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Marc Chagall Werke – 10 beeindruckende Arbeiten des Künstlers

Die wichtigsten Werke von Marc Chagall im Überblick

Marc Chagall Werke
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Marc Zakharovich Chagall (1887 – 1985) war ein bedeutender russisch-französischer Künstler des 20. Jahrhunderts, der in verschiedenen Medien arbeitete, aber vor allem für seine Malerei bekannt ist. Zu seiner Zeit wurde er als bedeutendster jüdische Künstler der Welt gefeiert, sodass er seither als “der bedeutendste jüdische Künstler des 20. Jahrhunderts” bezeichnet wird.

Chagall ist vor allem für seinen brillanten Einsatz von Farbe bekannt, um die Aufmerksamkeit des Betrachters gezielt zu lenken. Seine Kunstwerke sind meist lebendig und phantasievoll und verbinden häufig Kubismus und Fauvismus mit seinem volkstümlichen Stil.

Hier erfährst du mehr über die Kunst von Marc Chagall, indem wir uns 10 seiner bedeutendsten Werke einmal genauer ansehen. 10 Marc Chagall Werke, die die künstlerische Nachwelt maßgeblich beeinflusst haben.

Bella mit weißem Kragen

1909 traf Marc Chagall Bella Rosenfeld, die Tochter eines wohlhabenden russischen Juweliers. Damals war Marc ein mittelloser Lehrling. Sie verliebten sich sofort und heirateten im Sommer 1915. Bella fungierte als Chagalls Muse und erschien in vielen seiner Werke. “Bella mit weißem Kragen” ist Chagalls berühmteste Darstellung von ihr. Darin steht sie über einer üppigen Weidelandschaft und zu ihren Füßen befinden sich zwei winzige Figuren, die vermutlich Chagall und die Tochter des Paares, Ida, darstellen.

Huldigung an Apollinaire

1910 zog Chagall nach Paris um und sein erster vierjähriger Aufenthalt in der französischen Hauptstadt wird von Kunsthistorikern als die beste Phase seiner künstlerischen Laufbahn angesehen. Die in dieser Zeit entstandene Huldigung an Apollinaire ist vielleicht das rätselhafteste seiner Werke. Die Komposition wurde von Chagalls Bewunderung für den Dichter Guillaume Apollinaire motiviert, dessen Lyrik sich oft mit dem Konflikt zwischen Moderne und Tradition beschäftigt. Es zeigt einen Mann und eine Frau, die an der Hüfte verbunden sind, umgeben von geometrischen Formen, Namen mehrerer Dichter und Zahlen.

Der grüne Geiger

Marc Chagall (34)

Dieses Bild ist eine Darstellung eines Geigers in Chagalls Dorf Vitebsk. Chagall verwendet den Geiger, um ein Bild des inneren Kampfes eines durchschnittlichen Individuums zu erzeugen, das durch seine Wahl der Farben und anderer Elemente betont wird. Das Gemälde entstand zu einer Zeit, in der die Nostalgie seine Gedanken dominierte, und hebt sein kulturelles und religiöses Erbe durch das Bild eines Geigers hervor, der in einem rustikalen Dorf tanzt. Chagalls Bild vom Geigenspieler diente als Inspiration für das berühmte Musical Anatevka (oder: Der Fiedler auf dem Dach) von 1964, das den Rekord für das am längsten laufende Broadway-Musical lange Zeit hielt.

Spaziergang

Dieses Gemälde entstand zu der Zeit, als Chagall aufgrund seiner Heirat und dem Gefühl von Freiheit und Optimismus in Folge der Oktoberrevolution ekstatisch war. Es zeigt ihn Händchen haltend mit Bella, die wie eine Fahne im Wind flattert. Chagall verwendet Elemente des Kubismus und Futurismus in seinem Gemälde. Das berauschende Bild, das er in dem Kunstwerk geschaffen hat, macht es zu einem seiner romantischsten Bilder.

Selbstporträt mit sieben Fingern

Unter den frühesten Selbstporträts von Chagall und einem seiner ersten Werke im Stile des Kubismus zeigt dieses Bild den Künstler, der auf einer Leinwand arbeitet. In der Darstellung hat Chagall sieben Finger, was vielleicht die Schwierigkeit dessen nahelegt, was er mit seiner normalen Anzahl an Fingern zu leisten im Stande ist. Er entstand während seines ersten Aufenthalts in der Hauptstadt Frankreichs und zeigt Paris mit seinem legendären Eiffelturm durch das Fenster, während Vitebsk, seine Heimat in Russland, in seinem Atelier auf surrealistische Weise in den Wolken dargestellt wird. Mit diesen beiden Darstellungen bringt Chagall seinen Konflikt zwischen dem malerischen Vitebsk und dem modernen Paris dramatisch zum Ausdruck.

Das Zirkuspferd

Mark Chagall liebte den Zirkus und sagte, dass dessen Artisten ihm geholfen hätten, “neue Horizonte zu erschließen”. Es wurde zu einem seiner Lieblingsthemen während seiner frühen Jahre in Paris und blieb es auch während seiner gesamten Karriere. Dieses Gemälde, in dem Chagall mit leuchtenden Farben und schillernden Tönen die festliche Stimmung des Zirkus einfängt, ist sein berühmtestes Gemälde zu diesem Thema. Das Zirkuspferd entstand in der späten Phase seiner Karriere, als Chagall bereits in seinen 70ern war. Es gilt als eines seiner besten und kraftvollsten Spätwerke.

Paris durch das Fenster

Während Chagall in Paris in der wohl besten Phase seiner Karriere war, erinnerte er sich oft an seine Heimat und sein Leben in Vitebsk; und die meisten seiner Kunstwerke, die auf seiner Heimat basieren, stammen aus dieser Zeit. Dieses berühmte Meisterwerk zeigt einen zweiköpfigen Mann, der durch sein Fenster auf eine optisch ansprechende Momentaufnahme von Paris schaut. Durch die Gegenüberstellung von Imaginärem und Reellem zeigt Chagall seine gegenwärtigen Erfahrungen mit dem Leben in Paris sowie Muster aus seinem Leben in Russland. Die Dualität, die er erlebt, ist vielleicht der Grund dafür, dass die Figur in beide Richtungen schaut. Das Gemälde, insbesondere der Eiffelturm, ist von der frühen kubistischen Kunst von Chagalls Freund Robert Delaunay inspiriert.

La Mariée

Die auffallende Eigenschaft von Chagalls Werken war seine Fähigkeit, die Aufmerksamkeit des Betrachters zu lenken und seine Fantasie durch Farben zu fesseln. Seine Kunstfertigkeit war so ausgeprägt, dass er bereits mit zwei oder drei Farben beeindruckende Bilder darstellte, was sich in diesem berühmten Kunstwerk zeigt. Die Braut ist in ein lebhaftes rotes Kleid gekleidet, verglichen mit dem weichen blauen und grauen Hintergrund, der den Eindruck erweckt, dass die Frau kurz davor steht, von der Leinwand zu springen, und es ist der Betrachter, dem sie präsentiert wird, und er ist es, der der Bräutigam ist.

Weiße Kreuzigung

CrucifixionDieses Gemälde ist vielleicht das meistbeschworene Meisterwerk von Chagall. Es gehört auch zu den eindrucksvollsten Darstellungen gegen Hass. Es bringt das Leiden Jesu und des jüdischen Volkes auf eine Leinwand. Die Kreuzigung Jesu wird in der Mitte des Bildes dargestellt, während gewalttätige Handlungen gegen Juden, wie das Verbrennen einer Synagoge, die zentrale Szene umgeben. Jesus wird mit einem Gebetsschal gezeigt, der andeutet, dass er Jude ist, und so sein Leiden mit dem der Juden verbindet. Die weiße Kreuzigung mit ihrer dunklen Intensität unterscheidet sich bemerkenswert von den meisten Werken Chagalls, die lebendig und fantasievoll sind. Es ist das Lieblingsbild von Papst Franziskus, dem 266. und heutigen Papst der römisch-katholischen Kirche.

Ich und das Dorf

MoMA, vendo Chagall
Das in der besten Phase seiner Karriere entstandene Gemälde ist das berühmteste von Marc Chagall. Es wird dominiert von der Darstellung eines grünhäutigen Mannes und einer Ziege, die sich gegenseitig anstarren, und einem leuchtenden Baum, der in einer Hand gehalten wird. Dies wird durch mehrere Szenen ergänzt, wie die einer Ziege, die gemolken wird, und eine Sammlung von Häusern, einige davon auf dem Kopf stehend. Das Gemälde besteht aus traumhaften Bildern der russischen Landschaft und Symbolen aus Volksgeschichten. Wie der Titel schon sagt, ist “Ich und das Dorf” von Chagalls Erinnerungen an seine Heimat und seine Beziehung zu ihr geprägt. Die Verwendung klar definierter Elemente mit spezifischer Bedeutung wie der Lebensbaum und der gewagte, skurrile Stil des Gemäldes galten damals als wegweisend.

Marc Chagall Werke und Einfluss

Chagall gilt als ein Pionier der modernen Kunst. Auf seinen Leinwänden lesen wir den Triumph der Moderne, den Durchbruch in der Kunst zu einem Ausdruck des Innenlebens, das eines der Signalvermächtnisse des letzten Jahrhunderts ist. Gleichzeitig wurde Chagall zwischen 1914 und 1945 persönlich in die Schrecken der europäischen Geschichte hineingezogen: Weltkriege, Revolution, ethnische Verfolgung, Mord und Exil von Millionen. In einer Zeit, in der viele große Künstler vor der Realität in Richtung Abstraktion flohen, destillierte er seine Erfahrungen von Leid und Tragödie zu Bildern, die sofort, einfach und symbolisch zugleich waren und auf die jeder reagieren konnte.