14 zeitgenössische Kunstwerke, die wegweisend für die Entwicklung der heutigen Kunst waren
Zeitgenössische Kunst ist die Kunst der Gegenwart, die seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bis heute entstanden ist. Hier sind 14 zeitgenössische Kunstwerke in chronologischer Reihenfolge von 1950 bis 2010, die wegweisend für die Entwicklung und die heutige Bedeutung der bildenden Künste waren.
Jackson Pollock, Autumn Rhythm, 1950
Foto: Shinya Suzuki / Flickr
Autumn Rhythm entstand auf dem Höhepunkt von Jackson Pollocks künstlerischer Laufbahn und ist ein perfektes Beispiel für die Drip-Painting-Technik, für die er so bekannt ist.
Wenn Pollock über der auf dem Boden liegenden Leinwand stand, tropfte, schüttete und spritzte er verdünnte Farben auf den Malgrund.
Diese großformatigen Leinwände stecken voller Energie und sollten am besten vor Ort im ganzen Format betrachtet werden, um die Wirkung und das Ausmaß dieser Arbeit verstehen zu können.
Roy Lichtenstein, Look Mickey, 1961
Foto: Lindsey Davis / Flickr
Look Mickey war das erste Mal, dass Roy Lichtenstein eine aus der Populärkultur direkt nachbildete.
Seine Nachbildung einer bereits bestehenden Comic-Abbildung bis hin zur Sprechblase führte dazu, dass viele das Werk als Affront gegen die Gepflogenheiten der Kunst verstanden, wobei dieser einzigartige Stil Lichtenstein schließlich zum Vorläufer der einflussreichen Pop Art machte.
Andy Warhol, Campbell's Suppendosen, 1962
Foto: Neil R / Flickr
Dieses bekannte Werk war eines der ersten Projekte Andy Warhols, bei dem er Bilder aus der Konsumwelt vervielfältigte und zum Kunstwerk erhob. Eine Tendenz, die später seinen unverwechselbaren Stil definieren sollte.
Obwohl die vorsichtige Wiederholung des Motivs ein Abbild der Massenproduktion der Konsumkultur ist, begann Warhol erst nach dieser Arbeit mit der Anwendung seiner berühmten Siebdrucktechnik zur Vervielfältigung von Kunstwerken.
Warhols Suppendosen von 1962 sind von Hand gemalt.
Yayoi Kusama, Infinity Mirror Room, 1965
Yayoi Kusama wird als eine der bedeutendsten Künstlerinnen unserer Zeit bezeichnet.
Ihr Werk hat häufig halluzinogene Anklänge, wobei sie Muster und Wiederholungen verwendet, um mit dem Konzept der Unendlichkeit zu spielen.
Infinity Mirrors ist eine fesselnde Installation, die die Besucher in ein überwältigendes Gefühl der Unendlichkeit eintauchen lässt. Im Laufe der Jahre hat Kusama mehr als 20 unterschiedliche Infinity Mirror Räume konzipiert, wobei ihr der erste aus dem Jahr 1965 zum Durchbruch in der internationalen Kunstszene verhalf.
Jean-Michel Basquiat, Untitled, 1981
Dieses lebendige, dynamische Werk, das Basquiat malte als er gerade zwanzig Jahre alt war. Das Gemälde wurde 1982 bei Basquiats erster amerikanischer Einzelausstellung als Untitled präsentiert, wobei ihm im Laufe der Zeit der beiläufige Titel Skull verliehen wurde (dt. Totenkopf).
Das Gemälde ist ein wichtiges Exemplar seiner Kopfbilder, die internationale Auktionsrekorde ausgelöst haben und beispielhaft für den künstlerischen Stil des jung verstorbenen Künstlers stehen.
Keith Haring, Untitled, 1982
Dieses Bild verkörpert Harings charakteristischen Pop-Art-Stil mit dynamischen Figuren und einer vereinfachten Komposition.
Von seinen bescheidenen Anfängen als Graffiti-Künstler in der New Yorker U-Bahn inspiriert, startete Haring seine kommerziell erfolgreiche Karriere mit seinen sofort erkennbaren Figuren und Motiven, von denen das Herz eines der häufigsten war.
Er nutzte seine Arbeit, um wichtige Botschaften rund um die HIV-Krise in einer Zeit bekannt zu machen, als diese Themen noch stark tabuisiert waren. Später verstarb er selbst noch im jungen Alter an den folgen der Krankheit.
Louise Bourgeois, Maman, 1990
Foto: shell300 / Shutterstock
Die riesige Spinnenskulptur Maman von Bourgeois ist über 9 Meter hoch. Es gibt verschiedene Versionen aus unterschiedlichen Materialien (eine aus Stahl und sechs weitere aus Bronze). Jede Spinne trägt unter ihrem Leib einen Eiersack mit 32 Eiern aus Marmor.
Die Skulptur wurde im Rahmen einer Ausstellung in der Tate Modern geschaffen und ist eine Hommage an die Mutter von Bourgeois, die überraschend starb, als die Künstlerin erst 21 Jahre alt war.
Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991
Foto: Dou_ble_you / flickr / CC BY-ND 2.0
Der in Formaldehyd konservierte Hai von Hirst ist bis heute eines der umstrittensten Kunstwerke der zeitgenössischen Kunst.
Das Original wurde 1991 vom Sammler Charles Saatchi in Auftrag gegeben, aber der Hai musste 2004 des Stücks ersetzt werden, da er in der Lösung zu verwesen begann. Deshalb und auch aufgrund der Bedeutung des Werkes wurde vielfach in Frage gestellt, ob die Arbeit überhaupt als Kunst gelten soll.
Zeitgenössische Kunstwerke von Jeff Koons, Balloon Dogs, 1994
Foto: Mibuchat / Flickr
Der ehemalige Wall-Street-Rohstoffhändler Jeff Koons ist in der Kunstwelt eine höchst umstrittene Persönlichkeit.
Er selbst hat erklärt, dass er keine tiefere Bedeutung oder Botschaft hinter seiner Kunst verbirgt. Er hat eine Werkstatt mit vielen Mitarbeitern etabliert, die seine Visionen produzieren, anstatt sie selbst zu schaffen.
Aus diesen Gründen stellen viele Kritiker in Frage, ob seine teils kitschigen Skulpturen als Kunst bezeichnet werden sollten.
Seine Ballonfiguren aus Edelmetall gehören zu den Werken, die man direkt mit Koons' Schaffen assoziiert.
Andreas Gursky, Rhein II, 1999
Rhein II ist rund 3,6 Meter breit und 1,8 Meter hoch. Die enorme Größe hätte eine Fülle von kompositorischen Möglichkeiten zulassen können, doch hat sich Andreas Gursky für eine äußerst einfache formale Komposition entschieden.
Während die eigentliche Aufnahme Hochspannungsleitungen, Bäume und Vieh zeigte, hat Gursky all diese Dinge sowohl durch analoge als auch digitale Verfahren entfernt.
Gurskys Einsatz von digitalen Manipulationen löste eine öffentliche Diskussion darüber aus, ob die Fotografie nun der Malerei als Kunstform gleichgestellt sei.
Seine Arbeiten fühlten sich auch wie ein bedeutender Generationenwechsel der Fotografie hin zu einem Kunstpublikum an, das es nicht gewohnt war, Farbaufnahmen in einem solchen Ausmaß und mit solchen Details zu sehen.
Zeitgenössische Kunstwerke von Banksy, Girl with Balloon, 2002
Dieses inzwischen ikonische Wandbild von Banksy erschien erstmals auf der Waterloo Bridge in London, obwohl es inzwischen übermalt wurde.
Das Motiv ist mehrmals aufgetaucht, um verschiedene politische Kampagnen zu unterstützen, insbesondere die syrische Flüchtlingskrise in 2014 und 2015.
Im Jahr 2018 wurde eine gerahmte Kopie des Werkes bei einer Auktion bei Sotheby's dank eines eingebauten Schredders unmittelbar nach dem Zuschlag zerstückelt. Die Frau, die das Bild zu einem Rekordpreis erworben hatte, beschloss, die Transaktion dennoch durchzuführen.
Takashi Murakami, Flowers, 2002
Foto: BFLV / Flickr
Murakami wurde zunächst in der traditionellen japanischen Kunst des Nihonga ausgebildet, bevor ihn der diesem Genre innewohnende Elitismus frustrierte.
Anfang der 2000er Jahre prägte er den Stil des Superflat, um das Erbe der zweidimensionalen Kunst in der japanischen Kultur aufzugreifen, die auf einer langen Historie von Anime und Manga basiert.
Ai Weiwei, Remembering, 2009
Der chinesische Künstler Ai Weiwei schuf dieses auffällige Werk in Andacht der Kinder, die 2008 bei dem verheerenden Erdbeben in der Provinz Sichuan ums Leben kamen, als instabil gebaute Schulen und Regierungsgebäude einstürzten.
Einige zeitgenössische Kunstwerke wie Remembering sind großformatige Arbeiten mit großer Öffentlichkeitswirksamkeit. Remembering besteht aus 9.000 Rucksäcken von Schülern, die in chinesischen Schriftzeichen die Worte "Sie lebte sieben Jahre lang glücklich auf dieser Welt" ergeben, ein Zitat einer trauernden Mutter über ihr verlorenes Kind.
Marina Abramović, The Artist is Present, 2010
Vogelperspektive: Marina Abramovic: The Artist is Present, MoMA | Foto: Rory / Flickr
The Artist is Present war in gewisser Hinsicht eine sehr einfache Arbeit. Die in Belgrad geborene, zu diesem Zeitpunkt 63 Jahre alte Performance-Künstlerin Marina Abramović saß schweigend auf einem Stuhl den Museumsbesuchern gegenüber, die nacheinander so lange mit ihr an einem Tisch sitzen konnten, wie sie wollten.
Abramović führte diese Performance während der gesamten Dauer ihrer Retrospektive 2010 durch, die sich auf eine Gesamtlaufzeit von 736 Stunden und 30 Minuten belief. Ihre Ausstellung zog 850.000 Besucher an und erregte weltweites Medieninteresse.
