Jackson Pollock
Malerei

Jackson Pollock – Biografie, Fakten und bekannte Gemälde

Foto: Bumble Dee / Shutterstock

Jackson Pollock war amerikanischer Maler und ein führender Vertreter des Abstrakten Expressionismus. Er erhielt weitreichende Bekanntheit und Anerkennung für die radikale "Drip-Technik", mit der er seine Hauptwerke schuf.

Unter seinen Zeitgenossen wurde er für sein zutiefst persönliches und kompromissloses Engagement für die Kunst der Malerei geschätzt. 

Sein Werk und Schaffen hatte einen enormen Einfluss auf sie und auf viele nachfolgende Kunstströmungen in den Vereinigten Staaten. Jackson Pollock ist auch einer der ersten amerikanischen Maler, der bereits zu seinen Lebzeiten als Meister der modernen Kunst des 20. Jahrhunderts anerkannt wurde.

Kernideen von und zu Jackson Pollock

  • Pollocks hartes und unruhiges frühes Leben prägte ihn in Richtung des zähen Charakters, der er werden würde. Später kamen eine Reihe von Einflüssen zusammen, um Pollock zu seinem ausgereiften Stil zu verhelfen: Jahrelange realistische Wandmalereien in den 1930er Jahren zeigten ihm die Kraft der Malerei in großem Maßstab; der Surrealismus bot Möglichkeiten, das Unbewusste zu beschreiben; und der Kubismus leitete sein Verständnis der Bildfläche.
  • 1939 begann Pollock, einen Analytiker nach C.G. Jung zu besuchen, um seinen Alkoholismus zu behandeln, der ihn ermutigte, Zeichnungen zu erstellen. Diese prägten Pollocks Verständnis von seinen Bildern nicht nur als Ergüsse seines eigenen Geistes, sondern auch als Ausdrucksformen, die für den Schrecken der gesamten modernen Menschheit stehen könnten, die im Schatten eines Atomkriegs lebte.
  • Pollocks Errungenschaften liegen darin, einen der radikalsten abstrakten Stile in der Geschichte der modernen Kunst zu entwickeln, die Linie von der Farbgebung zu lösen, die Kategorisierung von Zeichnung und Malerei neu zu definieren und neue Mittel zur Beschreibung des Bildraums zu finden.

Jackson Pollock Biografie

Das Leben von Jackson Pollock im Überblick

  • Name: Paul Jackson Pollock
  • Geboren: 28. Januar 1912 in Cody, Wyoming, USA
  • Gestorben: 11. August 1956 in Springs-East Hampton, New York, USA
  • Partner: Lee Krasner
  • Ausbildung: Art Students League, New York
  • Kunstrichtungen: Abstrakter Expressionismus
  • Wichtige Erfolge: Mehrere große Einzelausstellung, "Erfindung" des Drip-Technik, internationale Versteigerungsrekorde für seine Werke (No 5, 1948 für $165,4 Mio.)

Kindheit

Paul Jackson Pollock wurde 1912 in Cody, Wyoming, als fünfter und jüngster Sohn einer Familie irisch-schottischer Herkunft geboren. Pollock war erst zehn Monate alt, als die Familie nach San Diego zog.

Die Arbeit seines Vaters als Landvermesser zwang die Familie, in den darauf folgenden Jahren immer wieder durch den Südwesten des Landes zu ziehen. Da Jackson Pollock eine strenge Erziehung erfuhr, entwickelte er eine zur Liebe zur Natur, zu den Tieren und der Weite des Landes. Während eines Aufenthalts in Phoenix 1923 entdeckte er die indianische Kunst.

Frühzeitige Ausbildung und Frühwerk

Pollock besuchte die Manual Arts High School in Los Angeles, wo er sich mit Philip Guston anfreundete und wo er auch mit theosophischen Ideen vertraut gemacht wurde, die ihn auf seine späteren Interessen am Surrealismus und an der Psychoanalyse vorbereiten. Zwei von Pollocks älteren Brüdern, Charles und Sanford, strebten ebenfalls eine Karriere als Künstler an, und es war ihre Förderung, die Jackson 1930 nach New York lockte, wo er bei dem Maler Thomas Hart Benton in der Art Students League studierte.

In New York wurde Pollock von den Alten Meistern fasziniert und fing an, Wandmalerei zu studieren. Er posierte für Bentons Wandmalereien 1930-31 an der New School for Social Research, woraufhin er den prominenten mexikanischen Wandmaler José Clemente Orozco kennenlernte. Später verbrachte er einen Sommer damit, Diego Rivera bei der New Workers School bei der Bemalung von Wandmalereien zu beobachten, und 1936 trat er der experimentellen Werkstatt von David Alfaro Siqueiros bei, wo er lernte, unkonventionelle Maltechniken anzuwenden. Pollocks eigenständiges Gemälde Going West (1934-35) vermischt viele dieser Einflüsse und ist typisch für seinen damaligen Stil.

Während eines Großteils der 1930er Jahre lebte Pollock mit seinen Brüdern in Greenwich Village und war manchmal so arm, dass er als Hausmeister arbeiten musste, um zu überleben. 1932 wurde er jedoch zur Teilnahme an der 8. Ausstellung von Aquarellen, Pastellen und Zeichnungen amerikanischer und französischer Künstler im Brooklyn Museum eingeladen, seiner ersten Ausstellung.

Mittleres Werk

1936 traf Pollock Lenore ("Lee") Krasner. Mit der Zeit würde ihre Beziehung einige der wenigen Augenblicke der Ruhe und des Glücks bringen, die Pollock je kannte. Erst 1941 trafen sich die beiden wieder, woraufhin sie sich in eine Liebesbeziehung begaben und 1945 heirateten. In der Zwischenzeit trieb ihn Pollocks Alkoholismus - der seit seiner Jugend ein Problem darstellte - bereits 1938 in die Therapie, und 1939 wurde er mit der Psychoanalyse nach Jung behandelt. Sein Therapeut ermutigte ihn, Zeichnungen zu erstellen, um seine Genesung zu unterstützen, und die Methoden und Motive in diesen Zeichnungen fanden bald ihren Weg in Werke wie Guardians of the Secret (1943).

Trotz seiner persönlichen Probleme blieb Pollock zuversichtlich in seiner Kunst. Krasner war beeindruckt, als sie Anfang der 1940er Jahre sein Werk sah und ihn mit ihrem Lehrer Hans Hofmann bekannt machte. Hofmann war ebenfalls begeistert, woraus sich eine dauerhafte Freundschaft zwischen den beiden Männern entwickelte. Hofmann soll angemerkt haben, dass Pollock mehr aus der Natur arbeiten müsse, worauf Pollock bekanntlich antwortete:

"Ich bin die Natur"

Das WPA Federal Art Project endete 1943 und Pollock war gezwungen, selbstständig Arbeit zu finden. Neben verschiedenen Gelegenheitsjobs wurde er Aufseher im Museum of Non-Objective Painting (später Guggenheim Museum), wo er Peggy Guggenheim kennenlernte, die ihn einlud, Arbeiten in ihrer neuen Galerie auszustellen. Schließlich nahm Guggenheim Pollock unter Vertrag, und 1943 gab sie ihm seine erste Einzelausstellung, die gut angenommen wurde. Der Kritiker Clement Greenberg stellte mit Zustimmung fest, dass Pollock die mexikanische Wandmalerei Picasso und Miró aufgenommen und übertroffen habe. Die Bilder waren noch immer sehr figurativ, obwohl die darin enthaltenen Referenzen versteckt blieben.

Gleichzeitig beauftragte Peggy Guggenheim auch ein Gemälde für die Eingangshalle ihrer New Yorker Wohnung. Das Ergebnis war Mural (1943), das für Pollocks Wandel von einem von Wandmalereien, indianischer Kunst und der europäischen Moderne geprägten Stil zu seiner ausgeklügelten Drip-Painting-Technik von Bedeutung sein sollte. Und es war Guggenheim, die Pollock wieder half, als er eine Anzahlung benötigte, um ein altes Bauernhaus in Long Island zu finanzieren. Er und Krasner kauften das Bauernhaus im Herbst 1945 und heirateten im Oktober. Krasner hoffte, dass die Distanz zu den Schwierigkeiten und Versuchungen der Stadt eine große Chance für beide sein würde, ihre Malerei in Abgeschiedenheit und Ruhe fortzusetzen.

Wie Pollock auf seine Drip-Technik genau kam, ist eine Frage langer und unklarer wissenschaftlicher Auseinandersetzungen, aber seine Arbeit machte bereits Mitte der 1940er Jahre Schritte in diese Richtung. Er begann, die symbolische Bildsprache seiner früheren Werke zu verlieren und suchte nach abstrakteren Formen des Ausdrucks. Seine Erfahrung mit der Bemalung von Wandbildern für die Wohnung von Guggenheim im Jahr 1945 war auch wichtig, um ihn zum Weitermachen anzuregen. In den folgenden Jahren wurde sein Stil noch abstrakter, und er schuf Werke wie Shimmering Substance (1946).

Im folgenden Jahr kam er schließlich auf die Idee, Farbe zu vergießen und zu schütten und fand so die Mittel, um die leichten, luftigen und scheinbar endlosen Farbbahnen zu schaffen, die er anstrebte. Meisterwerke wie Full Fathom Five (1947) waren das Ergebnis. Pollock hatte einen weiteren stilistischen Salto durchgeführt und kam zu einer Methode, die Impressionismus, Surrealismus und Kubismus in sich vereinte.

Shimmering Substance führte zu Werken wie Number 1A (1948), einer größeren Leinwand, als Pollock es gewohnt war, und mit einem dichten Farbnetz.

NYC - MoMA: Jackson Pollock's Number 1A, 1948

Er fand heraus, dass er sich solchen Arbeiten am besten nähern konnte, indem er die Leinwand flach auf dem Boden platzierte, sich um sie herum bewegte und die Farbe von allen Seiten auftrug. Indem er einen kleinen Stock, eine Hausbürste oder eine Kelle in die Farbe tauchte und dann sein Handgelenk, seinen Arm und seinen Körper schnell bewegte, ließ er die Farbe tropfen und in Rhythmen auf die Oberfläche fallen.

Die Technik - der Inbegriff dessen, was der Kritiker Harold Rosenberg Action Painting nennen würde - ließ den Pinsel selten die Leinwand direkt berühren. "Auf dem Boden fühle ich mich wohler", sagte er. Bei Pollocks Arbeit ging es ebenso sehr um den Prozess wie um das fertige Ergebnis. Sie wurden zu einem Dokument seines Spiel in und um die Leinwand, wo er sie als Teilnehmer betreten und als ihr Schöpfer über ihr schweben konnte.

Kritiker erkannten schnell die Bedeutung der ausgereiften Werke von Pollock. Greenberg, der sein treuester und einflussreichster Unterstützer sein würde, schrieb damals:

"Seine Überlegenheit gegenüber seinen Zeitgenossen in diesem Land liegt in seiner Fähigkeit, wirklich gewaltsame und extravagante Kunst zu schaffen, ohne die stilistische Kontrolle zu verlieren." 

Aber als Pollocks Bilder durch die Berichterstattung in Magazinen wie der Vogue und dem Life Magazine ein breiteres Publikum erreichten, war die Reaktion eine Mischung aus Schock und Ungläubigkeit. Auch wurde seine Kunst zunächst nicht stark nachgefragt, da er nur einen kleinen Kreis von Unterstützern hatte. Der wirtschaftliche Erfolg kam bald, aber selbst auf seinem Höhepunkt, als die Galeristin Betty Parsons den Vertrag von Pollock übernommen hatte, wurde der Maler noch immer wegen seines Alkoholismus betreut.

Pollock soll von Mitte 1948 bis Ende 1950 trocken geblieben sein, und in diesen Jahren lebte er hauptsächlich auf Long Island und kam nur gelegentlich in die Stadt. 1950 hatte er eine erfolgreiche Einzelausstellung und wurde zusammen mit Arshile Gorky und Willem de Kooning von Alfred H. Barr, Jr., für die Biennale in Venedig ausgewählt. Ein Jahr später soll er wieder getrunken haben.

Späte Periode und Tod

Pollocks radikale Abstraktion schien eine unglaubliche neue Freiheit für die Malerei zu verkünden, doch der Anschein von wiedererkennbaren Bildsprachen schwebte im Hintergrund seiner Gemälde weiter. Die riesige Fläche der Blue Poles (1952) wird mit Hilfe von diagonalen Linien zusammengefügt. Und One: Number 31 (1950) bewahrt ein starkes Gespür für rhythmisch tänzerische Figuren, inmitten seiner bemerkenswerten Vielfalt an Effekten.

NYC - MoMA: Jackson Pollock's One: Number 31, 1950

Pollock mag den Realismus seiner Jugend aufgegeben haben, aber er hat es dennoch geschafft, seine Bilder metaphorisch zu gestalten. Wie viele seiner Gemälde aus dieser Zeit ruft man eine Stimmung der Größe hervor, die sie mit der Tradition der erhabenen Landschaft verbindet, die bis ins 18. Jahrhundert zurückreicht. Es leuchtet auch, als wäre es wie Monets Leinwände mit Licht durchflutet, und viele Kritiker haben darüber spekuliert, ob Pollock vom französischen Impressionisten beeinflusst wurde.

Bereits in den späten 1940er Jahren zeigte die figurative Gestaltung Anzeichen einer Wiederbelebung seines Werkes. Um 1950, als sein Alkoholkonsum zunahm, kehrte er zur Zeichnung zurück, restaurierte einige seiner alten Motive und produzierte eine Reihe von hauptsächlich schwarz-weißen, gegossenen Gemälden. Einige Arbeiten, wie Yellow Islands (1952), enthalten Farbakzente und sind sehr abstrakt; andere, wie Echo (Number 25, 1951) (nachfolgend abgebildet), sind kalligrafisch und nur ansatzweise figurativ.

Jackson Pollock

Andere Werke zeigen klare Bilder von Köpfen. Sie wurden schlecht aufgenommen, als Pollock sie zum ersten Mal ausstellte, aber er arbeitete bis 1953, seinem letzten produktiven Arbeitsjahr, weiter an ihnen.

Seine persönlichen Probleme nahmen erst in seinen späteren Jahren zu. Er verließ die Betty Parsons Gallery, und sein Ruf, der ihm vorauseilte, machte es ihm schwer, eine andere Galerie zu finden. Er malte 1954 nur noch wenig und behauptete, er habe nichts mehr zu verkünden.

Im Sommer 1956 unternahm Krasner eine Reise nach Europa, um etwas Abstand von Pollock zu gewinnen, und kurz darauf begann der Maler eine Beziehung zur 25-jährigen Künstlerin Ruth Kligman, die er in der Cedar Bar getroffen hatte.

In der Nacht des 11. August 1956, als Pollock betrunken war und mit Kligman und ihrer Freundin Edith Metzger unterwegs war, verlor er die Kontrolle über das Auto und tötete dabei Metzger und sich selbst und verletzte Kligman schwer.


Künstlerisches Erbe Pollocks

Pollocks unmittelbares Vermächtnis wurde sicherlich am stärksten von anderen Malern wahrgenommen. Sein Werk brachte Elemente des Kubismus, Surrealismus und Impressionismus zusammen und überschritt sie alle. Neben dieser Leistung schienen auch Größen wie de Kooning, der dem Kubismus näher blieb und sich an figurative Bilder hielt, hinterherzuhinken. Und die Besten der nachfolgenden Generationen von Malern müssten sich alle mit seiner Leistung auseinandersetzen, so wie Pollock selbst mit Picasso gewetteifert hatte.

Und schon 1958, als der bahnbrechende Performance-Künstler Allan Kaprow in einem Artikel für Art News die Frage nach seinem Vermächtnis explizit ansprach, begannen sich einige zu fragen, ob Pollock auch außerhalb der Malerei neue Möglichkeiten eröffnet haben könnte. Und so war es auch nur ein kurzer Schritt zur Interpretation von Pollocks rhythmischen Bewegungen rund um die Leinwand als eine Art von Performancekunst.

Seitdem hat sich der Ruf von Pollock nur noch erhöht. Als Thema vieler Biographien und großer Retrospektiven ist er nicht nur eines der berühmtesten Symbole des entfremdeten modernen Künstlers geworden, sondern auch eine Verkörperung für Kritiker und Historiker der amerikanischen Moderne in ihrer schönsten Form.


Bekannte Werke von Jackson Pollock

Going West, 1934-35

Beschreibung des Kunstwerks: Going West ist ein Beispiel für viele Aspekte von Pollocks frühen Interessen. In den 1930er Jahren war er stark vom amerikanischen Stil seines Mentors Thomas Hart Benton beeinflusst, doch Going West zeichnet sich durch eine dunkle, fast mystische Qualität aus, die einem anderen amerikanischen visionären Maler ähnelt, den Pollock bewunderte: Albert Pinkham Ryder. 

Die verwirbelten Formen, die das Bild strukturieren, rufen die emotionale Intensität von El Greco und Van Gogh hervor. Dieses Bild eines Pioniers, der den Westen bereist, verbindet Pollocks aufkommenden Stil mit seinen eigenen Ursprüngen.

Full Fathom Five, 1947

Full Fathom Five

Beschreibung des Kunstwerks: Full Fathom Five gehörte zu den ersten Tropfenbildern, die Pollock fertigstellte. Seine Oberfläche ist mit einer Vielzahl von Ablagerungen übersät, von Zigarettenkippen bis hin zu Münzen und einem Schlüssel. Während die obersten Schichten durch das Gießen von schwarzen und glänzenden silbernen Anstrichfarben entstanden sind, wurde ein großer Teil der Farbe mit Pinsel und Spachtel aufgetragen. 

Seit der ersten Ausstellung haben die Kritiker erkannt, dass solche Tropfenbilder auch als wichtige Entwicklungen in der Geschichte der modernen Malerei zu verstehen sind. Mit ihnen fand Pollock eine neue abstrakte Sprache für das Unbewusste, eine, die über die freudsche Symbolik der Surrealisten hinausging. Er brach den starren, flachen Raum der kubistischen Bilder auf und ersetzte ihn stattdessen durch ein dichtes Raumnetz, wie eine unergründliche Sternengalaxie.

Er brachte sogar den Impressionismus auf den neuesten Stand und schuf Bilder, die mit der Wirkung von Licht zu erstrahlen scheinen, die aber auch auf das pechschwarze und ängstliche Innere des menschlichen Geistes hinweisen.

Autumn Rhythm: Number 30, 1950

Beschreibung des Kunstwerks: Obwohl nur ein Gemälde aus Pollocks Einzelausstellung von 1950 tatsächlich verkauft wurde, erregte die Ausstellung große Aufmerksamkeit. Sie wurde von Art News als eine der drei besten Ausstellungen des Jahres bezeichnet, und Cecil Beaton inszenierte ein berühmtes Modeshooting im Ausstellungsraum, das später in der Vogue erschien.

Autumn Rhythm: Number 30 war eines der Hauptwerke, die in dieser Ausstellung zu sehen waren. Wie bei vielen von Pollocks Gemälden begann er mit einer linearen Rahmenstruktur aus verdünnter schwarzer Farbe, die in vielen Bereichen durch die ungrundierte Leinwand durchschien.

Darüber hinaus trug er weitere Streifen in verschiedenen Farben auf - Linien dick und dünn, hell und dunkel, gerade und gebogen, horizontal und vertikal. Wie der Titel schon vermuten lässt, erinnern die Farbgebung, die horizontale Ausrichtung und das Raumgefühl in Autumn Rhythm: Number 30 stark an die Natur. 

Die Balance zwischen Kontrolle und Zufall, die Pollock während seines gesamten Arbeitsprozesses beibehielt, brachte Kompositionen hervor, die ebenso ruhig sein können wie einige Werke von Rothko.

The Deep, 1953

Beschreibung des Kunstwerks: In den 1950er Jahren kam es zu erheblichen Veränderungen in Pollocks Arbeits- und Privatleben. Er fing 1951 an, Farbe zu meiden, und begann ausschließlich in Schwarz zu malen, obwohl mit dem Alkoholismus seine Produktivität stetig sank.

The Deep ruft eine Kluft hervor: Einen Abgrund, den man entweder vermeiden sollte, ehe man sich in ihm verliert. Die weiße Farbe wurde mit mehrschichtigen Pinselstrichen aufgebaut und zeigt eine Rückkehr von Pollocks direkter Auseinandersetzung mit der Leinwand.

Tropfen sind immer noch sichtbar und bilden nun ein Netz, das über dem Abgrund schwebt. Pollock war eindeutig auf der Suche nach einem neuen Ansatz, der sich verzweifelt von seinem charakteristischen Stil lösen wollte, doch seine letzten Bilder stellen weder einen Neuanfang noch einen Abschluss dar.


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