Arts and Crafts
Basteln & DIYKunst

Arts and Crafts Bewegung – Die Revolution des Kunsthandwerks

Foto: Monstar Studio / Shutterstock.com

Wie die Kunsthandwerksbewegung die Rolle der Frau in der Kunst neu ausgerichtet hat

Die im späten 19. Jahrhundert im viktorianischen England entstandene Arts and Crafts-Bewegung war mehr als nur ein neumodischer Stil der dekorativen Kunst. Die Bewegung entstand als Reaktion auf die industrielle Revolution, die das Konzept der Handwerkskunst im Kontext der industriellen Fertigung, der Mechanisierung und der Massenproduktion von qualitativ minderwertigen Objekten neu bewertete.

Die Bewegung war in den Idealen der vorindustriellen Zeit verwurzelt, eine Antwort auf die Ängste, die nicht nur die Ästhetik, sondern auch grundlegende soziale Fragen wie industrielle Arbeit, Kapitalismus und Entfremdung der Menschen von ihrer Arbeit betrafen. Es war auch eine der ersten Kunstströmungen, die die Grenze zwischen bildender Kunst und Kunsthandwerk aufweichte und durch diese Neuorientierung der klassischen Kunsthierarchie die stärkere Einbeziehung weiblicher Akteure ermöglichte.

Die Geschichte von Künstlerinnen in der Arts and Crafts-Bewegung ist interessant und in diesem Artikel werden wir uns allen Aspekten dieser prägenden Bewegung widmen.

Dazu ordnen wir zunächst die Bewegung in einen geschichtlichen Kontext ein, bevor wir auf die zugrundeliegenden Ideen eingehen. Anschließend besprechen wir die wichtigsten Merkmale der Bewegung, einflussreiche Künstler sowie die Auswirkung dieser Periode.

Arts and Crafts Bewegung – Historischer Kontext

In der Welt der Kunst wird die Arts and Crafts-Bewegung als Stil der dekorativen und bildenden Kunst eingeordnet, die zwischen 1880 und 1910, inspiriert von der starken angelsächsischen Tradition des Handwerks, aktiv ist und sich in den 1920er Jahren international von Großbritannien und Europa über Nordamerika, Australien und Japan ausbreitete.

Zu Beginn der Bewegung, in den letzten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts, war der gesellschaftliche Kontext in Großbritannien überwiegend von der industriellen Revolution und der Faszination für neue Technologien geprägt, die die Kommerzialisierung ins Handwerk brachten. Neue, industriell gefertigte Designmuster, Einrichtungselemente und Handwerksobjekte wurden billiger, da vereinfachte, industriell gefertigte Waren den Markt überschwemmten und den Preis echter Handarbeit drückten.

Great Exhibition of 1851 in the Crystal Palace,
Die “Great Exhibition of 1851” im Crystal Palace

Zeitgenössische Kunstkritiker fanden heraus, dass der aufkommende Trend der industriellen Revolution die Kunstszene mit ihrer unangenehmen kommerziellen Ästhetik gefährdet, und sie erkannten die Notwendigkeit, neue Schönheitsprinzipien innerhalb des Kunsthandwerks neu zu entdecken. Außerdem bestrebten sie eine Wiederherstellung der humanistischen Werte der vorindustriellen Zeit. Das wichtigste Ereignis am Ende des 19. Jahrhunderts, das für die Entstehung der Bewegung von Bedeutung war, war die Große Ausstellung von 1851 im Crystal Palace im Hyde Park in London, die Gegenstände zeigte, die nach Ansicht der Kritiker zu vulgär und künstlich waren, industriell hergestellt wurden und die Eigenschaften und Leistungen der verwendeten Materialien völlig ignorierten.

Das Ornament war der entscheidende Punkt der Meinungsverschiedenheiten zwischen Handwerkern und Architekten auf der einen Seite und den Industriellen auf der anderen Seite. Einflußreiche Autoren ihrer Zeit waren sich in der Thematik einig, dass ein Ornament einem dekorierten Gegenstand untergeordnet sein sollte. Außerdem stimmten sie darin überein, dass das Ornament konzeptionell mit dem Ganzen verbunden sein sollte und sich die materiellen Eigenschaften aus der Gesamtkomposition ableiten sollte. Vorschläge zur Zukunft des Designs gingen in Richtung einer Wiederbelebung des Handwerks und einer erneuten Humanisierung des Designprozesses.

Theorie, Philosophie und sozialer Hintergrund der Bewegung

Die zugrundeliegende Philosophie entstammt den kritischen Gedanken zweier einflussreicher Persönlichkeiten – dem Kunstkritiker John Ruskin und dem Schriftsteller und Designer William Morris.

Die Figur von John Ruskin war für den theoretischen Hintergrund der Bewegung von wesentlicher Bedeutung und wurde direkt von der Entstehung der Arts and Crafts-Bewegung begleitet, da sein Schreiben über Kunst einen großen Einfluss auf das ästhetische Empfinden der Öffentlichkeit des viktorianischen Englands hatte. Darüber hinaus beschäftigte er sich in seinen Kunstaufsätzen mit sozialen Problemen und dem Kontext der Industriellen Revolution, die soziale Folgen für die Arbeiter mit sich brachte, mit besonderem Schwerpunkt der Handwerker und ihrem Wohlergehen.

Ruskin entwickelte die Ideen, das Handwerk wiederzuentdecken und die präviktorianischen Schönheitsideale zu restaurieren, die in den Schriften und der Kunstpraxis von William Morris, dem respektvollen Designer der damaligen Zeit, weiterentwickelt wurden. Ruskins Idee von “sklavischer Arbeit”, das Ergebnis des industriellen Kapitalismus, wurde von Morris aufgegriffen und in seiner Designphilosophie umgesetzt. Ruskin und Morris legten großen Wert auf die Produktion von Hand und glaubten, dass die Fabrikarbeit die Arbeiter von den Ergebnissen ihrer Arbeit entfremdete und ihnen Zufriedenheit und Freude vorenthielt.

Darüber hinaus kritisierten sie den Aufstieg der Konsumgesellschaft, Konsumgüter von schlechter Gestaltung und Qualität, aber auch fragwürdige Museumsausstellungen, die sich vom eigentlichen handwerklichen Schöpfungsprozess entfernten.

Ihre Philosophie war von sozialistischen Ideen geprägt und führte so zu der Vision von Kunst und Design, die “von den Menschen und für die Menschen” geschaffen wurde, mit besonderem Augenmerk auf die Freude am Handwerk. Ihre ästhetischen und kritischen Ideen prägten die Philosophie und den Stil der Arts and Crafts-Bewegung.

Kernideen der Arts and Crafts Bewegung

William Bell Scott, Iron and Coal, 1855–60
William Bell Scott, Iron and Coal, 1855–60
  • Die Arts and Crafts Bewegung könnte als die erste Vorstufe zum Jugendstil, zum Modernismus und zur modernen Kunst im Allgemeinen identifiziert werden, da sie auf die Einheit der künstlerischen Medien angewiesen und auf die Herstellung von funktionalen Objekten mit hohem ästhetischen Wert ausgerichtet ist.
  • Aus diesem Grund wurden Künstler und Hersteller ermutigt, die übertriebenen viktorianischen Ornamente aufzugeben und die Klarheit der Linien und Formen zu entdecken, die sich auf die Materialeigenschaften und -qualitäten konzentrieren. Eine neue Ästhetik förderte Objekte, die auf klaren Naturformen basierten. Die verwendeten Muster der Zeit hatten einen repetitiven Charakter und die Kunstschaffenden bestanden auf eleganten, vertikalen und länglichen Formen.
  • Die Dekorelemente wurden reduziert, um die Formen zu entschlacken, um die Übereinstimmung der Materialien und der Harmonie in der Innenarchitektur zu betonen. William Morris hielt sich an seinen Grundsatz “the less, the better” und ebnete damit die Richtung für modernes Design und die Philosophie der Moderne.

Arts and Crafts Ausstellungsgesellschaft

1887 gründeten die Kreativen, die sich um die Arts and Crafts-Bewegung zusammengeschlossen hatten, die Arts and Crafts Exhibition Society, um dekorative Künste und ihre Leistungen zu zeigen, um den Bereich der bildenden Künste zu erweitern und die neuen dekorativen Praktiken einzubeziehen. Die Förderung der neuen Philosophie fand durch die jährlichen Ausstellungen in der New Gallery in London in den Jahren von 1888 bis 1890 statt und war trotz ihres kommerziellen Debakels von großer Bedeutung für das künftige Dasein und den Einfluss von Arts and Crafts Movement, zunächst in Großbritannien und dann im Ausland.

Nach den ersten drei Jahren des öffentlichen Engagements der Praktizierenden durch die Museums- und Galerieausstellungen veröffentlichte die neu gegründete Gesellschaft 1893 die Arts and Craft Essays. Zu den Autoren gehörten der Illustrator und Designer Walter Crane, Präsident der Gesellschaft, sowie William und May Morris, T. J. Cobden-Sanderson und Ford Madox Brown.

Die Gesellschaft begann das neue Jahrhundert mit neuen und produktiven Ausstellungen in den Jahren 1906, 1910, 1912 und 1916, die verschiedene Orte in Bewegung setzten und die Dynamik im ganzen Land verbreiteten. Eines der wichtigsten Ergebnisse dieser gemeinsamen Aktivitäten der führenden Kreativen in Großbritannien ist die Festlegung des Normenbuchs innerhalb der neu gegründeten Design and Industries Association im Jahr 1915, um nationale Industrienormen direkt zu beeinflussen und zu verbessern.

Kunsthandwerkliche Auswirkungen

Die Arts and Crafts Bewegung beeinflusste die Bereiche der bildenden und der angewandten Kunst. Architektur, alle dekorativen Kunstpraktiken sowie das Handwerk der Jahrhundertwende sowohl in Kontinentaleuropa und Nordamerika als auch in Australien und Japan.

In Europa entwickelten sich währenddessen viele Bewegungen als Reaktion auf die Industrialisierung des Handwerks: Der erwähnte Jugendstil, Art Deco oder die Wiener Secession sind nur drei der Bewegungen als Reaktion auf die Entwicklungen der Zeit. Unter den Einfüssen der Arts and Crafts Bewegung stand auch die Volkskunst zum Ende des ausgehenden 19. Jahrhunderts.

Kurz nach der Centennial Exposition 1876 in Philadelphia blühte die Arts and Crafts Bewegung in der Region um New York auf, sodass zu den bestehenden Prinzipien eine formale Bildung geschaffen wurde. In der Folgezeit von 1910 bis 1925 verbreiteten sich in den Bereichen Architektur, Design und Kunstgewerbe die Philosophie und die Werte der Bewegung in den Zeitschriften und beeinflussten das handwerkliche Schaffen in den USA.

Der amerikanische Handwerksstil, genannt “Craftsman” wurde zum vorherrschenden Stil und beeinflusste mit dem Konzept gut eingerichteter Mittelklasse-Häuser direkt die so genannte “Prairie School” in Chicago.

In Japan wird die Rückkehr der Tradition in den 1920er Jahren als Einfluss der britischen und amerikanischen Arts and Crafts Bewegung und der Schriften von Morris und Ruskin in Kunstwerken von Yanagi Sōetsu, Schöpfer der japanischen Volkskunstbewegung, sichtbar.

Umstrittene Position der weiblichen Kunstschaffenden

Die Arts and Crafts-Bewegung erlebte in den Jahren zwischen 1880 und 1910 in Westeuropa und den Vereinigten Staaten ihren Höhepunkt und breitete sich in den 1920er Jahren auch in Japan aus. In diesen Jahren übernahmen eine große Anzahl von Designern, Architekten, Herstellern und Werkstätten die von William Morris und John Ruskin vorgeschlagenen Ideen.

Unter den Kunstschaffenden waren viele Frauen. Die Position der Arbeiterinnen im Bereich Kunst und Handwerk ist jedoch umstritten. Obwohl es viele Kunsthandwerkerinnen gab, ist ihr Werk im Vergleich zu ihren männlichen Kollegen bei weitem nicht so anerkannt. Wenn wir die Rolle der weiblichen Schöpferinnen in dieser Bewegung besser verstehen wollen, sollten wir uns die soziale und kulturelle Position der Frauen in der viktorianischen Zeit genauer ansehen.

Engel des Hauses

Der “Angel in the House“, oder auf deutsch “Engel des Hauses” ist der am häufigsten verwendete Begriff, um die Ideale einer bürgerlichen Frau in der viktorianischen Ära zu beschreiben. Unschuldig und zerbrechlich, verbrachte diese Engelgemahlin den ganzen Tag in der häuslichen Umgebung. Sie widmete sich ihrem Mann und der Familie, erledigte soziale Aufgaben und konzentrierte sich auf die Haushaltsführung.

Bis Mitte des neunziger Jahrhunderts galt die bezahlte Arbeit als entwürdigend für Frauen aus der Mittelschicht, und es gab nur einige Berufe, die als angemessen angesehen wurden. Die Arts and Crafts-Bewegung mit ihrer Ausrichtung auf das häusliche Umfeld, hausgemachte Waren, die Betonung der Fähigkeiten, die allgemein als weiblich angesehen wurden, erlaubte eine stärkere Einbeziehung von weiblichen Handwerkern.

Auf der einen Seite wurden Frauen zur Teilnahme ermutigt, da das Handwerk als Erweiterung ihrer traditionellen Rollen angesehen wurde. Andererseits blieb ihre Arbeit unterbewertet, weil Frauen als Ausführende der von Männern gestalteten Entwürfe galten und nicht als talentierte Schöpferinnen selbst. Zwei einflussreiche Kunsthandwerksinnungen (Birmingham Guild of Handicraft und Art Workers’ Guild) schlossen Frauen von ihrer Mitgliedschaft sogar gänzlich aus.

Die Kunsthandwerksbewegung war paradoxerweise abhängig von der Beteiligung von Frauen, gleichzeitig aber ablehnend gegenüber ihrer Arbeit. Unabhängig von der Ungerechtigkeit öffnete sie den Kunsthandwerkerinnen ein Fenster, das es ihnen ermöglichte, im Rahmen der patriarchalischen Gesellschaft zu arbeiten und gleichzeitig für ihre Praxis bezahlt zu werden. Dadurch konnten sie ihren Einfluss außerhalb von Großbritannien ausweiten, was ein großer Schritt in der Emanzipation der Frau war.

Bedeutende Künstlerinnen und Vereinigungen

May Morris Altar
Besticktes Antependium von May Morris

Obwohl sich die Kunstgeschichte hauptsächlich auf männliche Gestalter und Gilden konzentriert, gab es mehrere Vereinigungen, die von Frauen für Frauen ins Leben gerufen wurden. So konnte die Position der Frau in der Kunst, aber auch in der gesamten Gesellschaft gestärkt werden und Raum für künftige Entwicklung geschaffen werden.

  • Eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der Arts and Crafts-Bewegung war Mary “May” Morris, die Tochter von William Morris. Obwohl ihr Engagement viele Jahre im Schatten des Vaters stand, ist May Morris’ Beitrag zur Bewegung nicht zu übersehen. Sie gehörte zu den besten Strickerinnen und Juwelieren in Großbritannien. Als Designerin und Ausführende ihrer Arbeit lehnte sie die Idee der Arbeitsteilung ab, die zeigt, dass Frauen nicht auf die untergeordneten, ausführenden Positionen beschränkt sind. Sie rebellierte auch gegen die Idee des Ausschlusses von Frauen aus den Kunstgilden und gründete 1907 die “Women’s Guild of Arts”, die eine dringend benötigte Plattform für Handwerkerinnen zur Zusammenarbeit, zum Aufbau von Kontakten und zur Erlangung eines professionellen Status bot.
  • In Amerika war die Situation für Frauen etwas besser, da die Popularität der Arts and Crafts-Bewegung mit der Zeit des Fortschritts und der Vorstellung zusammenfiel, dass wirtschaftliche Unabhängigkeit für Frauen wünschenswert sei. In Boston gründete der Saturday Evening Girls Club die Paul Revere Pottery, eine Töpferei, die es den Frauen ermöglichte, mit ihrem Handwerk Geld zu verdienen.
  • Eine weitere wichtige Vereinigung von Kunstschaffenden war Newcomb Pottery unter der Schirmherrschaft des H. Sophie Newcomb Memorial College, einer Bildungseinrichtung für Frauen. Neben Töpferei und Stickerei gab es einflussreiche Schöpferinnen, die im Schmuckdesign tätig waren. Florence Köhler und Marie Zimmermann gehören zu den bekanntesten Juwelierinnen der Arts and Crafts-Bewegung.
  • Wenn es um Kunsthandwerk geht, muss auch Julia Morgan erwähnt werden, die eine der Pionierinnen auf diesem Gebiet war, die als erste Frau in das Programm der l’École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris aufgenommen wurde und als erste Architektin in Kalifornien zugelassen wurde.

Auswirkungen der Arts and Crafts Bewegung

Es gibt zwei Denkschulen, wenn es um die Interpretation der Arts and Crafts-Bewegung in Bezug auf die weibliche Kunstproduktion geht. Es ist wahr, dass die Bewegung Frauen gegenüber offen war und viele Schöpferinnen zu erfolgreichen Künstlerinnen wurden, die im Wettbewerb mit ihren männlichen Kollegen bestehen konnten. Auch die Kunstausbildung für Frauen wurde Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts gefördert, da mehr Frauen an Kunstschulen studieren durften.

So wichtig diese Bewegung für die Bildung und Emanzipation der Frauen war, sie hielt auch implizit die Trennung zwischen der bildenden Kunst und dem Kunsthandwerk. Frauen wurden ermutigt, am Kunstgewerbe teilzuhaben, während ihnen gleichzeitig eine Ausbildung in der bildenden Kunst vorenthalten wurde, die den männlichen Mitgliedern vorbehalten war. Erst in den 1970er Jahren und mit der Entstehung der Feministischen Kunstbewegung begannen Künstlerinnen ihren Kampf um die Gleichstellung in der Kunstwelt, indem sie sich mit den traditionellen Vorstellungen von Kunsthandwerk und dekorativer Kunst und der Idee der “weiblichen Ästhetik” beschäftigten.

The Sacred Triangle
Judy Chicagos Installation “The Dinner Party” konzentriert sich vor allem auf die Idee der häuslichen Kunst und die Art und Weise, wie die Arbeit von Frauen im Laufe der Zeit unterbewertet blieb.

Die Arts and Crafts-Bewegung hat einen widersprüchlichen Status, wenn es um Kunst von weiblichen Kreativen geht, bleibt aber eine wichtige Inspirationsquelle für die zeitgenössische Frauenkunst, sei es, dass sie gelobt, hinterfragt oder kritisiert wird.

Schreibe einen Kommentar