Musca Depicta – 5 Gründe, wieso die Fliege als Bildelement früher so beliebt war
Die Musca Depicta, auch bekannt als die "abgebildete Fliege" beschreibt das Bildmotiv einer Fliege in der Kunst. Der Begriff leitet sich aus dem Lateinischen ab, wobei musca Fliege und depicta abgebildet oder gemalt bedeutet.
Ein wenig verwundert stößt man auf diese Insekten in vielen Gemälden aus der Renaissance und dem Barock. Das stille Summen des schwarzen Insekts hat die Kunstgeschichte geprägt und doch birgt dieses Bilddetail so viele Fragen.
Hier sind fünf Interpretationsansätze zur Bedeutung der Musca Depicta sowie drei Beispiele in bekannten Gemälden aus der frühen Renaissance bis hin zum klassizistischen Barocks von Guido Reni.
Interpretationsansätze zur Fliege in der Kunst
Für die Darstellung der Fliege in der Kunst gibt es verschiedene Interpretationen, die in unterschiedlichen Kontexten zu berücksichtigen sind.
Hier sind fünf der wichtigsten Interpretation über die Bedeutung dieses Bildelements:
Beispiele einer Musca Depicta in der Malerei
Matteo di Giovanni (vermutet), Mystische Kreuzigung, ca. 1445
Matteo di Giovanni, Mystische Kreuzigung, ca. 1445
Häufig findet man die musca depicta (gemalte Fliege) in Vanitas-Gemälden, die auf den von der büßenden Magdalena geküssten Schädeln, auf den Schädel des Heiligen Hieronymus oder auf denen am Fuß des christlichen Kreuzes ruhen.
In einer Kreuzigungsdarstellung, die entweder Matteo di Giovanni oder Vecchietta zugeschrieben wird und auf das Jahr 1450 datiert ist, bewegen sich vier Geistlicher der Kirche auf einem goldenen Hintergrund über Golgatha mit Jesus' Kreuz. Unter dem Kreuz ist der Totenkopf mit einer riesigen Fliege mit übertriebenen Proportionen zu sehen.
Solch todbringende Fliegen sollten damals die Gläubigen dazu bringen, die Freuden des irdischen Lebens zu schätzen und sich der Vergänglichkeit bewusst zu werden.
Matteo di Giovanni, Mystische Kreuzigung, Detail
Guido Reni, Danza Campestre, ca. 1601 - 1602
Guido Reni, Danza Campestre, ca. 1601 - 1602
Danza Campestre zeigt ein für Guido Reni ungewöhnliches Motiv: Eine natürliche Landschaft mit einer Feier im Mondschein, die von einer Gruppe von Bauern veranstaltet wird, an der aber auch adlige Damen und Herren teilnehmen.
Die gezeigten Figuren sitzen in einem Kreis neben einigen Bäumen und einem Fluss. In der Mitte lädt ein junger Bauer eine Dame ein, den Tanz zu eröffnen.
Dieser Moment scheint so idyllisch, so perfekt, bis man von zwei großen Fliegen abgelenkt wird, die in der oberen rechten Ecke des Bildes herumschwirren und über den blauen Himmel der ansonsten verzauberten Nacht huschen.
Guido Reni, Danza Campestre, Detail mit Fliege (obere rechte Ecke)
Wenn unser Blick auf diesen Fliegen landet, ist das Bild nicht mehr dasselbe. Ein Konflikt in der Wirkung der Szene entsteht, in dem die Aufmerksamkeit der Betrachter von zwei solch kleinen Details auf sich gezogen wird.
In diesem Fall zeigen die Fliegen von Reni auch seine Fähigkeit, naturalistisch genau Fliegen so darzustellen, dass sie so aussehen, als ob sie auf dem Gemälde sitzen und gar nicht Teil der Szene sind.
Solche Fliegen in der Kunst sind ein Beispiel von Trompe-l'œil Gemälden.
Guercino, Et in Arcadia ego, ca. 1618 - 1622
Guercino, Et in Arcadia ego, ca. 1618–1622
Die Allgegenwart des Todes in Zeit und Raum hält auch Einzug in das mythische Arkadien des antiken Griechenlands, die poetische Landschaft einer unberührten Natur.
Et in Arcadia Ego ist der Titel eines Gemäldes von Guercino aus dem Jahr 1622, das im römischen Palazzo Barberini aufbewahrt wird. Darin tauchen zwei Hirten mühsam aus einer Baumwand hervor, die einen überraschenden Fund in der eigentlich so idyllischen Landschaft machen.
Über einem Altar befindet sich ein alter Schädel, der vor sich hin rottet. Auf dem Schädel ruht eine Fliege. Auf dem Sockel steht geschrieben Et in Arcadia ego, was so viel bedeutet wie Auch in Arkadien bin ich (der Tod).
Dieser Satz soll eine Warnung sein, dass selbst im paradiesischen Arkadien der Tod immer gegenwärtig ist.
Guercino, Et in Arcadia ego, Detail mit Fliege
