«Tod und Leben» von Gustav Klimt in der Bildanalyse

Der Tod war für viele Künstler ein faszinierendes Thema. Häufig wurde er als personifizierte Macht wahrgenommen, auch bekannt als der Sensenmann, der den Tod des Opfers verursacht, indem er sie einsammeln kommt. Im Gegenzug sind in manchen Geschichten Menschen bestrebt, das Leben zu bewahren, indem sie den Besuch des Todes vermeiden oder ihm mit Tricks von der Schippe springen wollen. Doch dieser Teil der Bildsprache wird in dem Gemälde keine übergeordnete Rolle spielen.

Das Bild «Tod und Leben» wurde 1911 von Gustav Klimt geschaffen, nur wenige Jahre bevor die Welt durch den Ersten Weltkrieg in Brand gesteckt wurde und bevor Klimt schließlich im Jahr 1918 an einer grippösen Lungenentzündung verstarb.

Tod und Leben Bildbeschreibung

Neben dem Tod, der eine Keule hält und das «Leben» mit einem bösartigen Grinsen betrachtet, sehen wir die menschliche Woge, die einen lebendigen und hoffnungsvollen Eindruck vermittelt. Nackte Körper sind zusammengedrängt und von einer bunten Fülle von Blumen und Ornamenten umgeben. Jede Altersgruppe, vom Baby bis zur Großmutter, ist in dieser Darstellung des endlosen Lebenskreises vertreten. Der Tod mag in der Lage sein, Einzelpersonen aus dem Leben zu streichen, aber das Leben selbst, die Menschheit als Ganzes, wird sich seinem Griff immer entziehen. In einer mutigen Komposition stellt das Bild eine universelle Allegorie dar, durch die der Wiener Künstler den Zyklus des menschlichen Lebens veranschaulichte. Der Kreislauf des Lebens wiederholt sich.
Aus unbekannten Gründen entschied sich Klimt 1915, im zweiten Kriegsjahr, das Bild zu überarbeiten. Es war auch das Jahr, in dem seine geliebte Mutter, mit der er bis zu ihren letzten Tagen zusammenlebte, starb. Vor allem die Gestalt des Todes wurde grundlegend verändert. Er fügte auch Figuren in die Masse der Menschen ein und malte den Hintergrund neu.

Sowohl die Gruppe der Menschen als auch der Tod wurden auf die für Klimt typische, dekorative Weise aufbereitet. Wir können das Echo seiner berühmten «Goldenen Periode» erkennen, wobei «Der Kuss» natürlich das berühmteste Meisterwerk dieser Zeit ist. 1903 reiste Klimt zweimal nach Ravenna, wo er die Mosaike von San Vitale sah, deren byzantinischer Einfluss sich in seinen Gemälden zeigte. In «Tod und Leben» haben die Ornamente und ihre Farben ihre Bedeutung – schwarze Kreuze auf dem Umhang des Todes stehen der hellen Umgebung der mit Blumen gefüllten menschlichen Figuren gegenüber.

Bedeutung von Tod und Leben

Gustav Klimt bezeichnete dieses Gemälde, das 1911 auf der Internationalen Kunstausstellung in Rom mit dem ersten Preis ausgezeichnet wurde, als sein wichtigstes figuratives Werk.

Statt einer bedrohlichen Vision vom Tod sehen wir die Akzeptanz der Sterblichkeit. Die Momente der Freude, Schönheit, Jugend und Gelassenheit, Hoffnung und Akzeptanz. Der Kreislauf des Lebens wiederholt sich immer weiter, zumindest in seiner Vision.