6 versteckte Selbstporträts bekannter Künstler in bedeutenden Gemälden

Vom 15. Jahrhundert bis heute gilt die Renaissance-Maxime: "Jeder Maler malt sich selbst." Abgesehen von einfachen Selbstporträts haben Künstler im Laufe der Zeit besondere Signaturen auf ihren Gemälden hinterlassen und auf ungewöhnliche und originelle Weise ihr eigenes Gesicht in ihre Werke integriert.

Dieses Selbstwertgefühl für den Künstler entstand in der Renaissance mit humanistischen Werten, die Individualismus und Kreativität schätzten. In dieser Zeit entstanden in Europa zwei Trends für versteckte Selbstporträts. In Italien tendierten Künstler dazu, ihre Porträts auf der rechten Seite von Gemälden oder Altarbildern einzufügen, wobei ihre Augen wissentlich auf den Betrachter gerichtet waren.

Künstler der Nördlichen Renaissance spielten jedoch gerne mit einer dichten und präzisen Symbolik, die ihre technischen Fähigkeiten unter Beweis stellte. Die Selbstporträts, die sie in ihre Ölbilder einarbeiteten, finden sich meist verzerrt in reflektierenden Oberflächen wie Spiegeln wieder.

Die in dieser künstlerischen Blütezeit begonnenen Traditionen blieben durch die Neuzeit hindurch bestehen und halten bis heute an.

Hier sehen wir 7 Selbstporträts von Künstlern, die sich in einigen ihrer berühmtesten Werke verstecken.

Jan van Eyck, Porträt von Giovanni Arnolfini und seiner Frau, 1434 

Eines der rätselhaftesten Gemälde der westlichen Kunstgeschichte ist auch eines der schönsten. Jan van Eycks prunkvolles Hochzeitsporträt schwelgt in sorgfältig ausgestalteten Symbolen von Reichtum und anderen charakteristischen Einzelheiten.

Aus dem kleinen konvexen Spiegel an der Wand hinter dem Brautpaar, der zwei weitere Figuren beim Betreten des Raumes zeigt, entscheidet sich ein Großteil der Aussage des Bildes. 

Der Bräutigam hebt seinen Arm in einem augenscheinlichen Gruß an, eine Geste, die von einem der Männer im Spiegel erwidert wird.

Unmittelbar darüber befindet sich Van Eycks Inschrift: "Johannes van Eyck war hier". Deutet die Schrift darauf hin, dass die Männer im Spiegel der Künstler und sein Assistent sind, die ihre Motive besucht? 

Es ist eines der größten ungelösten Rätsel der Kunstgeschichte.

Versteckte Selbstporträts: Raffael, Die Schule von Athen, 1509-11

Das berühmte Fresko, das an der Wand des Apostolischen Palastes des Vatikans angebracht ist, gilt als ein Meisterwerk des Klassizismus. Die Szene ist ein hochrangiger Lobgesang auf die Philosophie. Zahlreiche ehrwürdige alte Denker - von Pythagoras bis Ptolemäus - sind in der gewölbten Marmorhalle mit Säulen zu sehen.

Das Fresko zeigt ein ganzes Gespann der Renaissance-Intelligenz, und Raffael hat seine eigene Epoche mit der geschätzten Vergangenheit verschmolzen. Laut Vasari stellte er seine Zeitgenossen in der Szene als Philosophen dar: 

Bramante, über eine Tafel gebogen, ist Euklid oder Archimedes. Leonardo da Vinci gilt als Vorbild für Platon. Michelangelo könnte das Gesicht des Heraklit sein. 

Der Künstler konnte allerdings auch nicht widerstehen, sein eigenes Gesicht in die Runde aufzunehmen. Raffaels neugieriges Gesicht blickt hinter dem Bogen ganz rechts neben Ptolemäus und Zoroaster hervor.

Michelangelo, Das Jüngste Gericht, um 1536-41

Es ist allgemein bekannt, dass Michelangelo den Auftrag, die Decke der Sixtinischen Kapelle im Vatikan zu bemalen, verabscheut hat. In einem Gedicht, das 1509 für einen Freund geschrieben wurde, bemerkte der turbulente Künstler die langen Arbeiten, die er auf seinem Rücken verbrachte.

Am Ende konnte der Renaissance-Meister seine Frustration geschickt zum Ausdruck bringen - und auf Kosten des Papstes etwas Spaß haben -, als er das Fresko des Jüngsten Gerichts für die Altarwand der Kapelle übernahm.

Im Zentrum der großformatigen Malerei trägt der Heilige Bartholomäus seine eigene Haut. Es wird angenommen, dass es sich bei dem Gesicht der leblosen Haut um ein Selbstporträt von Michelangelo handelt.

Der Renaissance-Meister setzte sich gegen den Märtyrer ein, der darauf wartete, zu erfahren, ob er nach einer anstrengenden Glaubensprobe in den Himmel oder die Hölle kommt.

Caravaggio, David mit dem Haupt des Goliath, 1610

Vor seinem frühen Tod im Alter von 38 Jahren malte sich Caravaggio in vielen Gestalten, am häufigsten als Bacchus, der griechische Gott des Weins. 

Im letzten Jahr seines Lebens beschloss er wahrscheinlich, ein Selbstporträt in eine Darstellung des siegreichen David aufzunehmen, der Goliaths abgetrennten Kopf darbietet.

Hier ist Caravaggio nicht der jugendliche, gutaussehende David, sondern der besiegte Goliath mit dem abgeschlafften Kiefer. Anstelle eines Blicks auf einen zufriedenen Sieg auf seinem Gesicht wirkt David nachdenklich und ein wenig traurig, vielleicht sogar bedauerlich, wenn er auf seinen Verdienst blickt.

Kunsthistoriker haben vermutet, dass das Modell für den jungen Helden Francesco Boneri war, Caravaggios Studiogehilfe und angeblicher Geliebter.

Das Bild hat also eine unerwartete innerliche Nähe, die durch Davids Schwert bekräftigt wird, das suggestiv aufrecht zwischen seinen Beinen gehalten wird.

Jacques-Louis David, Die Krönung in Notre Dame, 1804

Der französische klassizistische Maler Jacques-Louis David ist eine interessante Größe in der Geschichte des revolutionären Frankreichs. Trotz seiner Rolle beim Sturz der Monarchie schwur David nach dem Krieg Napoleon die Treue und wurde zum königlichen Maler und meisterhaften Propagandisten des Kaisers.

Napoleon selbst beauftragte David, seine opulente Krönung von 1804 in einem monumentalen Historiengemälde festzuhalten, das eine starke politische Botschaft der Macht vermittelt.

Heute dominiert das Kunstwerk den Großen Saal des Louvre. Es ist so gewaltig, dass seine Motive in Originalgröße erscheinen. Die Zuschauer fühlen sich so, als würden sie der Krönung selbst beisitzen.

David selbst sitzt in einem der erhöhten Ränge in der Mitte der Komposition. In Wirklichkeit war der Künstler bei der eigentlichen Krönungszeremonie in Notre-Dame anwesend. Die Einbeziehung seiner selbst in die gemalte Variante der Ereignisse zeigt die Treue des Künstlers zur Krone.

Versteckte Selbstporträts: Gauguin als Puppe

Es war nicht ungewöhnlich, dass sich moderne und impressionistische Künstler in ihre Bilder einbrachten. Sie besiedelten oft ihre eigenen Szenen von Pariser Cafés, Bars und Parks. Henri de Toulouse-Lautrec, um ein Beispiel zu nennen, stellte sich im Hintergrund von Au Moulin Rouge (1892-95) dar, einem seiner Lieblingsspots.

Aber Paul Gauguin bevorzugte in La Petite rêve, ou Garçon endormi versteckte Selbstporträts, um sich in seinem Werk zu verewigen. Während das Kind schläft, steht eine gruselige Narrenpuppe neben der Krippe. Sieh dir sein Gesicht genau an und du wirst feststellen, dass der Narr Gauguin selbst ist.