Manierismus
Kunst

Manierismus in der Kunst – Geschichte, Künstler und Eigenschaften

Wodurch zeichnet sich der Manierismus aus?

In der Renaissance ließen sich die italienischen Künstler von den idealen Formen und harmonischen Kompositionen der klassischen Antike inspirieren. Während sich diese Neuinterpretation alter Modelle in den Werken von Künstlern der Hochrenaissance wie Michelangelo und Leonardo da Vinci zeigt, manifestiert sie sich auch im Manierismus, einem Stil, der gegen Ende der Bewegung entstand.

Manieristische Künstler führten die in der Renaissance etablierten Prinzipien zu neuen Extremen und führten sie zu einer Ästhetik, die dem Klassizismus eine stilisierte Handschrift verlieh. Hier werfen wir einen Blick auf diesen weniger bekannten Stil, erforschen seine Geschichte und präsentieren die Merkmale, die ihn ausmachen.

Was ist der Manierismus?

Manierismus ist ein Stil, der 1530 entstand und bis zum Ende des 16. Jahrhunderts andauerte. Es ist nach maniera benannt, einem italienischen Begriff für “Stil” oder “Manier”, und bezieht sich auf einen stilisierten, übertriebenen Umgang mit Malerei und Skulptur.

Der Manierismus, auch bekannt als Spätrenaissance, gilt als Brücke zwischen der Hochrenaissance und dem Barock, der wiederum die kunstvolle Ästhetik der Untergruppe übernahm und sie adaptierte.

Geschichte

Ende des 15. Jahrhunderts begannen die Florentiner Künstler, auf die ätherische Ikonographie des Mittelalters zugunsten des Klassizismus zu verzichten. Dieser ästhetische Ansatz dauerte bis ins 17. Jahrhundert und gipfelte in drei Teilbereichen: der Frührenaissance, der Hochrenaissance und der Spätrenaissance.

In der Frührenaissance begannen die Künstler, sich von der Antike inspirieren zu lassen. Dieses neu entdeckte Interesse sollte dann die Hochrenaissance prägen, ein Genre, das sich durch naturalistische Figuren und eine mathematisch präzise Nutzung der Perspektive auszeichnet. Die Hochrenaissance dauerte von 1490 bis in die 1530er Jahre, als sich die Spätrenaissance bzw. der Manierismus entwickelte.

Eigenschaften des Manierismus

Madonna mit dem langen Hals

Manieristen interessierten sich zwar für den Perfektionismus der Hochrenaissance-Künstler, versuchten aber nicht, ihn zu reproduzieren. Stattdessen übertrieben sie die Prinzipien der Renaissance, was zu einem Werk führte, das den Selbstausdruck gegenüber dem Streben nach Idealismus bevorzugt. Anstatt die harmonischen Ideale von Raffael und Michelangelo zu übernehmen, gingen die Manieristen einen Schritt weiter, um höchst kreative Kompositionen zu schaffen, die ihre Techniken und Fähigkeiten bei der Manipulation kompositorischer Elemente zur Schaffung eines Gefühls von raffinierter Eleganz unter Beweis stellten.

Die Kunst der Übertreibung

Eine grundlegende Art und Weise, wie manieristische Künstler die Techniken der Hochrenaissance einen Schritt weiter führten, ist die Überspitzung. Die Manieristen, die von dem italienischen Künstler Parmigianino wegbereitend angeführt wurden, lehnten realistische Proportionen ab und gaben stattdessen Figuren mit unmöglich verlängerten Gliedmaßen und seltsam positionierten Körpern wieder. Diese gestreckten und verdrehten Formen wurden wahrscheinlich verwendet, um Bewegung anzuregen und das Drama zu verstärken.

Laut Giorgio Vasari, einem prominenten italienischen Maler, Architekten, Historiker und Schriftsteller, hat Parmigianino diese ungewöhnliche Ästhetik versehentlich übernommen und dabei sein eigenes Abbild gemalt. Um die Feinheiten der Kunst zu erforschen, setzte er sich eines Tages an, sein eigenes Porträt zu machen, indem er sich selbst im Spiegel eines konvexen Friseurs ansah. Und als er dabei die bizarren Effekte der Rundheit des Spiegels wahrnahm, der die Strahlen einer Decke in seltsame Kurven dreht und die Türen und anderen Gebäudeteile auf außergewöhnliche Weise zurückweichen ließ, kam ihm die Idee, sich darüber zu amüsieren, indem er alles fälschte.

Aufwändige Verzierungen

La Primavera Botticelli

Aufwändige Verzierungen sind eine weitere Methode, wie Manieristen die Empfindlichkeit der Renaissance an ihre Grenzen brachten. Während die Figuren der Hochrenaissance typischerweise keine Muster in ihre Arbeiten einbrachten, waren es die Künstler der Frührenaissance wie Sandro Botticelli, die damit begonnen. Inspiriert von Millefleur (von den französischen Mille-Fleurs oder “tausend Blumen”) Wandteppichen des Mittelalters, integrierte Botticelli Blumenmuster in seine großformatigen mythologischen Gemälde wie Primavera.

Manieristen wiederum interessierten sich erneut für aufwändige Ornamente, die sowohl Leinwände als auch Skulpturen in einer überwältigenden Fülle von Dekorationselementen bedeckten.

Giuseppe Arcimboldo

Ein Künstler, der dieses Konzept auf erstaunliche neue Ebenen führte, ist Giuseppe Arcimboldo, ein Maler, der eigentümliche Porträts von Menschen aus Vegetation, Tieren und Fundstücken schuf.

Künstliche Farbe

Admiring Arcimboldo

Schließlich gaben die Manieristen die naturalistischen Farben der Hochrenaissance-Maler auf und benutzten stattdessen künstliche und oft grelle Farbtöne. Diese unrealistischen Farben zeigen sich besonders deutlich im Werk von Jacopo da Pontormo, einem italienischen Künstler, dessen satte Palette die reichen Farben der Renaissance zu neuen Höhen führte.

Diese Herangehensweise an die Farbe ist auch bekannt für El Greco, einen spanischen Maler, der den manieristischen Stil annahm, als er nach Rom zog. Wie andere Manieristen suchte El Greco nach früheren Künstlern, ohne zu versuchen, ihre Werke zu reproduzieren. “Du musst die Meister studieren”, sagte er, “aber bewahre den ursprünglichen Stil, der in deiner Seele schlägt, und bringe diejenigen zum Schwert, die versuchen würden, ihn zu stehlen.”