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Takashi Murakami – Ausführliche Biografie und Erklärung seiner vielschichtigen Kunst

Takashi Murakamis kometenhafter Aufstieg zur Bekanntheit in der zeitgenössischen Kunstwelt wurde zu gleichen Teilen mit Begeisterung und Kritik aufgenommen.

Murakami verbindet Bezüge aus der japanischen Populärkultur mit dem umfangreichen künstlerischen Erbe des Landes. Mit seiner Arbeit macht er jede Unterscheidung zwischen Massenware und "hoher Kunst" zunichte. 

Er wird mit Andy Warhol verglichen, sowohl wegen seines Ansatzes der Kunst als Geschäft, als auch wegen seiner zwei großen Fabriken, die seine Kunst produzieren, vermarkten und verkaufen.


Kernideen von und zu Takashi Murakami

  • Seine Arbeit wurde von der japanischen Subkultur "Otaku" inspiriert, die voll von seltsamen Verdrehungen von Niedlichkeit und Unschuld sowie unglaublicher Gewalt ist. Auf diese Weise entwirft Murakami eine subtile Kritik an Japans zeitgenössischer Kultur und dem eindringenden Einfluss des Westens auf sie.
  • Skulpturen von animierten Charakteren mit voluminösen Brüsten, überfröhliche Cartoon-Charaktere mit rasiermesserscharfen Zähnen, und krankhaft niedliche Gemälde von lächelnden Gänseblümchen basieren alle stilistisch und thematisch auf Murakamis früher Auseinandersetzung mit der japanischen Subkultur des Otaku. Dabei handelt es sich um eine große Gruppe enthusiastischer Sonderlinge, die von den Fantasiewelten besessen sind, die in Anime (animierte Cartoons) und Manga (Comics) dargestellt werden. In seiner Jugend tauchte Murakami in diese Welt ein, und als Künstler begann er, sich stilistisch von ihr inspirieren zu lassen.
  • Aus Trotz gegenüber der vom Westen dominierten Kunstwelt schuf Murakami seine eigene Kunstrichtung namens Superflat. Der Name bezieht sich sowohl auf die abgeflachten Kompositionen, denen es an einer Ein-Punkt-Perspektive fehlte, als auch auf die Abflachung von Kunst und Wirtschaft. Superflat ist Murakamis Art, die japanische Geschichte mit der zeitgenössischen Popkultur zu verbinden. Seine helle und einfache Ästhetik lockte sofort ein breites Publikum zu seinen Arbeiten. Kritiker haben Superflat jedoch als offensichtliche Karikatur und Verzerrung des modernen Japan verspottet. Unabhängig davon hat Superflat eine ganze Generation zeitgenössischer japanischer Kunst inspiriert.
  • Ausgehend von Andy Warhols Factory entwickelte Murakami eine neue Form der Pop-Art, die passend Neo-Pop genannt wird. Hier wird die Grenze zwischen Populärkultur und hoher Kunst nicht einfach verwischt, sondern völlig eliminiert. Murakamis Neo-Pop parodiert die japanische Konsumkultur der Nachkriegszeit. Murakamis Produktionsstätten produzieren bildende Kunst, die für Millionen von Euro verkauft wird, neben billigen Werbeträgern, die nur für ein paar Euro verkauft werden. In dieser Hinsicht zerstört Murakami die Illusion des Elitismus und der Überlegenheit der Kunstwelt und profitiert gleichzeitig wirtschaftlich davon. Seine Zusammenarbeit mit Louis Vuitton hat die Grenze zwischen Kunst und Kommerz weiter aufgehoben, während die breite Verfügbarkeit seiner Kleinigkeiten es jedem ermöglicht, in den Besitz eines Murakami zu gelangen.
  • Murakamis Arbeit muss als zutiefst kritisch gegenüber der westlichen Einmischung verstanden werden. Er wurde von Eltern aufgezogen, die die verheerenden Atombombenanschläge in einem Japan erlebten, das dann mit heftigen Sanktionen und einer permanenten US-Militärpräsenz konfrontiert wurde. Seine japanischen Schriften unterscheiden sich stark von seinen auf Englisch verfassten Essays. In ihnen verrät er einen tiefen Zynismus gegenüber dem Westen und dem globalen Kunstmarkt. Murakami betrachtet Japans zeitgenössische Besessenheit von jugendlicher Unschuld, Fetisch und Gewalt als das Ergebnis der US-Intervention, die mit der Atombombe begann.

Takashi Murakami Biografie

Takashi Murakami – Ausführliche Biografie und Erklärung seiner vielschichtigen Kunst

Takashi Murakami, 2010

Kindheit

Takashi Murakami wurde am 1. Februar 1962 geboren. Murakamis Vater war Taxifahrer, und seine Mutter war Hausfrau. Seine Mutter, die Stickerei und Textildesign erlernte, hatte einen enormen Einfluss auf Murakamis Interesse an der Kunst. Seine Eltern ließen ihn oft Rezensionen über Ausstellungen schreiben, die sie besucht hatten. Wenn er sich weigerte, war er gezwungen, ohne Abendessen ins Bett zu gehen.

In einem so harten Lebensumfeld lernte Murakami, wie man schnell denkt und schreibt. Diese Fähigkeiten begründen zum Teil seinen späteren Ruhm als scharfer Kunstkritiker.

Murakami hörte schon früh in seinem Leben seine Mutter erzählen, dass er nicht geboren worden wäre, wenn die USA eine weitere Atombombe abgeworfen hätten. Die Allgegenwart der Verwüstung und die daraus resultierende Präsenz der USA in Japan in den Jahrzehnten nach dem Zweiten Weltkrieg hatte einen enormen Einfluss auf Murakamis künstlerische Entwicklung.

Während Murakamis Kindheit entwickelte Japan eine nationale Identität, die die traditionelle japanische Kultur wieder aufleben ließ und einen enormen Druck auf die Arbeitskräfte ausübte, um mit dem Westen sowohl wirtschaftlich als auch kulturell konkurrieren zu können.

Hinweis: Diese gemischte Betonung der traditionellen japanischen Kultur und westlicher Einflüsse spiegelte sich in Murakamis kindlichen Aktivitäten wider, die von der Teilnahme an buddhistischen Ritualen und japanischer Kalligraphiekurse bis hin zum Besuch von Museumsausstellungen von Meistern wie Renoir und Goya reichten.

Obwohl er schon früh ein Verständnis sowohl für die traditionelle japanische Kultur als auch für die moderne europäische Kunst entwickelte, hatte der japanische Zeichentrick den größten Einfluss auf ihn während seiner prägenden Jugend.

Dies erklärt, warum ein großer Teil seiner Werke der Otaku-Gemeinde gewidmet ist, einer Subkultur, die ihren Hobbys mit beinahe fanatischer Leidenschaft nachgehen. Diese wiederkehrenden Motive in Anime und Manga stimmen mit der Unfähigkeit oder vielleicht auch der Weigerung der Otaku-Anhänger überein, in der realen Welt zu interagieren oder soziale Fähigkeiten anzuwenden. Murakami selbst verbindet die Otaku-Subkultur direkt mit der japanischen Gesellschaft nach dem Zweiten Weltkrieg.

Frühzeitige Ausbildung und Arbeit

Ursprünglich interessiert an der Erforschung von Hintergrundkunst für Animationen, schrieb sich Murakami 1980 in die Nihonga-Abteilung der renommierten Kunsthochschule Tōkyō Geijutsu Daigaku ein, wo er für den Master (1988 abgeschlossen) und den Doktorgrad (1993 abgeschlossen) blieb.

Während er fleißig die alten Techniken an der Universität studierte, erlernte er auch die Animationsproduktion außerhalb der Schule und setzte sein Wissen über die Welt der zeitgenössischen Kunst durch den Besuch von Ausstellungen und das Künstlerprogramm seiner Schule fort.

1984 erwies sich ein inspirierendes und doch aufreibendes Treffen mit Joseph Beuys als Wendepunkt in Murakamis künstlerischem Schaffen. Während einer Diskussion in der Klasse ignorierte Beuys einige der Fragen der Schüler und sagte: "Die Fragen haben keine Bedeutung. Ich hätte gerne eine sinnvollere Frage."

Beuys' abweisende Haltung verärgerte Murakami, während der berühmte Künstler wiederum frustriert war von dem, was er als uninformierte japanische Kunststudenten erachtete. Infolgedessen begann Murakamis mit seinem siebten Studienjahr, seine zutiefst kritische Haltung gegenüber dem westlichen Kunstmarkt zu reflektieren.

Murakamis frühe Arbeiten spiegeln die Realitäten wider, mit denen er aufgewachsen ist, und erforschen die komplexen Beziehungen zwischen Japan und den USA nach dem Zweiten Weltkrieg.

So verwendet Polyrhythm (1991) Plastikspielzeugsoldaten aus dem Zweiten Weltkrieg, Sea Breeze (1992) bezieht sich auf die Atombombe. Diese Arbeiten zeigen seine frühe Entwicklung eines spielerischen und leichten Stils, der sich immer auf eine zynischere Grundhaltung beruft.

Künstlerische Reife und internationaler Erfolg

1994 reiste Murakami nach New York City, um am International Studio Program des P.S.1 Contemporary Art Center im Rahmen eines Stipendiums teilzunehmen.

Abgeschieden und ziemlich unglücklich in New York, war Murakami umgeben vom Druck des amerikanischen Kunstmarktes und Galeriensystems. Dort erkannte er, dass er, um in dieser Welt erfolgreich zu sein, seine allzu intellektuellen japanischen Befindlichkeiten aufgeben und eine vereinfachte Marke von sich und seiner Kunst als japanisch präsentieren musste. Diese Zeit stellt daher einen radikalen Umbruch in seiner Laufbahn dar.​

Davor konzentrierte sich sein Werk auf eine globale Ausrichtung auf die zeitgenössische Kunst. Während dieses Besuchs entschied er sich jedoch, sich wieder mit seiner japanischen Identität auseinanderzusetzen.

Fortan würde er die Auseinandersetzung seines Werkes sowohl mit der hochrangigen Kunstform des Nihonga als auch mit den Populärkulturformen von Anime und Manga noch verstärken.

Am Vorabend seiner Abreise aus New York, als er mit Freunden ein nächtliches Wortspiel mit sinnlosen Wörtern wie "Dobozit" spielte, erfand Murakami die Figur Mr. DOB, die später in allen seinen verschiedenen künstlerischen Medien zur charakteristischen Figur des Künstlers wurde. Mr. DOB-förmige Hüpfburgen wurden 

1995 erstmals in New York bei der Angel Orensanz Foundation gezeigt, erhielten aber keine nennenswerte Aufmerksamkeit. 1996 wurde er in eine Gruppenausstellung in der Galerie Feature aufgenommen. Diese Ausstellung markiert den Beginn seiner internationalen Anerkennung und seines Ruhmes.

Murakami entwarf in der zweiten Hälfte der 90er Jahre eine Reihe von Hauptskulpturen, die von der Otaku-Subkultur inspiriert waren, darunter Miss ko2 (1996-1997), Hiropon (1997) und My Lonesome Cowboy (1998). 

Überlegung: Murakamis großzügige Anleihen aus der japanischen Populärkultur sind sehr vergleichbar mit Roy Lichtenstein und Andy Warhols Aneignungen von Comics.

Um seine von Otaku inspirierten Skulpturen zu produzieren, rief Murakami 1996 die Hiropon Factory ins Leben. Wie viele von Murakamis Werken ist auch seine Fabrik sowohl traditionellen japanischen Kunstwerkstätten nachempfunden, wie denen, die die bunten Holzschnitte aus der Edo-Zeit herstellten, als auch Andy Warhols Factory.

Bei Hiropon arbeiten in verschiedenen Fachbereichen ausgebildete Assistenten unter der Leitung des Künstlers bei Großprojekten zusammen, die im Massenmarkt angeboten werden. Im Jahr 2001 entwickelte sich die Hiropon Factory zur Kaikai Kiki Co., einem hochentwickelten Unternehmen mit rund fünfzig Mitarbeitern in der Tokioter Zentrale und zwanzig in den New Yorker Büros und Ateliers.

Kaikai Kiki stellt einen Wandel in der Produktion moderner Kunstwerke dar, bei dem Kunst und Handel nahtlos integriert sind und bei dem die physische Beteiligung des Künstlers bei der Herstellung des Kunstwerks nicht mehr den finanziellen Wert bestimmt. Stattdessen wird der symbolische Wert durch die Verbindung des Künstlers mit den Kunstgegenständen geschaffen, die in seiner geschäftsorientierten Fabrik produziert werden. Heute beschäftigt das Unternehmen am Standort Tokio bis zu 60 Vollzeitkräfte und in New York mehr als 20.

Auf der Suche nach einer japanischen Nachkriegsidentität und aus Frustration über die Gleichgültigkeit seiner Landsleute gegenüber der japanischen Gegenwartskunst präsentierte Murakami im Jahr 2000 in einer gleichnamigen Gruppenausstellung die Theorie des Superflat. Die Ausstellung zeigte seine eigenen Werke sowie die von Yoshitomo Nara, Shigeyoshi Ohi, Aya Takano und anderen. Die Superflat-Theorie eroberte bald die zeitgenössische Kunstwelt und wurde zu einer wegweisenden Bewegung in der gegenwärtigen japanischen Kunst.

Murakamis historischer Text "A Theory of Super Flat Japanese Art" (2000) ist der entscheidende Ausdruck seiner frühen Verachtung für die Kunstwelt. Dort artikuliert er den Wunsch, eine einzigartige japanische Kunstform zu schaffen, die in direktem Zusammenhang mit dem langen Trauma Japans nach der entwürdigenden Niederlage des Zweiten Weltkriegs steht. Dieser Aufsatz versucht, die Essenz der japanischen Nachkriegskultur zu erschließen, um sie als grundlegende Philosophie für seine Kunstwerke zu nutzen.

Die japanische Version dieses Essays zeigt einen lebendigen Antiamerikanismus, während sich seine englischen Übersetzungen mehr auf die stilistische Entwicklung seiner Werke konzentrieren. In beiden Versionen erklärt Murakami jedoch das Konzept von "Superflatness als ursprüngliches Konzept der Japaner, das vollständig verwestlicht wurde".

Seine Schrift und die damit verbundene Philosophie zielt darauf ab, die Geschichte der japanischen Kunst des 12. und 13. Jahrhunderts nahtlos mit der zeitgenössischen japanischen Populärkultur zu verbinden.

Trotz seiner kunsthistorischen Referenzen in seiner Kunst, Essays, Manifesten und Interviews werden die Menschen oft zu seinem Werk hingezogen, weil es oberflächlich wirkt und eine schillernde Explosion von Charakteren und Farben ausstrahlt.

Dieses Paradoxon zwischen der tiefen Bedeutung und dem unmittelbaren Vergnügen seines Publikums drückt direkt die fließenden Übergänge seines Superflat-Konzepts aus.

Aktuelle Praxis

Seit der Gründung der Hiropon Factory sind Murakamis Projekte kommerzieller angelegt und haben eigenständige künstlerische Medien wie Mode, Musik, öffentliche Installationen, Animation und Filme erkundet. Diese Verschiebung zwischen den Rollen zeigt Murakamis Bestreben, neu zu definieren, was ein postmoderner, internationaler Künstler sein kann.

Auf Einladung des Designers Marc Jacobs begann Murakami 2002 seine langjährige Zusammenarbeit mit dem renommierten Modelabel Louis Vuitton. Ohne seine Identität im LV-Projekt zu verlieren, war Murakami in der Lage, die Marke zu verändern, um seine eigene unverwechselbare Ästhetik zu integrieren. So überdruckte er beispisleweise das LV-Monogramm mit seinen Cartoonkirschen.

Diese Zusammenarbeit machte Murakami weithin bekannt und erhob seinen Status zur Berühmtheit in seinem Heimatland. Diese Phase seines Schaffens erhöhte den wirtschaftlichen Wert seiner Kunst maßgeblich.

Sein Ruhm in der Modewelt zog sich auch durch die Popmusikindustrie. 2007 entwarf Murakami die Bärenfigur für Kanye Wests Album Graduation und drehte ein animiertes Video für Wests Song "Good Morning".

Zu seinen Sammlern in der Popmusikwelt gehören der südkoreanische Superstar-Musiker G-Dragon und Pharrell Williams, die 2009 und 2014 auch mit Murakami zusammengearbeitet haben.


Das Vermächtnis von Takashi Murakami

Murakami hat die nächste Generation japanischer Künstler inspiriert und persönlich betreut. Er nannte sich selbst als Guru der Kuriieita-Generation, der jungen Erwachsenen der beiden "verlorenen Jahrzehnte" der 90er und 2000er Jahre Japans, die in einer Gesellschaft im Niedergang aufgewachsen sind.

Diesen Anhängern in Japan erklärte er, er sei auf der Mission, den Westen zu überlisten und das japanische Kunstsystem zu durchbrechen. 

Er ist auch ein aktiver Mentor für aufstrebende japanische Künstler, indem er sie in seinen Produktionsstätten beschäftigt, Ausstellungen ihrer Werke kuratiert und Abhandlungen verfasst, die ihre Werke im Rahmen des Erbes der modernen japanischen Kunst kontextualisieren.

Zu den Schützlingen der Kaikai Kiki Co. gehören Chinatsu Ban, Mahomi Kunikata, Rei Sato und Aya Takano, deren ausgeprägte Präsenz in der japanischen Kunstwelt die gegenwärtige Kunstlandschaft Japans prägt.


Bedeutende Werke von Takashi Murakami

Nachfolgend findest du einen Auszug der bedeutenden Arbeiten des Künstlers. Abgesehen von diesen beispielhaft aufgeführten Arbeiten gibt es eine Fülle anderer Werke von Murakami, die die vielen Facetten seines schöpferischen Werdegangs noch genauer abbilden.

Es lohnt sich, weitere Takashai Murakami Werke zu betrachten, um zu einem umfassenderen Bild des Künstlers zu gelangen.

727, 1996

Im Zentrum dieses modernen Triptychons steht Murakamis Avatar mit dem Namen Mr. DOB. Sein geöffnetes Maul zeigt rasiermesserscharfe Zähne, während seine zahlreichen Augen wahnsinnig durch die Gegend streifen. Der japanische Anime ist bekannt für Cartoonfiguren mit ungewöhnlich großen Augen, die häufig einen großen Teil ihres Gesichts einnehmen. Die schweifenden Augen in diesem Stück verstärken die Übertreibung des Anime noch weiter.

Mr. DOB, 1993 von Murakami ins Leben gerufen, leitet sich vom japanischen Slangbegriff "Dobozit" ab, der grob übersetzt "warum" bedeutet. Das wahnsinnige Lächeln von Mr. DOB kann als Murakamis lächelnde Haltung gegenüber der Kunstwelt, aber auch gegenüber dem Westen verstanden werden.

Der Titel selbst, 727, ist eine Anspielung auf die Boeing American Flugzeuge, die über sein Elternhaus flogen, während sie zu US-Militärbasen zogen. In diesem Sinne ist der Titel ein direkter Verweis auf die US-Präsenz in Japan nach dem Zweiten Weltkrieg, die Murakami in seiner Kunst so sehr erforscht und kritisiert.

Die stilisierte Welle, auf der Mr. DOB sitzt, ist eine offensichtliche Referenz an den japanischen Holzschnittmeister Hokusai aus dem 19. Jahrhundert. Mit seinen kräftigen Farben und abgeflachten Kompositionen war er sowohl für zukünftige japanische Künstler als auch für Manga-Comics von enormer Bedeutung. Der abstrakte Hintergrund, der durch das Abschaben vieler Farbschichten entsteht, erinnert an einen japanischen Wandschirm im Nihonga-Stil. 

Der beruhigende Einsatz von Farbe im Hintergrund dieser Arbeit steht im krassen Gegensatz zum karikaturhaften Mr. D.O.B. auf einer parodierten Version von Hokusais Großer Welle vor Kanagawa. Murakami, der sich in seiner Jugend intensiv mit der Nihonga-Kunst auseinandersetzte, verschmilzt meisterhaft die Welten der geschichtsträchtigen japanischen Ästhetik mit den beliebten zeitgenössischen japanischen Zeichentrickfiguren. 

Eye Love SUPERFLAT, 2006

Auf Initiative des Designers Marc Jacobs begann Murakami 2002 seine 13 Jahre andauernde Zusammenarbeit mit der Modemarke Louis Vuitton. Einer von Murakamis Entwürfen zeigt das LV-Signaturmonogramm in siebenundneunzig verschiedenen Farben mit seinen eigenen charakteristischen Augen, die auf schwarzen oder weißen Hintergründen wiederholt werden.

Mit diesem beliebten Projekt ist Murakami erfolgreich zu einem Vorreiter bei der Förderung von Kunst als kommerzielle Marke geworden. Diese bahnbrechende Zusammenarbeit brachte Louis Vuitton ebenfalls über 300 Millionen Dollar ein. Während viele Kunstkritiker und Sammler über seine unverhohlene Kommerzialisierung spotteten, handelt es sich für den Künstler lediglich um die geschäftliche Manifestation seines Kunstverständnisses.

Marc Jacobs, der damals Chefdesigner von Louis Vuitton war, entschied sich für die Zusammenarbeit mit Murakami und wollte eine neue Generation japanischer Jugendlicher mit der Luxusmarke in Kontakt bringen. Murakami hingegen glaubt, dass Mode ein visuelles Spiegelbild einer ganzen Epoche sein kann.

Dieser Anspruch, die Gegenwart zu präsentieren, steht im Einklang mit seinem größeren künstlerischen Ziel, die Essenz der heutigen japanischen Gesellschaft dem globalen Publikum vorzustellen.

Blue Flowers & Skulls, 2012

Leben und Tod prallen in dieser Arbeit aufeinander. Lächelnde Gänseblümchen und riesige Schädel überziehen die Bildebene und verschmelzen chaotisch mit Hilfe der blauen Farbschemata der Arbeit. Die digital gestalteten Blumen erinnern an heutige Emojis.

Die Zusammenstellung von Niedlichkeit und Tod ist Murakamis Art und Weise, sich sowohl mit der japanischen Besessenheit von Kawaii (Niedlichkeit) auseinanderzusetzen als auch diese zu kritisieren.