KunstMalerei

Abstrakter Expressionismus – Grundideen, Künstler, Werke und Auswirkungen

Wie Farbfelder und Action Paintings die jüngere Kunstgeschichte prägten

Abstrakter Expressionismus HeroFoto: Nataliya Sdobnikova / shutterstock.com
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“Abstrakter Expressionismus” war nie eine ideale Bezeichnung für die Bewegung, die sich in den 1940er und 1950er Jahren in New York entwickelte. Es sollte nicht nur das Werk der Maler umfassen, die ihre Gemälde mit Farbfeldern und abstrakten Formen füllten, sondern auch diejenigen, die ihre Gemälde mit einem kraftvollen gestenreichen Expressionismus überzogen. Der Abstrakte Expressionismus ist für eine Gruppe von Künstlern, die viel gemeinsam haben, zum meist akzeptierten Begriff geworden. Alle waren der Kunst als Ausdruck des Selbst verpflichtet, hervorgegangen aus tiefen Emotionen und universellen Themen.

Die meisten Künstler waren geprägt vom Erbe des Surrealismus, einer Bewegung, die sie in einen neuen Stil übersetzten, der der Nachkriegsstimmung von Angst und Trauma entsprach. In ihrem Erfolg raubten die New Yorker Maler Paris seinen Ruf als Vorreiter der modernen Kunst und sie schufen die Voraussetzungen für die Dominanz Amerikas in der internationalen Kunstwelt.

Kernideen der Bewegung

  • Die politische Instabilität der 1930er in Europa brachte einige führende Surrealisten nach New York. Viele der Abstrakten Expressionisten waren zutiefst beeinflusst von der Konzentration des Surrealismus auf die Förderung des Unbewussten. Es förderte ihr Interesse am Mythos und archetypischen Symbolen und prägte ihr Verständnis der Malerei selbst als Kampf zwischen Selbstdarstellung und dem Chaos des Unterbewusstseins.
  • Die meisten Künstler, die mit dem Abstrakten Expressionismus in Verbindung gebracht werden, stammen aus den 1930er Jahren. Sie wurden von der linken Politik dieser Zeit beeinflusst und schätzten eine auf persönlicher Erfahrung basierende Kunst. Nur wenige würden ihre früheren radikalen politischen Ansichten beibehalten, aber viele nahmen weiterhin die Haltung offener Avantgardisten ein.
  • Als Künstler in einer Zeit gereift, in der Amerika wirtschaftlich litt und sich kulturell isoliert fühlte, wurden die Abstrakten Expressionisten später als die erste authentisch amerikanische Avantgarde gefeiert. Ihre Kunst wurde beworben, amerikanisch im Geiste zu sein – monumental im Maßstab, romantisch in der Stimmung und ausdrucksstark in ihrer individuellen Freiheit.
  • Obwohl die Bewegung in der Geschichte weitgehend als von männlichen Malern dominierte dargestellt wurde, gab es mehrere bedeutende weibliche Abstrakte Expressionisten, die in den 1940er und 1950er Jahren aus New York und San Francisco hervorgegangen sind und heute als elementare Mitglieder anerkannt werden.

Die Anfänge des Abstrakten Expressionismus

Es ist einer der vielen Widersprüche des Abstrakten Expressionismus, dass die Wurzeln der Bewegung in der figurativen Malerei der 1930er Jahre liegen. Fast alle Künstler, die später in den 1940er und 1950er Jahren in New York abstrakte Maler werden sollten, waren von der Erfahrung der Weltwirtschaftskrise geprägt, weshalb sie häufig in Stilen malten, die vom Sozialrealismus und regionalen Bewegungen beeinflusst wurden. Ende der 1940er Jahre hatten die meisten Künstler diese Stile hinter sich gelassen, aber sie lernten viel aus ihren frühen Arbeiten. Es ermutigte sie in ihrem Engagement für eine Kunst, die auf persönlichen Erfahrungen basiert. Die Zeit, die sie mit dem Malen von Wandmalereien verbrachten, ermutigte sie später, abstrakte Gemälde in ähnlich monumentalen Maßen zu schaffen.

New York in den 1930er und 1940er Jahren

Die in den 1930er Jahren in New York lebenden Künstler profitierten von einem immer ausgefeilteren Netzwerk von Museen und Galerien, das große Ausstellungen moderner Kunst veranstaltete. Das Museum of Modern Art zeigte Ausstellungen wie “Kubismus und abstrakte Kunst”, “Fantastische Kunst, Dada, Surrealismus” sowie eine umfangreiche Retrospektive von Pablo Picasso. 1939 wurde das Museum für gegenstandslose Malerei eröffnet, später Solomon R. Guggenheim Museum genannt, das eine bedeutende Sammlung von Kandinskys Werken beherbergt.

Viele europäische Modernisten begannen in den 1930er und 1940er Jahren nach New York zu kommen, um politischen Umwälzungen und dem Zweiten Weltkrieg zu entgehen. Einige, wie der Maler und Lehrer Hans Hofmann, erwiesen sich als unmittelbar einflussreich. Hofmann hatte die frühen Jahre des Jahrhunderts in Paris verbracht, wo er auf Picasso, Henri Matisse und Georges Braque traf, die sich in New York in Künstlerkreisen einen überdimensionalen Ruf errungen hatten. Hoffman konnte seinen Schülern viele ihrer Ideen durch sein ausgeklügeltes Verständnis des Kubismus und die Liebe zu Matisses Fauvismus vermitteln, der von vielen in New York unterschätzt wurde.

All diese Aktivitäten führten dazu, dass die New Yorker Künstler außerordentlich gut über die Trends der modernen europäischen Kunst informiert waren. Es hinterließ viele mit Gefühlen der Unterlegenheit, aber diese wurden in den 1940er Jahren langsam überwunden. Persönliche Begegnungen mit vielen vertriebenen Europäern wie André Breton, Salvador Dalí, Arshile Gorky, Max Ernst, Piet Mondrian und André Masson trugen dazu bei, den mythischen Status dieser Künstler zu überwinden.

Als Europa in den 1930er Jahren unter totalitären Regimen litt und später im Krieg versank, fühlten sich viele Amerikaner ermutigt, den europäischen Einfluss zu überschreiten, eine ihrer eigenen Nation angemessene Rhetorik der Malerei zu entwickeln und nicht zuletzt die Führung der Kultur zu einer Zeit zu übernehmen, als einige der ältesten Werke der Kunstgeschichte bedroht waren.

Die Entstehung des Abstrakten Expressionismus

Ende der 1940er Jahre waren viele Faktoren ausschlaggebend für die Entstehung der neuen Bewegung – so vielfältig und uneinheitlich das Werk ihrer Künstler auch sein mochte. Clyfford Still wurde zugeschrieben, dass er die Bewegung in den Jahren unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg mit seiner eigenen Verschiebung von gegenständlichen zu großen, abstrakten Werken gestartet hat. 1947 entwickelte Jackson Pollock seine charakteristische Tropftechnik. Im folgenden Jahr hatte Willem de Kooning eine eindrucksvolle Ausstellung in der Charles Egan Gallery, wo er seine Frauenbilder vorstellte, in denen er Komposition, Licht, Anordnung und Beziehungen eliminierte, so dass die figurative Darstellung zur Abstraktion wurde.

Barnett Newman kam mit dem Bild Onement I zu seinem künstlerischen Durchbruch und Mark Rothko begann mit der Malerei der “multikulturellen” Gemälde, die zu den bemerkenswerten Werken seiner Zeit führen sollten. Im Jahr 1951 führten 18 gleichgesinnte Künstler einen Boykott einer Ausstellung zeitgenössischer Kunst im Metropolitan Museum mit dem Titel “American Painting Today – 1950” durch. Danach wurden sie zu einem Fotoshooting für das Life Magazine überredet und als “The Irascibles” getauft. Diese Arbeit popularisierte den Begriff des abstrakten Expressionismus und gab der Bewegung ein Gefühl der Gruppenidentität und des gemeinsamen Ziels.

Abstrakter Expressionismus: Konzepte und Stile

Aufbauende Konzepte aus dem Surrealismus

Der Surrealismus war ein origineller Einfluss auf die Themen und Konzepte der Abstrakten Expressionisten. Obwohl die amerikanischen Maler mit der offenen freudschen Symbolik der europäischen Bewegung unzufrieden waren, ließen sie sich immer noch von ihren Interessen am Unbewussten inspirieren, ebenso wie von ihrer Art des Primitivismus und der Beschäftigung mit der Mythologie. Besonders interessiert waren viele an den Ideen des Schweizer Psychiaters Carl Jung, der glaubte, dass Elemente eines kollektiven Unbewussten im Laufe der Jahrhunderte durch archetypische Symbole oder ursprüngliche Bilder, die zu immer wiederkehrenden Motiven wurden, überliefert worden waren.

Bevor er seine Tropfenbilder schuf, erschien Pollocks Interesse an urzeitlichen Themen häufig. Sein She-Wolf-Stück “entstand, weil er es malen musste”. Dabei handelt es sich um einen dunklen Wolf mit Linien und Verwirbelungen. Obwohl sich der Künstler weigerte, über seinen Inhalt zu diskutieren, wurde es in einer Zeit gemacht, als die Welt mit der globalen Krise zu kämpfen hatte. Darüber hinaus wurde die Arbeit mit dem Mythos der Geburt der Stadt Rom verglichen, in dem der Wolf die Zwillingsgründer Romulus und Remus säugte. Ein anderer Künstler, Adolph Gottlieb, hat in seinen Gemälden häufig archetypische Symbolik verwendet. Ein Kreuz, ein Ei oder ein Pfeil mag erscheinen, um grundlegende psychologische Ideen auszudrücken, die allgemein bekannt waren.

Farbfeldmalerei

Trying to photograph a Rothko at MoMA(3)

Die aufstrebenden abstrakten expressionistischen Künstler hatten den Anstoß, sich vom biomorphen Surrealismus von Miró und Picasso wegzubewegen und zu einem zunehmend reduzierten Stil zu gelangen, der einen persönlicheren Ausdruck betont. Dennoch sind Rothko und Newman typisch für diese Entwicklung, da sie sich als ausdrucksstarkes, emotionales Objekt selbst in die Welt der Farbe wagten. Noch immer entstanden Gemälde, die von kräftigen Farben geprägt waren, die zerrissen und gebrochen wurden durch andere, einander gegenüberstehende Texturen und Formen, kantig, uneben und lebendig.

Rothko experimentierte in den frühen 1940er Jahren mit abstrakten Symbolen, bevor er sich zu völlig abstrakten Farbfeldern entwickelte. Newman suchte ebenfalls nach einem Ansatz, der alle fremden Motive weglassen und alles durch ein starkes, resonantes Symbol kommunizieren könnte. Newmans “Zip”-Bilder zeigten vertikale Farbbänder, die in der Mitte einer Leinwand gemalt waren, die dazu dienten, das Stück zu vereinen und nicht zu teilen.

Obwohl einige später argumentieren würden, dass die Farbfeldmalerei eine neue Manifestation einer langen Tradition erhabener Landschaften darstellt, stellte der damalige Theoretiker Clement Greenberg fest, dass er das Werk von Still, Rothko und Newman als eine Evolution des Formalismus betrachtete und damit einen neuen Strom innerhalb des abstrakten Expressionismus definierte. Der Formalismus interessierte sich nicht so sehr für den Inhalt der Arbeit wie für die Analyse der dargestellten Linien, Farben und Formen – eine Sezierung der Art und Weise, wie Gemälde gemacht wurden, und ihrer rein visuellen Aspekte.

Action Painting

Jackson Pollock

Greenberg setzte sich auch für Pollocks “Tropfen”-Bilder in formalistischer Hinsicht ein, obwohl das Werk am bekanntesten dafür war, den anderen Hauptstil des Abstrakten Expressionismus – die Action Painting – zu katapultieren. Harold Rosenberg, ein weiterer wichtiger Kritiker dieser Zeit, erklärte in einem Artikel für ART News von 1952 mit dem Titel “The American Action Painters”: “In einem bestimmten Moment erschien die Leinwand einem amerikanischen Maler nach dem anderen als eine Arena, in der er handeln konnte – und nicht als ein Raum, in dem er ein Objekt, ob real oder imaginär, reproduzieren, neu gestalten, analysieren oder “ausdrücken” konnte. Was auf die Leinwand kommen sollte, war kein Bild, sondern ein Ereignis.”

Rosenberg zeigte aufschlussreich, was Maler wie Pollock, Kline und de Kooning gemeinsam haben. Sie sahen das spätere Gemälde in erster Linie als physische Manifestation des eigentlichen Kunstwerk, was in ihren Augen der Prozess der Herstellung der Arbeit war. Die spontanen Aktionen des Malers, die zufälligen Tropfen und Pinselstriche, stellten alle einen Tanz mit dem Unterbewusstsein dar, um dessen Inhalt durch den puren Ausdruck zu entfesseln.

Aber auch dieser kreative Prozess kam nicht ganz ohne Überlegung zur Kontrolle aus. Pollock betrachtete seine Tropftechnik zumindest teilweise als Mittel, um sein Unbewusstes zu mobilisieren; die Effekte wurden so für alle sichtbar auf der Oberfläche der Leinwand sichtbar. Aber wie viele andere bestand auch Pollock auf einem Element der Kontrolle in seiner Methode – wie er einmal sagte, handelte es sich bei seiner Arbeit um kein Chaos und er glaubte, dass die Tropfen ausdrucksstark in sich waren, anstatt nur als zufällige Farbansammlungen auf dem Untergrund zu landen. In der Tat waren die Tropfen in sich ausdrucksstark.

Viele abstrakte Expressionisten, deren Akzeptanz des Chaos durch einen Kontrollimpuls ausgeglichen wurde, teilten die Zweideutigkeit in Pollocks Haltung. Dieses Paradoxon erklärt einen Großteil des energetischen Aufruhrs, den man in der Arbeit vieler sogenannter Action Painter wie de Kooning, Franz Kline und Robert Motherwell findet. Teilweise führte dies zu dem “Rundumeffekt”, den man in Pollocks reifem Werk und in de Koonings abstrakten Gemälden der späten 1940er Jahre sieht, in denen die Formen gleichmäßig über die Leinwand verteilt zu sein scheinen – Gelassenheit inmitten des Chaos.

Viele abstrakte Expressionisten der damaligen Zeit haben sich mit ihren Arbeiten sowohl in der Farbfeldmalerei als auch im Action Painting bewegt. In Helen Frankenthalers früher Karriere waren ihre Leinwände eine Mischung aus angenehmen Farbflecken und losen Formen. Später wurde sie zu einer der berühmtesten Farbfeldmalerinnen unserer Zeit. Ihre charakteristisch großen, mit umfangreichen Waschungen gefärbten Leinwände, die sie mit großen Mops und Rakeln bearbeitete, zeichneten ihren einzigartigen Stil aus.

Die zweite Generation

Die Abstrakt Expressionistische Bewegung der 1950er Jahre in New York würde einen großen Einfluss auf die Kunstwelt ausüben und nach außen blühen, um eine zweite Generation von abstrakt Expressionistischen Künstlern mit etwas anderen Anliegen zu beeinflussen. Diese Künstler waren in Bezug auf Geschlecht, soziokulturelles Umfeld und Geographie vielfältiger, obwohl in San Francisco ein wichtiger Knotenpunkt entstand. Greenberg prägte diese Anhänger eines ausgeprägten de Kooning-Stils, als diejenigen, die mit einem geladenen Pinsel malten.

Im Gegensatz zu ihren Vorgängern verlagerte sich der Schwerpunkt der Künstler der zweiten Generation vom Inneren, der subjektiven Welt, zum objektiven Äußeren – sie analysierten und fragten, was den Dingen Bedeutung verlieh. Greenberg veranstaltete 1964 eine Show mit dem Titel “Post-Painterly Abstraction”, um diese neuen Stile zu präsentieren, die aus dem Einfluss des abstrakten Expressionismus entstanden waren. Lyrische Abstraktion würde in dieser Zeit ebenfalls entstehen. Abstrakte Expressionisten der zweiten Generation waren Morris Louis, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Frank Stella, Joan Mitchell und viele andere.

Minderheiten der Abstraktion

In den 1940er und 50er Jahren produzierten viele Malerinnen in New York und San Francisco zusammen mit ihren bekannteren männlichen Kollegen Werke, blieben aber in der Literatur, den Lehrbüchern und der Dokumentation der Zeit weitgehend abwesend. Der Abstrakte Expressionismus wurde oft als ein äußerst männlicher, weißer Zweig der Kunst bezeichnet, der einen kühnen und aggressiven Bogen durch die weicheren Aspekte der bildenden Kunst schlägt. Aber auch Frauen wie Mary Abbott, Jay DeFeo, Perle Fine, Helen Frankenthaler, Sonia Gechtoff, Judith Godwin, Grace Hartigan, Elaine de Kooning, Lee Krasner, Joan Mitchell, Deborah Remington und Ethel Schwabacher experimentierten mit Material und dem abstrakten Prozess, um sich von früheren künstlerischen Konventionen zu lösen.

Ebenso waren die afroamerikanischen Künstler Norman Lewis, die mit leuchtenden, expressiven Paletten und kalligraphischen Linien den ewigen Konflikt zwischen Freude und Not in seiner Rassengemeinschaft zum Ausdruck brachten, wichtige Mitwirkende der Bewegung, die zu ihrer Zeit unter Radar der Öffentlichkeit blieben.

Spätere Entwicklungen und Einflüsse auf andere Bewegungen

Mitte der 1950er Jahre hatte der Stil auch auf andere Weise seinen Lauf genommen. Die größten Errungenschaften der Bewegung basierten oft auf einem Konflikt zwischen Chaos und Kontrolle, der nur auf bestimmte Arten ausgetragen werden konnte. Einige Künstler, wie Newman und Rothko, hatten einen Stil entwickelt, der so reduzierend war, dass es wenig Raum für Weiterentwicklungen gab – ein Kurswechsel hätte die Größe ihrer kühnen Handschrift beeinträchtigt.

Jüngere Künstler, die der Entwicklung dieser Generation folgten, wurden weniger von Künstlern überzeugt, die einen erhabenen Ausdruck nach dem anderen hervorbrachten. Sie waren die Haltungen des Heldentums leid. Homosexuelle Künstler wie Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Andy Warhol und Ellsworth Kelly fühlten sich ebenfalls wenig mit den macho-orientierten Stilen und der Rhetorik der New York School verbunden. Künstler wie Johns würden viel von den Abstrakten Expressionisten lernen und ihr Interesse an der autographischen Gestaltungsform in neue Richtungen tragen und Qualitäten wie Ironie, Mehrdeutigkeit und Zurückhaltung einbringen, die die ältere Generation nie hätte ertragen können. Andere, wie Warhol, waren zu sehr von der Popkultur der Straßen begeistert, um viel mit den hohen Ansprüchen der trinkfesten Frauenhelden wie Pollock und de Kooning gemeinsam zu haben.

Ende der 1950er Jahre hatte der Abstrakte Expressionismus seinen Platz im Zentrum der Zeitkritik verloren. Doch das Erbe der Bewegung sollte beträchtlich sein. Allan Kaprow spürte dies bereits 1958, als er einen Artikel für ART News mit dem Titel “What is the legacy of Jackson Pollock?” schrieb. Seine Antwort verwies über die Malerei hinaus. Pollocks Einfluss war sicherlich in Bereichen spürbar, in denen die Performance eine Rolle spielte: Er sollte sowohl für die japanische Gutai-Bewegung als auch für die Wiener Aktionisten wichtig sein. Aber der Einfluss der Bewegung als Ganzes wurde auch in den folgenden Jahrzehnten von den nachkommenden Malern gespürt. Die Errungenschaften des Abstrakten Expressionismus waren für Künstler wie Dorothea Rockburne, Pat Steir, Susan Rothenberg und Jack Whitten in den 1970er Jahren wichtig. Ihre Rhetorik war für viele Neoexpressionisten ebenso von Bedeutung. In den 90er Jahren wurde die Bewegung erneut zum Vorbild für Malerinnen wie Cecily Brown. Die Themen und Konzepte, die den Abstrakten Expressionismus beeinflussten, liefern zeitgenössischen Künstlern weiterhin Standards, an denen sie sich messen lassen können.

Im Jahr 2016 erhielten die Damen der Bewegung schließlich ihre volle Würdigung, als das Denver Art Museum die Wanderausstellung Women of Abstraction zusammenstellte. Es war die erste große organisierte Ausstellung von über fünfzig wichtigen Stücken, die erstmals als ein zusammenhängendes Ganzes betrachtet werden konnten.

Wichtige Künstler des Abstrakten Expressionismus

Die folgenden Kunstwerke sind die bedeutendsten Werke des Abstrakten Expressionismus – sie geben sowohl einen Überblick über die wichtigsten Ideen der Bewegung als auch einen Überblick über die größten Leistungen der einzelnen Künstler im Abstrakten Expressionismus.

1957-D-Nr. 1 (1957)

Künstler: Clyfford Still

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: In den frühen 1940er Jahren war Clyfford Still, wie viele andere Künstler der damaligen Zeit, in erster Linie ein gegenständlicher Maler, der stimmungsvolle dunkle Szenen in dunklen Farben hervorrief. Mitte der 1940er Jahre begann sich sein Werk zu verändern, als erstmals Striche und Zacken auf seinen Gemälden erschienen. Dies markierte seinen eigenen Übergang zum Abstrakten Expressionismus als nicht-gegenständlicher Maler, der daran interessiert war, verschiedene Farben und Oberflächen in einer Vielzahl von Formationen einander gegenüberzustellen.

Obwohl er als einer der führenden Farbfeldmaler bekannt ist, unterschieden sich Still’s Spritzer und Linien von Rothkos vereinfachten Farbwaschungen oder Newmans dünnen Linien. Dies ist in 1957-D-Nr. 1 zu sehen, einem großen Werk, das auf natürliche Formen und Phänomene zurückgreift, die an Tropfsteinhöhlen und andere mysteriöse Elemente erinnern, die direkt unter der Oberfläche unserer täglichen Wahrnehmung liegen. Die Beziehungen innerhalb der kompositorischen Zutaten von Still, von Vordergrund und Hintergrund, erinnern an den Tanz des Lebens zwischen Licht und Dunkelheit. Ein Symbol, das Still gerne ausdrückte und wie er es beschrieb: “Leben und Tod, das in ängstlicher Vereinigung verschmilzt”.

Autumn Rhythm (Number 30) (1950)

Künstler: Jackson Pollock

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Das Stück ist exemplarisch für Pollocks berühmte “Tropfen”-Werke, in denen Farbe vom Künstler von oben auf eine auf dem Boden liegende Leinwand gegossen, gespritzt oder anderweitig aufgetragen wurde. Dieser Prozess, eine innere emotionale Turbulenz durch Geste, Linie, Textur und Komposition auszudrücken, stellte für Pollock einen Durchbruch in seiner Karriere dar und trug dazu bei, die New York School of Painters bekannt zu machen. Diese Bilder wurden zum Anstoß für Rosenbergs Definition des Begriffs Action Painting. Ebenfalls wurde diese ungewöhnliche Kombination aus Zufall und Kontrolle gleichbedeutend mit der Entwicklung des Abstrakten Expressionismus.

Excavation (1950)

Künstler: Willem de Kooning

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Excavation ist eines der bekanntesten Werke von Willem de Kooning und eine Darstellung seines abstrakten expressionistischen Stils. Darin sehen wir eine Vielzahl von skizzierten Formen, die Abstraktionen bekannter Formen sind: Fische, Vögel, Kiefer, Augen und Zähne. De Kooning hat über seine Arbeit gesagt: “Ich male so, weil ich immer mehr Dinge hineinstecken kann – Drama, Wut, Schmerz, Liebe, eine Figur, ein Pferd, meine Vorstellungen vom Raum.” Nach diesem rasanten Haufen von Bildern würde de Kooning dann Farbe entfernen, kratzen und hinzufügen, bis er herausfand, was er wollte. Das resultierende Stück präsentierte eine wahre Exkursion des Geistes und der Bewegungen des Künstlers im Moment.

De Kooning bleibt einer der einflussreichsten gestikorientierten “Actionpainter”, der oft mit breiten Pinselstrichen und in hellen, pastellfarbenen Paletten arbeitete. Er suchte die Authentizität der Erfahrung, nicht nur bei der Herstellung seiner Bilder, sondern auch bei der Darstellung der Erfahrung auf der Leinwand.

Vir heroicus sublimis (1950-51)

Künstler: Barnett Newman

Beschreibung und Analyse des Artworks: Vir heroicus sublimis, übersetzt als ” Der Mensch, heroisch und erhaben “, war mit 95 “x213” das seiner Zeit das größte Gemälde von Newman, obwohl er anschließend noch umfangreichere Werke schaffen würde. Darin sehen wir ein riesiges Feld dunkelroter Farbe, das mit zwei vertikal verlaufenden Linien durchzogen wurde, die Newman “Reißverschlüsse” genannt hat. Er glaubte, dass dieses vereinfachte Motiv Qualitäten der Menschheit vermitteln könnte, die in der alten Kunst ein Echo finden. Er wollte, dass das Publikum seine Gemälde aus nächster Nähe betrachten konnte, so dass die Farben sie vollständig umschlossen. Er fühlte auch, dass die Intimität, die das Gemälde hervorrief, sehr ähnlich war wie das Zusammentreffen zweier Personen und die Art der angeborenen Chemie, die es hervorrief.

Obwohl Newmans Werk für die Bewegung wegen seiner Größe und Einfachheit wichtig war, war es diese Beziehung zwischen Malerei und Betrachter, die am bemerkenswertesten war. Mel Bochner, ein mit dem Konzeptualismus verbundener Künstler, erinnerte sich daran, dass er ihm Ende der 1960er Jahre im MoMA begegnete und erkannte, dass seine Größe und Farbe eine neue Art von Kontakt zwischen Kunst und Betrachter schuf. “Eine Frau, die dort stand, war mit Rot bedeckt”, erinnerte er sich. “Ich erkannte, dass es das Licht war, das auf das Gemälde scheint und den Raum zwischen dem Betrachter und dem Kunstwerk füllt, das den Raum, den Ort, geschaffen hat. Und dass diese Reflexion des Selbst des Gemäldes, des Gemäldes als Subjekt, das den Betrachter reflektiert, eine völlig neue Erfahrung war.”

Ähnliche Philosophien einer reduzierten Erfahrung zwischen Malerei und Betrachter waren später im Werk der Minimalisten zu sehen.