistischen Sensibilität betrachtet wurden. Schnappschüsse, Polizeifotos, Stillstandsfotos und Dokumentarfotos wurden alle in surrealistischen Zeitschriften wie La Révolution surréaliste und im Minotaure veröffentlicht, die völlig unabhängig von ihren ursprünglichen Zielen waren.
Die Surrealisten zum Beispiel waren begeistert von Eugène Atgets Fotografien von Paris. Auf Anregung seines Nachbarn Man Ray 1926 in La Révolution surréaliste veröffentlicht, wurden Atgets Bilder von einem schnell verschwundenen Paris als impulsive Visionen verstanden. Atgets Fotos von leeren Straßen und Schaufenstern erinnerten an die eigene Vision des Surrealisten von Paris als "Traumhauptstadt".
Surrealistischer Film
Der Surrealismus war die erste künstlerische Bewegung, die mit dem Kino experimentierte, auch weil es mehr Möglichkeiten bot als das Theater, etwas Bizarres oder Unwirkliches zu schaffen.
Der erste Film, der als Surrealist bezeichnet wurde, war der 1924 Entr'acte, ein 22-minütiger Stummfilm, geschrieben von Rene Clair und Francis Picabia und unter der Regie von Clair. Aber der berühmteste surrealistische Filmemacher war natürlich Luis Buñuel. In Zusammenarbeit mit Dalí drehte Buñuel die Klassiker Un Chien Andalou (1929) und L'Age d'Or (1930), die beide durch erzählerische Disjunktion und ihre eigentümliche, manchmal verstörende Bildsprache gekennzeichnet waren.
In den 1930er Jahren produzierte Joseph Cornell in den USA surrealistische Filme wie Rose Hobart (1936). Salvador Dalí entwarf eine Traumsequenz für Alfred Hitchcocks Spellbound (1945).
Niedergang des Surrealismus
Obwohl der Surrealismus seinen Ursprung in Frankreich hat, lassen sich seine Auswüchse in der Kunst auf der ganzen Welt erkennen.
Vor allem in den 1930er und 1940er Jahren wurden viele Künstler in den Bann gezogen, als die zunehmenden politischen Umwälzungen und ein zweiter Weltkrieg die Befürchtung hervorriefen, dass sich die menschliche Zivilisation in einem katastrophalen Zustand befand.
Die Auswanderung vieler Surrealisten nach Amerika während des Zweiten Weltkriegs verbreitete ihre Ideen weiter. Nach dem Krieg wurden die Ideen der Gruppe jedoch durch den Aufstieg des Existenzialismus in Frage gestellt, der zwar den Individualismus feierte, aber rationaler war als der Surrealismus.
Hinweis: In der Kunst nahmen die Abstrakten Expressionisten surrealistische Ideen auf und übernahmen ihre Dominanz, indem sie neue Techniken zur Darstellung des Unbewussten entwickelten.
Breton interessierte sich zunehmend für den revolutionären politischen Aktivismus als oberstes Ziel der Bewegung. Das Ergebnis war die Aufteilung der ursprünglichen Bewegung in kleinere Fraktionen von Künstlern. Anhänger von Breton wie Roberto Matta glaubten, dass Kunst von Natur aus politisch sei.
Andere, wie Yves Tanguy, Max Ernst und Dorothea Tanning, blieben in Amerika, um sich von Breton zu trennen. Salvador Dalí zog sich ebenfalls nach Spanien zurück und glaubte an die zentrale Stellung des Individuums in der Kunst, unabhängig von jeglicher Politik.
Künstlerische Entwicklungen, die darauf folgten
Abstrakter Expressionismus
1936 veranstaltete das Museum of Modern Art in New York eine Ausstellung mit dem Titel "Fantastic Art, Dada, Surrealism" und viele amerikanische Künstler waren von ihr beeindruckt.
Einige, wie Jackson Pollock, begannen, mit dem Automatismus zu experimentieren und Bilder zu realisieren, die aus dem Unbewussten zu stammen schienen - Experimente, die später zu seinen Drip Paintings führten.
Robert Motherwell soll ebenfalls "zwischen den beiden Welten" von Abstraktion und Automatismus experimentiert haben.
Vor allem wegen der politischen Umwälzungen in Europa wurde New York und nicht Paris zum aufstrebenden Zentrum einer neuen Avantgarde, die das Unbewusste durch Abstraktion gegenüber den "handgemalten Träumen" von Salvador Dalí bevorzugte.
Peggy Guggenheims Ausstellung von 1942 mit surrealistisch geprägten einheimischen Künstlern und den europäischen Künstlern Miró, Klee und Masson unterstrich die Geschwindigkeit, mit der sich surrealistische Konzepte in der New Yorker Kunstszene verbreiteten.
Feminismus und Surrealistinnen
Die Surrealisten wurden oft als Gruppe von Männern dargestellt, die Frauen als "Wilde" im Vergleich zur kultivierten, rationalen Welt des männlichen Daseins kontrastierten.
Arbeiten von Kunsthistorikern haben diesen Eindruck seither korrigiert und nicht nur die Anzahl der Surrealistinnen, die vor allem in den 1930er Jahren in der Gruppe aktiv waren, hervorgehoben, sondern auch die Geschlechterstereotypen in vielen surrealistischen Kunstrichtungen analysiert.
Feministische Kunstkritiker wie Dawn Ades, Mary Ann Caws und Whitney Chadwick haben diesem Thema mehrere Bücher und Ausstellungen gewidmet.
Während die meisten der männlichen Surrealisten, insbesondere Man Ray, Magritte und Dalí, sich immer wieder auf die weibliche Form konzentrierten, versuchten Surrealistinnen wie Claude Cahun, Unica Zurn, Lee Miller, Leonora Carrington und Dorothea Tanning, die problematischen Auswirkungen der freudschen Psychoanalyse anzugehen.
In der Psychoanalyse nach Freud wurden Frauen oft als monströs und weniger stark darstellte. So experimentierten viele Surrealistinnen mit Cross-Dressing und stellten sich als Tiere oder Fabelwesen dar.
Bedeutende Werke der Kunstrichtung
In diesem Abschnitt sehen wir uns verschiedene wichtige Surrealismus Werke an, die den Weg für diese Kunstrichtung geebnet haben und noch heute äußerst angesehen sind. Die Liste der wichtigsten Werke des Surrealismus ist chronologisch geordnet. Da die Bilder nicht gemeinfrei sind, kannst du sie dir unter den jeweiligen Links ansehen.
Karneval des Harlekin (1924)
Künstler: Joan Miró
Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Miró schuf in seinen Gemälden kunstvolle, fantastische Räume, die ein hervorragendes Beispiel für den Surrealismus in seiner Abhängigkeit von traumhaften Bildern und der Verwendung von Biomorphismen sind. Biomorphe Formen sind solche, die organischen Wesen ähneln, aber schwer als eine bestimmte Sache zu identifizieren sind; die Formen scheinen sich selbst zu erzeugen, zu verwandeln und auf der Leinwand zu tanzen. Während in Karneval des Harlekin der Eindruck eines glaubwürdigen dreidimensionalen Raumes besteht, sind die verspielten Formen mit einer allumfassenden Qualität arrangiert, die vielen von Mirós Werken während seiner surrealistischen Periode eigen ist und ihn schließlich zu weiterer Abstraktion führen würde. Miró war besonders bekannt für seinen Einsatz automatischer Schreibtechniken bei der Gestaltung seiner Werke, insbesondere Kritzeln oder automatisches Zeichnen, mit denen er viele seiner Gemälde begann. Bekannt ist er vor allem für seine Werke wie dieses, die chaotische, aber unbeschwerte Innenszenen darstellen und seinen Einfluss aus niederländischen Innenräumen des 17. Jahrhunderts wie denen von Jan Steen ziehen.
Mama, Papa ist verwundet! (1927)
Künstler: Yves Tanguy
Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Der wichtigste Moment für Tanguy bei seiner Entscheidung, Maler zu werden, war seine Sicht auf eine Leinwand von Giorgio de Chirico im Jahr 1923 in einem Schaufenster. Im nächsten Jahr zogen Tanguy, der Dichter Jacques Prévert und der Schauspieler und Drehbuchautor Marcel Duhamel in ein Haus, das ein Treffpunkt für die Surrealisten werden sollte, eine Bewegung, die ihn aufgrund der Zeitschrift La Révolution surréaliste interessierte. André Breton begrüßte ihn 1925 in der Gruppe. Tanguy ließ sich von den biomorphen Formen von Jean Arp, Ernst und Miró inspirieren und entwickelte schnell sein eigenes Vokabular an amöbenartigen Formen, die trockene, mysteriöse Umgebungen bevölkern, zweifellos beeinflusst von seinen jungen Reisen nach Argentinien, Brasilien und Tunesien. Trotz seiner mangelnden formalen Ausbildung entstand 1927 Tanguys reifer Stil, der durch verlassene Landschaften geprägt war, die mit fantastischen felsartigen Objekten übersät waren, die mit einem präzisen Illusionismus gemalt wurden. Die Arbeiten haben in der Regel einen bedeckten Himmel mit einer Aussicht, die sich endlos zu erstrecken scheint.
Mama, Papa ist verwundet zeigt Tanguys häufigste Kriegsangelegenheit. Das Werk ist in einem hyperrealistischen Stil mit seiner unverwechselbaren, begrenzten Farbpalette gemalt, die beide ein Gefühl von traumhafter Realität erzeugen. Tanguy fand oft die Titel der Werke, während er psychiatrische Fallbeispiele nach überzeugenden Aussagen von Patienten durchsuchte. Angesichts dessen ist es schwierig zu wissen, ob dieses Werk für seine eigene Familiengeschichte relevant ist, da er behauptete, das Gemälde in seiner Gesamtheit vorgestellt zu haben, bevor er es begann. Sein Bruder wurde im Ersten Weltkrieg getötet, und die Öde der Landschaft kann sich im Allgemeinen auf die Verluste beziehen, die Tausende von französischen Familien im Krieg erlitten haben. De Chiricos Einfluss auf Tanguys Werk zeigt sich hier in der Verwendung von Schlagschatten und einem klassischen Torso in der Landschaft.
The Accommodations of Desire (1929)
Künstler: Salvador Dalí
Beschreibung und Analyse des Artworks: The Accommodations of Desire wurde im Sommer 1929, kurz nachdem Dalí zu seiner ersten surrealistischen Ausstellung nach Paris gereist war, gemalt und ist ein Paradebeispiel für Dalís Fähigkeit, seine lebhaften und bizarren Träume mit scheinbar journalistischer Genauigkeit umzusetzen. Er entwickelte die paranoid-kritische Methode, die systematisches irrationales Denken und selbstinduzierte Paranoia als Zugang zu seinem Unbewussten beinhaltete. Er bezeichnete die entstandenen Arbeiten wegen ihres Realismus gepaart mit ihrer unheimlichen Traumqualität als «handgemalte Traumfotografien». Die Erzählung dieses Werkes stammt aus Dalís Ängsten über seine Affäre mit Gala Eluard, der Frau des Künstlers Paul Eluard. Die klumpigen weißen «Kieselsteine» zeigen seine Unsicherheiten über seine Zukunft mit Gala und kreisen um die Begriffe Terror und Verfall. Während The Accommodations of Desire ein Exposé der tiefsten Ängste Dalís ist, kombiniert es seinen typischen hyperrealistischen Malstil mit experimentelleren Collage-Techniken. Die Löwenköpfe sind auf die Leinwand geklebt und sollen aus einem Kinderbuch geschnitten worden sein.
The Palace at 4 A.M. (1932)
Künstler: Alberto Giacometti
Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Giacometti war einer der wenigen Surrealisten, der sich auf die Skulptur konzentrierte. «The Palace at 4 A.M.» ist ein filigranes Gebäude, das von seiner Besessenheit von einer Geliebten namens Denise im vergangenen Jahr inspiriert wurde. Über die Affäre sagte er: «Ein Zeitraum von sechs Monaten verging in Gegenwart einer Frau, die alles Leben in sich konzentrierte und jeden Moment in einen Zustand der Verzauberung versetzte. Wir bauten in der Nacht einen fantastischen Palast – einen sehr zerbrechlichen Streichholzpalast. Die kleinste falsche Bewegung und ein ganzer Abschnitt brach zusammen. Wir haben es immer wieder angefangen.» 1933 sagte er Breton, dass er nicht in der Lage sei, etwas zu machen, was nichts mit ihr zu tun habe.
Das Werk beinhaltet Darstellungen oder Symbole seines Liebesinteresses und vielleicht auch seiner Mutter. Andere Bilder, wie z.B. der Vogel, sind weniger einfach zu interpretieren. So zeichnet sich das Werk durch sein bizarres Nebeneinander von Objekten und einem Titel aus, der scheinbar nichts mit der konstruierten Szene zu tun hat, was dem Stück einen Unterstrom von Mysterien und Spannungen verleiht, als ob etwas Schreckliches passieren würde. Das Werk fängt in seiner kindlichen Einfachheit die Zerbrechlichkeit von Erinnerung und Begehren ein. Giacomettis Nachkriegsinteresse am Existenzialismus zeigt sich hier bereits darin, wie er die Isolation der verschiedenen Figuren darstellt.
The Barbarians (1937)
Künstler: Max Ernst
Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Max Ernst war bekannt für seine Schreibtechniken wie Frottage, Grattage und Collage. Hier verwendet er die Grattage, was bedeutet, dass er die Farbe von einer bereits bemalten Farbe herunterkratzte. Die Methode bringt Elemente des Zufalls und der Unvorhersehbarkeit in das Werk ein, da der Künstler gezwungen ist, eine gewisse Kontrolle über das Werk aufzugeben.
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