Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (geb. 6. März 1475, Caprese, Republik Florenz - 18. Februar 1564, Rom), kurz Michelangelo, war ein italienischer Renaissance-Bildhauer, Maler, Architekt und Dichter, der einen beispiellosen Einfluss auf die Entwicklung der westlichen Kunst hatte.
Michelangelo wurde von vielen als größter Künstler seiner Zeit angesehen und zählt seither zu den bedeutendsten Künstlern aller Zeiten. Eine Reihe seiner Werke in Malerei, Skulptur und Architektur gehören zu den bekanntesten Kunstwerken der Welt.
Obwohl das Fresko an der Decke der Sixtinischen Kapelle heute wohl das bekannteste seiner Kunstwerke ist, betrachtete sich der Künstler vor allem als Bildhauer. Michelangelo arbeitete sein ganzes Leben lang mit der Marmorskulptur, wohingegen er die anderen Formen seiner Kunst nur zeitweise phasenweise ausübte.
Die hohe Wertschätzung der Sixtinischen Decke spiegelt zum einen die größere Aufmerksamkeit wider, die der Malerei seit dem 20. Jahrhundert geschenkt wird, und zum anderen die Tatsache, dass viele seiner Werke in anderen Medien unvollendet geblieben sind.
Michelangelo Buonarroti Biografie
Literarische Informationsquellen zu Michelangelo
Ein Nebeneffekt der Bekanntheit, die Michelangelo schon zu Lebzeiten erfuhr, äußert sich darin, dass seine Laufbahn lückenloser dokumentiert ist als die all seiner künstlerischen Vorgänger. Er war der erste westliche Künstler, dessen eigene Biografie noch zu Lebzeiten veröffentlicht wurde.
Dabei handelt es sich um das letzte Kapitel der Schriftensammlung Le Vite (1550), verfasst vom Maler und Architekten Giorgio Vasari. Es war das einzige Kapitel über einen lebenden Künstler und präsentierte Michelangelos Werke explizit als die krönende Vollkommenheit der Kunst.
Trotz eines solchen Lobes war Michelangelo nicht ganz erfreut und veranlasste seinen Assistenten Ascanio Condivi, ein eigenes Buch mit seiner Biografie im Jahr 1553 zu veröffentlichen. Wahrscheinlich basierend auf den eigenen gesprochenen Kommentaren des Künstlers zeigt ihn diese Schilderungen, wie er erscheinen wollte.
Nach Michelangelos Tod bot Vasari in einer zweiten Ausgabe (1568) eine Überarbeitung seiner ursprünglichen Biografie. Während die Gelehrten oft die Autorität von Condivi bevorzugten, haben es Vasaris lebendiger Schreibstil, die Bedeutung seines Buches als Ganzes und die Übersetzungen in vielen Sprachen zur gängigsten Grundlage der biografischen Informationen über Michelangelo gemacht.
Giorgio Vasari, Le Vite, 1568
Ascanio Condivi, Titelseite der Michelangelo Biografie, 1553
Michelangelos Ruhm führte auch dazu, dass unzählige Andenken, darunter Hunderte von Briefen, Skizzen und Gedichten, erhalten geblieben sind.
Frühes Leben und Werk
Michelangelo Buonarroti wurde am 6. März 1475 in eine Familie geboren, die mehrere Generationen lang zum niederen Adel in Florenz gehörte, aber bis zur Geburt des Künstlers ihr Erbe und ihren Status verloren hatte.
Zum Zeitpunkt der Geburt von Michelangelo war er Verwalter der kleinen Stadt Caprese. Wenige Monate später kehrte die Familie jedoch an ihren ursprünglichen Wohnsitz in Florenz zurück.
Michelangelo wurde relativ spät im Alter von 13 Jahren Lehrling und künstlerischer Assistent, vielleicht nachdem er die Einwände seines Vaters gegen die künstlerischen Ambitionen überwunden hatte. Für drei Jahre sollte er eine Lehre bei Domenico Ghirlandaio absolvieren, dem bedeutendsten Maler der Stadt. Er brach die Lehre bereits nach einem Jahr ab, da Michelagnelo nichts mehr von Ghirlandaio lernen konnte, schreibt Condivi.
Mehrere Zeichnungen und Kopien von Figuren von Ghirlandaio, Giotto und Masaccio sind aus dieser Zeit erhalten. Diese Kopien waren Standard für Lehrlinge, aber nur wenige Beispiele sind bis heute erhalten.
Sein außerordentliches Talent brachte ihn darauf in die Obhut des Herrschers der Stadt, Lorenzo de Medici. Lorenzo umgab sich mit Dichtern und Intellektuellen, und Michelangelo war stets an seiner Seite. Was für Michelangelo allerdings noch wichtiger war, war der Zugang zur Kunstsammlung der Medici, die von antiken römischen Statuen bestimmt wurde.
Dem Bronzebildhauer Bertoldo di Giovanni, der für die Verwaltung der Sammlung verantwortlich war, kann eine Lehrerrolle für den noch jungen Michelangelo beigemessen werden, wenn gleich der Junge nicht direkt seinem Medium oder seinem Ansatz folgte.
Dennoch ist eine der beiden Marmorarbeiten, die aus den ersten Jahren des Künstlers erhalten ist, eine Variation der Fingurenkonstellation eines alten römischen Sarkophags, die Bertoldo in Bronze hergestellt hatte. Diese Darstellung ist die Kentaurenschlacht (um 1492). Die Handlung und Kraft der Figuren verraten die späteren Interessen des Künstlers viel offensichtlicher als die Madonna der Treppe (um 1491). Die Madonna ist ein filigranes Flachrelief und drückt eher den damals herrschenden Trend bei florentinischen Bildhauern wie Desiderio da Settignano aus.
Michelangelo Biografie, Kentaurenschlacht, 1492 | Foto: Sailko / Wikipedia / CC-BY-SA 3.0
Michelangelo, Madonna an der Treppe, ca. 1491
Florenz galt damals als das führende Kunstzentrum, das die besten Maler und Bildhauer Europas hervorbrachte. Die Stadt war jedoch weniger in der Lage als früher, große Aufträge zu erteilen, und führende florentinische Künstler, wie Leonardo da Vinci und sein Lehrer Andrea del Verrocchio verließen die Stadt, um bessere Möglichkeiten anderswo zu finden.
Die Medici wurden im Jahr 1494 gestürzt. Noch vor dem Ende der politischen Unruhen hatte auch Michelangelo die Stadt verlassen. Er reiste nach Bologna, um dort Aufträge und politische Stabilität zu finden.
Michelangelos Zeit in Bologna
In Bologna wurde er als Nachfolger eines kürzlich verstorbenen Bildhauers angeheuert und schuf die letzten kleinen Figuren, die für die Fertigstellung eines Großprojekts, des Grabes und Schreins des hl. Dominikus (1494-95), erforderlich waren.
Die drei Marmorfiguren sind einzigartig und ausdrucksstark. Von der fantasievollen Wendigkeit seines Vorgängers abweichend, verlieh er seinen Bildern Ernsthaftigkeit durch eine Formdichte, die der klassischen Antike und der florentinischen Tradition von Giotto zu verdanken war.
Diese Betonung der Ernsthaftigkeit spiegelt sich auch in seiner Wahl von Marmor als Medium wider, während die damit einhergehende Vereinfachung der Körpermassen im Gegensatz zu der damals üblichen Bestrebung steht, Darstellungen so vollständig wie möglich der Textur und dem Erscheinungsbild des menschlichen Körpers entsprechen zu lassen.
Michelangelo: Arca di San Domenico, Heiliger Proculus von | Foto: Georges Jansoone / Wikipedia
Obwohl dies konstante Eigenschaften in Michelangelos Kunst sind, wurden sie oft vorübergehend aufgegeben oder verändert, weil ihm andere Faktoren wichtiger waren. Dies ist der Fall bei Michelangelos frühesten noch erhaltenen großen Statue, dem Bacchus, der in Rom (1496-97) geschaffen wurde.
Der Bacchus stützt sich auf antike römische Aktfiguren als Ausgangspunkt, ist aber viel mobiler und komplexer. Für einen Garten geschaffen, ist es auch einzigartig unter Michelangelos Werken, die meist von allen Seiten und nicht lediglich von der Vorderseite aus betrachtet werden sollen.
Michelangelo, Bacchus, 1496-97
Zeichnung des Bacchus im Skulpturengarten von Jacopo Galli
Der Bacchus führte sofort zur Auftragsarbeit der Pietà (1498), die sich heute im Petersdom im Vatikan befindet. Der Name bezieht sich nicht auf dieses spezifische Werk, sondern auf eine traditionelle Form eines Andachtsbilds, unter denen Michelangelos Werk das wohl bekannteste Beispiel ist.
Foto: Sergey Podlesnov / Shutterstock
Der Gönner war ein französischer Kardinal, was zu der Darstellungsform passt, die nördlich von Italien ihrer Zeit am beliebtesten war. Das komplizierte Unterfangen für Michelangelo bestand darin, zwei separate Figuren aus einem Marmorblock zu formen. Die dichte und kompakte Masse erzielt noch heute bei den Betrachtern eine imposante Wirkung.
Um das Thema zu betonen, verstärkte er die vielen Kontraste, die es zwischen den zwei Figuren gibt - männlich und weiblich, vertikal und horizontal, bekleidet und nackt, tot und lebendig.
Der gute Ruf des Künstlers, die durch dieses Werk bekräftigt wurde, führte kurz darauf zur Auftragsarbeit des David für die Kathedrale von Florenz (1501). Für diese riesige Statue benutzte Michelangelo einen Mamorblock, der etwa 40 Jahre zuvor bereits angefangen wurde, aber unvollendet blieb.
Die Modellierung ist besonders nah an den Proportionen der klassischen Antike, mit einer vereinfachten Geometrie, die für den großen Maßstab geeignet ist. Die Davidskulptur verkörpert das Renaissance-Ideal der vollkommenen Ästhetik.
Nebenbei schuf Michelangelo im selben Jahr (1501-04) mehrere Madonnen für Privathäuser. Dazu gehören eine kleine Statue, zwei kreisförmige Reliefs und das einzige Staffeleibild des Künstlers.
Die Formen besitzen symbolische Bezüge zum zukünftigen Tod Christi, wie sie in den damaligen Bildern des Christkindes üblich sind, und verraten auch die Faszination des Künstlers für das Werk von Leonardo.
Michelangelo bestreitet regelmäßig, dass ihn jemand beeinflusst hat, und seine Aussagen wurden in der Regel ohne Bedenken akzeptiert. Aber Leonardos Rückkehr nach Florenz im Jahr 1500 nach fast 20 Jahren war für jüngere Künstler dort aufregend. Dass dazu auch Michelangelo zählte, bestreiten heute nur noch wenige Kunsthistoriker.
Leonardos Werke waren wahrscheinlich der stärkste äußere Einfluss, um seine eigene Kunst anzupassen. Michelangelo war in der Lage, die Fähigkeit der perfekten Momentaufnahme Leonardos mit seinem eigenen Talent, kraftvolle Bewegung und Stärke auszudrücken, zu kombinieren.
Die daraus resultierenden Bilder von massiven Körpern in kraftvoller Bewegung, sind jene besonderen Kunstwerke, die den großen Teil der beeindruckendsten Werke von Michelangelo ausmachten.
Mittleres Werk von Michelangelo
Nach dem Erfolg des David im Jahre 1504 bestand Michelangelos Werk fast ausschließlich aus Großprojekten. Er fühlte sich zu diesen ehrgeizigen Aufgaben hingezogen und lehnte gleichzeitig den Einsatz von Assistenten ab, so dass die meisten dieser Projekte nicht realisierbar waren und unvollendet blieben.
1504 stimmte er zu, ein riesiges Fresko für die Sala del Gran Consiglio des Rathauses von Florenz zu malen, um ein Doppelwerk mit einem weiteren, gerade erst von Leonardo da Vinci gestarteten Fresko zu bilden. Beide Wandmalereien zeigten militärische Siege der Stadt, aber beide zeugten auch von den besonderen Fähigkeiten der beiden Künstler der Stadt.
Michelangelo, Schlacht bei Cascina, Kopie von Aristotile da Sangallo um 1542
Peter Paul Rubens , Schlacht von Anghiari, (Kopie nach Original von Leonardo da Vinci), ca. 1603
Leonardos Motiv zeigt galoppierende Pferde, Michelangelos lebendige Akte - Soldaten hören auf zu schwimmen und steigen aus einem Fluss, um einen Alarm auszulösen. Beide Werke sind nur in Kopien und unvollständigen Vorzeichnungen überliefert.
1505 fing der Künstler mit der Planung an einem Satz von 12 marmornen Aposteln für den Dom von Florenz an, von denen nur einer, der heilige Matthäus, überhaupt begonnen wurde. Seine sich windende Bewegung zeigt die vollständige Verschmelzung von Leonardos flüssiger Bewegung mit Michelangelos eigener monumentaler Kraft. Dies ist auch das erste von Michelangelos unvollendeten Werken, das spätere Betrachter fasziniert hat.
Hinweis: Auch wenn die Werke also nur aus Zeitmangel und anderen äußeren Umständen unvollendet blieben, spiegelt ihr Zustand dennoch das intensive Verständnis des Künstlers für die dem Schaffensprozess innewohnenden Spannungen wider.
Päpstliche Berufung nach Rom
Die Aufforderung von Papst Julius II. an Michelangelo, nach Rom zu kommen, bedeutete das Ende dieser beiden florentinischen Projekte. Der Papst verlangte ein Grab, für das Michelangelo 40 große Statuen modellieren sollte.
Die jüngsten Gräber waren immer prächtiger geworden, darunter die des florentinischen Bildhauers Antonio Pollaiuolo. Papst Julius hatte eine ehrgeizige Fantasie, aber wegen anderer Projekte, wie dem Neubau von des Petersdoms, schreckte er schon bald vor den hohen Kosten zurück. Michelangelo glaubte, dass Bramante - der ebenso angesehene Architekt des Petersdoms - den Papst beeinflusst hatte, seine Honorierung zu kürzen.
Er verließ Rom, woraufhin der Papst Druck auf die Stadtbehörden von Florenz ausübte, ihn zurückzuschicken. Er wurde mit der Arbeit an einer kolossalen Bronzestatue des Papstes in seiner neu eroberten Stadt Bologna beauftragt. Kurz darauf folgte der Auftrag für ein kostengünstigeres Projekt: Das Deckenfresko der Sixtinischen Kapelle (1508-12).
Die Decke der Sixtinischen Kapelle
Die Sixtinische Kapelle hatte eine große symbolische Bedeutung für die Kirche. Die Kapelle gilt als höchster geweihter Raum im Vatikan, der für bedeutende Zeremonien wie die Wahl und Einweihung neuer Päpste genutzt wurde.
Es enthielt bereits bemerkenswerte Wandmalereien, und Michelangelo wurde gebeten, Werke für die Decke hinzuzufügen. Die Zwölf Apostel waren geplant, da die Themendecken in der Regel nur Einzelfiguren und keine dramatischen Szenen zeigten.
CC BY-SA 3.0 wikimedia.org
Die ursprünglichen Vorstellungen zeigen sich in den 12 großen Figuren, die Michelangelo hervorgebracht hat: sieben Propheten und fünf weibliche Prophetinnen, die in klassischen Mythen zu finden sind. Die Einbeziehung von weiblichen Figuren war sehr ungewöhnlich, aber nicht völlig neu.
Michelangelo legte diese Figuren um die Deckenränder und füllte den mittleren Teil der langen geschwungenen Fläche mit neun Motiven aus der Genesis:
Diese umgeben kleine Gestalten der vielen Generationen der Vorfahren Christi, angefangen bei Abraham. Das umfangreiche Projekt wurde in weniger als vier Jahren abgeschlossen und gilt heute als malerisches Meisterwerk Michelangelos.
Weitere bildhauerische Aufträge
Als die Decke fertig war, kehrte Michelangelo zu seinem bevorzugten Auftrag zurück, dem Grab von Papst Julius.
Um 1513-15 formte er den Mose, was als skulpturale Umsetzung der Annäherung an große Gestalten für die Propheten an der Sixtinischen Decke angesehen werden kann. Die Kontrolle der kubischen Dichte im Stein ruft enorme Kraftreserven hervor; es gibt mehr Oberflächendetails und Modellierungen als zuvor, mit Vorsprüngen, die scharf geformt sind.
Moses von Michelangelo | Foto: Dino Quinzani / Wikipedia
Die Medici-Kapelle
Unmittelbarer Anlass für die Kapelle war der Tod der beiden jungen Familienerben in den Jahren 1516 und 1519. Michelangelo widmete sich bis 1527 vor allem dem marmornen Inneren dieser Kapelle, sowohl der sehr originellen Wandgestaltung als auch den Figuren an den Gräbern, die eine Erweiterung der dynamischen Formen der Wanddetails darstellen.
Michelangelo, Grabmahl des Giuliano di Lorenzo de' Medici | Foto: Rabe! / Wikipedia
Das Ergebnis ist die bestmögliche Präsentation der Ziele von Michelangelo. Fenster, Gesimse und dergleichen haben eigenartige Proportionen und Dicken, was auf eine bewusste Übertragung der traditionellen klassischen Formen in Gebäuden auf die Skulptur hindeutet.
Andere Projekte und Schriftsätze
Genius des Sieges
Als die Medici 1530 zurückkehrten, begann Michelangelo erneut mit der Arbeit an ihren Familiengräbern. Sein politisches Engagement galt wahrscheinlich mehr seiner Stadt als einer bestimmten Regierungsform.
Zwei verschiedene Statuenprojekte dieser Zeit sind Apollo oder David (seine Identität ist umstritten), der als Geschenk an eine neue mächtige politische Figur gedacht ist, und der Genius des Sieges, eine Figur, die auf einen besiegten Feind trampelt.
Wahrscheinlich war es für das nie in Vergessenheit geratene Grab von Papst Julius gedacht, denn das Motiv war in den Plänen für dieses Grab enthalten.
Diese Marmorgruppe wurde zu einem beliebten Modell für jüngere Bildhauer des Manierismus, die die Komposition auf viele allegorische Themen anwandten.
1534 verließ Michelangelo Florenz zum letzten Mal, obwohl er immer hoffte, zurückkehren zu können, um die Projekte abzuschließen, die er unvollständig hinterlassen hatte.
Den Rest seines Lebens verbrachte er in Rom und arbeitete an zum Teil ähnlich großen, zumeist aber ganz neuen Projekten. Von da an blieb eine große Anzahl seiner Briefe an seine Familie in Florenz erhalten.
Michelangelos Vater war 1531 und sein liebster Bruder etwa zur gleichen Zeit gestorben; er selbst zeigte sich zunehmend besorgt über sein Alter und seinen eigenen Tod.
Gerade zu dieser Zeit schrieb der fast 60-jährige Künstler Briefe, in denen er starke Verbundenheit mit jungen Männern zum Ausdruck brachte, vor allem mit dem talentierten Aristokraten Tommaso Cavalieri, der später in römischen Bürgerinitiativen tätig war. Diese wurden natürlich als Hinweise darauf interpretiert, dass Michelangelo homosexuell war, doch scheint diese Interpretation unwahrscheinlich, wenn man bedenkt, dass es keine solchen Hinweise gab, als der Künstler jünger war.
Hypothese: Die Zuordnung dieser Briefe scheint stattdessen mit der Ansicht vereinbar zu sein, dass er einen Ersatzsohn suchte.
Wenn er zu diesem Zweck einen jüngeren Mann wählte, der in jeder Hinsicht bewundernswert war und die Rolle begrüßen würde, wäre das nur allzu gut denkbar gewesen.
1534 kehrte Michelangelo nach einem Vierteljahrhundert zur Freskenmalerei zurück und führte für den neuen Papst Paul III. das große Jüngste Gericht für die Stirnseite der Sixtinischen Kapelle aus. Dieses Thema war im Mittelalter und bis etwa 1500 für große Kirchenfronten in Italien ein beliebtes Thema gewesen, das aber danach aus der Mode gekommen war.
Es wird oft angenommen, dass diese Erneuerung einer frommen Tradition von den gleichen Impulsen herrührt, die dann zur Gegenreformation unter der Leitung von Paul III. führten.
Das Werk unterscheidet sich in seiner Malweise deutlich von derjenigen der letzten 25 Jahre. Die Farbgebung ist einfacher als die der Decke: bräunliche Hauttöne vor einem stark blauen Himmel. Die Figuren haben weniger Energie und ihre Formen sind weniger ausgeprägt. Die Torsos neigen dazu, wie fleischige Körpermassen ohne Taille auszusehen.
Das Jüngste Gericht, das als eine einzige, einheitliche, grandiose Szene ohne architektonische Elemente konzipiert wurde, um seinen Raum zu teilen und zu definieren, ist von einem Gefühl dynamischer Intensität durchdrungen, das von den emotionalen Gesten und Ausdrücken der Gerichteten abgeleitet ist.
Spätwerk von Michelangelo
In seinen späten Jahren beschäftigte sich Michelangelo intensiver mit der Architektur, einem Bereich, in dem er keine körperliche Arbeit leisten musste. Er wurde gebeten, imposante Denkmäler für das neue Rom zu entwerfen, die die Position der Stadt als Zentrum der westlichen Welt architektonisch zum Ausdruck bringen sollten.
Zwei dieser Denkmäler sind der Kapitolsplatz und die Kuppel des Petersdoms. Noch heute gehören sie zu den bemerkenswertesten Sehenswürdigkeiten der Stadt. Obwohl er sie zu Lebzeiten nicht mehr fertigstellte, wurden beide nach seinem Tod auf eine Weise fortgesetzt, die wahrscheinlich nicht viel von seinen Plänen abweicht.
Grundriss und Kuppel des Petersdoms nach Michelangelo
Michelangelo war bis zu seinem Tod der Hauptarchitekt des Petersdoms und arbeitete an vielen kleineren Bauvorhaben in Rom. Er vollendete die Wohneinheit des Palazzo Farnese, der Residenz der Familie von Papst Paul III. Die Wand im obersten Stockwerk des Innenhofes ist ein seltenes Beispiel für eine vollständig ausgearbeitete architektonische Einheit unter seiner Leitung.
Einige sehr fantasievolle und unverwechselbare Spätentwürfe, wie z.B. für ein Stadttor, die Porta Pia und für die Kirche der Florentiner Gemeinde in Rom, wurden später überarbeitet oder gingen nie über die Planungsphase hinaus, wie Michelangelo es vorgeschlagen hatte.
Seine letzten Gemälde waren die Fresken der Pauluskapelle im Vatikan, die für die Öffentlichkeit noch immer nicht zugänglich sind. Im Gegensatz zu seinen anderen Fresken befinden sie sich in der für die erzählerische Malerei üblichen Position, an einer Wand und nicht besonders hoch oben.
Sie gehen dabei konsequent mit räumlicher Tiefe und erzählerischem Drama um, was sie Gemälden anderer Künstler aus dieser Zeit ähnlich macht. Unter den Künstlern, die Michelangelo kennen und bewundern lernte, war Tizian, der Rom während der Zeit dieses Projekts (1542-50) besuchte. Die Fresken bieten Hinweise auf seinen Einfluss auf Michelangelos Arbeit.
Auch die Poesie der letzten Jahre von Michelangelo nahm neue Qualitäten an. Die Gedichte, hauptsächlich Sonette, sind sehr direkt religiös und weisen auf einzelne Gebete hin. Sie sind nicht mehr so sehr komplex in Syntax und Ideen, wie sie es einst waren. Es gibt nur zwei späte Skulpturen, die Michelangelo für sich selbst geschaffen hat, die beide den toten Christus darstellen, um den getrauert wird. Keine der beiden Arbeiten ist fertiggestellt worden.
Künstlerisches Vermächtnis von Michelangelo
Im Gegensatz zum großen Bekanntheitsgrad der Werke des Künstlers ist ihr visueller Einfluss auf die spätere Kunst vergleichsweise gering.
Es kann sein, dass die Art des Ausdrucks, die mit Michelangelo verbunden wurde, beinahe hemmend wirkte. Michelangelo wurde für bestimmte, begrenzte Aspekte seiner Arbeit gefeiert und als Vorlage verwendet.
Im 17. Jahrhundert galt er als Vorbild in der anatomischen Darstellung, wurde aber weniger für andere Elemente seiner Kunst gelobt. Während die Manieristen die räumliche Verdichtung einiger seiner Werke nutzten, übernahm Auguste Rodin etwas von Michelangelos Wirkung unfertiger Marmorblocks.
Bestimmte Meister des Barocks aus dem 17. Jahrhundert zeigen vielleicht den umfangreichsten Bezug zu ihm, wenngleich auch vollkommene Ähnlichkeit zu seinem Werk vermieden wurde.
Neben Gian Lorenzo Bernini kann Peter Paul Rubens als bekanntes Beispiel für den Einfluss genannt werden, den Michelangelo in der Kunst hatte.
